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Patricia Gouvêa no Exhibition Centre de Pequim

2012-4-27T12:58:03Z

Abertura da exposição Exercícios de Arte Lúdica da nossa fotógrafa Patricia Gouvea na ARTBEIJING, feira internacional de arte contemporânea no Agricultural Exhibition Centre de Pequim, entre os dias 30 de abril e 2 de maio. Estande da Embaixada Brasileira nr. D8.

A exposição “Exercícios de Arte Lúdica” é composta por sete fotografias de grande formato e cinco vídeos. Trata-se de um desdobramento da pesquisa que Patrícia desenvolve desde 2005 sobre a “noção de tempo” na imagem, desde a série Imagens Posteriores.

A ideia do projeto é encontrar em cada cidade visitada, no Brasil e no mundo, uma parcela do espaço urbano que seja ativamente usada por seus moradores em momentos de lazer; retratar emoções e experiências propiciadas pelo jogo, pelo esporte e pelo simples tempo livre.

Pulitzer de fotografia 2012

2012-4-23T17:19:10Z

A fotografia de uma menina de 12 anos chorando após a explosão de uma bomba em Cabul, no Afeganistão, recebeu nesta segunda-feira (16) o prêmio Pulitzer na categoria melhor imagem de notícia urgente (“breaking news”). O autor da foto é Massoud Hossaini, da agência France Presse, e o prêmio foi entregue em Nova York (EUA).

Na imagem chocante Tarana Akbari, 12, grita e chora momentos depois de um homem-bomba detonar os explosivos em meio a multidão em Cabul, no dia 6 de dezembro de 2011 –a foto foi publicada no dia seguinte. Ao seu redor, é possível ver corpos espalhados pela rua, principalmente de crianças.

Renan Cepeda é finalista em prêmio internacional de fotografia

2012-4-18T16:36:37Z

O fotógrafo carioca Renan Cepeda é um dos finalistas do prêmio World Photography Award 2012, patrocinado pela Sony. Cepeda é o único representante do Brasil e concorre na categoria "natureza morta".

A premiação acontece em Londres, na Inglaterra, no dia 26 de abril. Seu trabalho -- a série Knight Paintings, fotografada no interior da Espanha-- foi selecionado entre 8.000 projetos vindos de 171 países.

Cepeda utilizou no trabalho uma técnica que investiga há mais de dez anos para fotografar cenas noturnas, que faz uso de lanternas, canetas laser e papel de bombom.

Suas fotos serão expostas em São Paulo no segundo semestre.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS no ESTADÃO!

2012-3-26T16:37:40Z

Uma grande vitrine para fotógrafos brasileiros. Na Internet. A ideia, nascida em maio de 2010, rendeu frutos e Luiz Porchat comemora, agora, espaço físico próprio de seu Escritório de Fotografias. Na Galeria Ouro Fino. “Pensei no Edifício Itália; depois, no Conjunto Nacional. Mas optei por um lugar mais descolado”, explica. Acabou ganhando uma nova vitrine, pois a fachada do escritório é toda de vidro. O próximo desafio de Porchat em 2012? “O Brasil vive um momento muito positivo. É hora de expandir os horizontes da nossa arte”, conclui.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na primeira edição da feira P/ARTE!

2011-11-18T21:39:46Z

Primeira edição da Feira P/ARTE - Feira de Arte Contemporânea que rolou em São Paulo, confira aqui as fotos do Stand do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS !

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na feira PARTE!

2011-11-09T16:56:07Z

Depois de participar da SP-Arte/Foto, o Escritório de Fotografias, galeria virtual idealizada pelo marchand e colecionador Luiz Porchat, marca presença na Feira PARTE, que reúne 22 galerias e acontece de 18 a 20 de novembro, em São Paulo.

Em sua primeira edição, a PARTE é uma feira de arte inovadora, catalisadora de ideias e um impulso inédito à arte contemporânea nacional, que reúne quadros, fotografias e objetos de arte das melhores galerias e com preços acessíveis.

Com obras a partir de R$ 450,00, o Escritório de Fotografias exibe o trabalho de seus fotógrafos representados – Fausto Chermont, Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Jaques Faing, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda -, além de apresentar obras de Francisco Moreira da Costa e Fernando Lessa.

Sobre o Escritório de Fotografias – Uma proposta diferente
O Escritório de Fotografias, que representa fotógrafos renomados e novos talentos, ultrapassa os tradicionais e limitados modos de exposição, já que, por ser uma galeria virtual, permite o acesso universal, ou seja, pessoas de qualquer parte do mundo podem visualizar e adquirir as obras fotográficas, difundindo a arte da fotografia brasileira e permitindo a livre circulação de trabalhos, que estariam confinados a acervos técnicos ou limitados pelo espaço físico. O principal objetivo do Escritório de Fotografias é romper com a visão de que obras de arte são mercadorias inacessíveis.
http://www.feiraparte.com.br/
Para obter mais informações sobre as obras, como fichas técnicas e preços, basta se cadastrar no site www.escritoriodofotografias.com. Para quem prefere um atendimento personalizado, Luiz Porchat recebe com hora marcada: agendamento pelos telefones (11) 6400-6551 ou (11) 3034-4569.

Escritório de Fotografias na Feira PARTE
Quando: 17 de novembro (abertura para convidados) e de 18 a 20 de novembro
Onde: Rua Lisboa, 904 – Pinheiros – São Paulo/SP

Horários de funcionamento: dias 18 (sexta-feira) e 19 de novembro (sábado), das 12h às 22h; e 20 de novembro (domingo), das 12h às 190h
Ingressos: R$ 15,00 (inteira) e R$ 7,50 (estudantes e maiores de 60 anos). Crianças até 10 anos não pagam.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na Casa Vogue

2011-10-11T20:21:14Z

Detalhes da obra:

Artista: Ana Lúcia

Da série Paisagens Esquecidas

Impressão: em papel de algodão

Tiragem: x/5

60 x 40 cm Backlight

Para saber mais sobre esta série , clique no link abaixo:

http://escritoriodefotografias.com/galeria/serie-paisagens-esquecidas

OFF PEF 2011

2011-9-25T19:08:31Z

O tema do OFF PEF é TEMPO FUTURO/FUTURO do TEMPO. Embarquem nesta viagem!!

E para quem estiver em Paraty, tem o re-lançamento do livro MEMBRANAS DE LUZ: OS TEMPOS NA IMAGEM CONTEMPORÂNEA, no dia 22/9 às 21h, no Lounge do Visitante: http://paratyemfoco.com/_lancamentos-de-livros-e-revistas/

Paraty em Foco 2011

2011-9-24T19:58:38Z

A sétima edição do Paraty em Foco vem com o título_tema #FUTURO, numa deliberada formatação twitiana (que vem do twiter) aproximando um mundo de imagens que sacramentam o digital como meio de produção, difusão e como linguagem. Conceitos de hoje e de amanhã pelas mãos de diferentes e influentes profissionais do Brasil, Inglaterra, Holanda, África do Sul, Estados Unidos, Peru, Itália, Espanha, França e Argentina.

Um eclético e heterogêneo grupo que vem discutindo as novas plataformas multimídias, a preservação de imagens, a filosofia da fotografia e como podemos entender e fazer a digressão dessas orientações e seus paradoxos que determinam um futuro já presente entre nós e que está se tornando quase passado!

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na SP-ARTE/FOTO 2011

2011-9-13T20:13:07Z

Escritório de Fotografias integra o time de galerias da SP-Arte/Foto 2011

O Escritório de Fotografias, galeria virtual idealizada pelo marchand e colecionador Luiz Porchat, participa da quinta edição da SP-Arte/Foto, a maior feira de fotografia do país, que acontece entre 15 e 18 de setembro, no Shopping Iguatemi (Av. Brig. Faria Lima, 2232 - São Paulo), estacionamento boulevard.

Em sua primeira participação no evento, o Escritório de Fotografias pretende compartilhar seu ponto de vista sobre a fotografia contemporânea, além de difundir e valorizar a fotografia autoral, que é principal foco da galeria virtual, que funciona desde 2009.

“Chegou o momento de mostrarmos aos colecionadores e apaixonados pela fotografia o nosso time e seus universos tão especiais. A fotografia autoral me fascina e tenho muito prazer em apresentar o trabalho desses talentos representados pelo Escritório”, afirma Luiz Porchat.

Fotógrafos representados: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Jaques Faing, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda.

Sobre o Escritório de Fotografias – Uma proposta diferente

O Escritório de Fotografias, que representa fotógrafos renomados e novos talentos, ultrapassa os tradicionais e limitados modos de exposição, já que, por ser uma galeria virtual, permite o acesso universal, ou seja, pessoas de qualquer parte do mundo podem visualizar e adquirir as obras fotográficas, difundindo a arte da fotografia brasileira e permitindo a livre circulação de trabalhos, que estariam confinados a acervos técnicos ou limitados pelo espaço físico. O principal objetivo do Escritório de Fotografias é romper com a visão de que obras de arte são mercadorias inacessíveis.

Para obter mais informações sobre as obras, como fichas técnicas e preços, basta se cadastrar no site www.escritoriodofotografias.com. Para quem prefere um atendimento personalizado, Luiz Porchat recebe com hora marcada: agendamento pelos telefones (11) 6400-6551 ou (11) 3034-4569.

Escritório de Fotografias na SP-Arte/Foto

Quando: de 15 e 18 de setembro de 2011

Onde: Shopping Iguatemi, Av. Brig. Faria Lima, 2232, São Paulo, Brasil – estacionamento boulevard

Horários de funcionamento: dias 15 e 16 de setembro, das 14h às 22h; e 17 e 18 de setembro, das 12h às 20h

Entrada Franca

Renan Cepeda - Knight Paintings

2011-8-26T20:14:39Z

Renan Cepeda investiga há mais de dez anos a técnica do light painting em paisagens e cenas noturnas no interior do Brasil e mais recentemente, nos Andes peruanos. O fotógrafo acaba de regressar de mais uma investida com esta experiência fotográfica: o altiplano de Castilla y Leon, região no oeste da Espanha muito famosa por seu vinho de Toro e por uma grande quantidade de castelos medievais abandonados, em ruínas ou mesmo restando apenas alguns vestígios. Da Espanha, Renan Cepeda trouxe uma coleção de castelos fotografados à noite com lanternas e canetas laser, registrando efeitos luminosos em suas câmeras antigas de filme - como uma Rolleiflex 6x6cm e uma Linhof 4x5 polegadas, ambas fabricadas nos anos 1950 -, sem se furtar de lançar também um olhar diurno para algumas paisagens singulares desta região ibérica, que guarda ainda muitos mistérios dos cavaleiros templários e de bruxos que ali se reuniam até a implantação da Santa Inquisição. O resultado desta viagem no tempo pode ser visto pelo público na exposição Knight Paintings, que o fotógrafo inaugura dia 30 de agosto, terça-feira, às 19h, na Galeria Tempo (Av. Atlântica, 1782 / loja E. Copacabana - ao lado do Copacabana Palace). A mostra apresenta 22 obras inéditas em formatos que variam entre 24x24cm e 110x130cm, feitas com filme infravermelho e com a técnica light painting, marca registrada do artista, que se tornou uma referência da fotografia brasileira. Em Knight Paintings, Cepeda continua sua busca pela contra mão do exótico, que teve início com as séries realizadas pelo interior do Brasil, quando registrou casas abandonadas, acreditando que o fato de estarem desabitadas dava a elas uma vida própria. Ao apontar suas lentes para outro continente encontrou castelos, mais antigos que o próprio Brasil, tão abandonados quanto as casas do sertão brasileiro. “A série continua a construção desse meu mundo e tento seduzir o espectador para dentro dele, educando o olhar das pessoas para a fotografia noturna”, explica. “No escuro o fotógrafo pode ter a luz em punho a moldá-la. Casas e pessoas podem ser ‘pintadas’ de distintas formas”, conclui o fotógrafo. Com a ingenuidade de um iniciante, Renan Cepeda ousa tentar reinventar a fotografia quando aumenta seu tempo de exposição para dezenas de minutos, dissociando-a do chavão “instante decisivo”. Os momentos de decisão se restringem à escolha das construções, seus ângulos quase sempre em perspectiva, e as cores que sua lanterna fará imprimir nas paredes e objetos, em jatos de luz à noite. Como pinceladas em uma tela constrói então sua paisagem, entrando na própria cena enquadrada e decidindo qual e como cada coisa dentro dela será contemplada pela fonte de luz em suas mãos, para que então passe a existir na fotografia. Sem monitoramento, há de se ter domínio da porção de luz e sua direção. Entretanto, em completa escuridão o fotógrafo enxerga apenas o foco da lanterna, sem visualizar o resultado final, o qual será sempre uma surpresa para ele mesmo ao se revelar a película em laboratório. Papéis de bala e sacos de supermercado, por exemplo, funcionam como filtros coloridos à frente das lanternas, criando os matizes de cores na imagem. Knight Paintings é a evolução do nome Night Paintings, título de uma série de fotografias brasileiras já apresentadas em individuais no Brasil e exterior, que por sua vez provêm de "light painting", termo internacional que denomina esta técnica, muito utilizada em fotografias comerciais de pequenos objetos em estúdio. Além do light painting, Cepeda estuda a fotografia infravermelha, a qual, curiosamente, também não vê os resultados como se percebe ao vivo. “A fotografia deve se manter em seu território de mistério e alquimia pura, preservando o tempo da espera de se revelar as imagens”, acredita, “é o que os fotógrafos norte-americanos de paisagens chamam de ‘waiting time’: a limitação autoimposta de não ver o resultado na hora – como na fotografia digital – forçando o autor a aplicar toda a atenção e todo seu conhecimento para garantir a qualidade da obra, in loco, sem pós-produção”, explica. Desta forma o autor torna-se expectador de seu próprio trabalho, ainda mais no caso de Cepeda, que sequer vê seus assuntos durante as tomadas, como um fotógrafo cego.

Renan Cepeda no jornal O Globo

2011-8-24T20:16:07Z

Renan Cepeda, fotógrafo carioca representado pelo ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS expõe no Rio série produzida na Espanha. Confira a matéria na íntegra aqui em nosso blog!

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na Dasartes!

2011-8-23T20:17:30Z

Confira a nota sobre a nova série da nossa fotógrafa Christiana Carvalho "Flores" e também a Imagem de Patricia Gouvêa!

Inauguração de Palimpsestos, obras de Tom Lisboa no Ateliê da Imagem

2011-8-23T11:18:51Z

Dia 26/8 as obras do artista visual Tom Lisboa vão invadir todo o Ateliê da Imagem Espaço Cultural.

- na galeria são fotografias e vídeos (Palimpsestos)
- no jardim, intervenções urbanas (Mirando(a)).
- no estúdio a palestra Fotografia Marginal

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na Casa Claudia!

2011-8-10T20:18:15Z

Veja a matéria na Casa Claudia de agosto com o ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS!

Programa Colecionador Paraty em Foco

2011-7-29T20:20:08Z

Através de uma contribuição anual, 23 participantes irão colaborar diretamente com a receita do festival enquanto adquirem uma obra numerada e autografada. A partir da sétima edição [2011] todo ano convidaremos um artista renomado para participar. Abrimos o Programa com Claudia Jaguaribe, suas obras integram as melhores coleções do mundo, entre elas a da Maison Européenne de la photographie e, recentemente, foi convidada a participar da coleção Inhotim. Claudia também é uma das convidadas da programação oficial do festival deste ano. Dividimos o Programa em quatro formatos, cada um deles oferece uma série de benefícios: Grande Formato_3 vagas que contribuem com R$ 10.000,00 _Impressão fotográfica em papel algodão de obra numerada e autografada no formato 125x83cm _Crédito inicial de R$ 800,00, para um lance em qualquer obra, no Leilão Paraty em Foco _Uma vaga em qualquer workshop do festival _Dois pares de ingressos para todas as mesas, palestras e entrevistas _Convite válido para duas pessoas para os coquetéis do Paraty em Foco _Convite válido para duas pessoas para um almoço com convidados do festival _Inclusão de nome nos materiais de divulgação do Paraty em Foco* Médio Formato_5 vagas que contribuem com R$ 5.000,00 _Impressão fotográfica em papel algodão de obra numerada e autografada no formato 90x60cm _Um par de ingressos para todas as mesas, palestras e entrevistas _Convite válido para duas pessoas para os coquetéis do Paraty em Foco _Convite válido para duas pessoas para um almoço com convidados do festival _Inclusão de nome nos materiais de divulgação do Paraty em Foco* 35mm_5 vagas que contribuem com R$ 3.000,00 _Impressão fotográfica em papel algodão de obra numerada e autografada no formato 60x40cm _Um par de ingressos para todas as mesas, palestras e entrevistas _Convite válido para duas pessoas para os coquetéis do Paraty em Foco _Inclusão de nome nos materiais de divulgação do Paraty em Foco* Snapshot_10 vagas que contribuem com R$ 1.500,00 _Impressão fotográfica em papel algodão de obra numerada e autografada no formato 45x30cm _Um ingresso para todas as mesas, palestras e entrevistas _Convite válido para duas pessoas para os coquetéis do Paraty em Foco _Inclusão de nome nos materiais de divulgação do Paraty em Foco* *O participante pode decidir por incluir ou não o nome nos materiais do Paraty em Foco Para mais informações entre em contato com Carolina Escobar no telefone +55 11 3473-5410 ou escreva para carolina@paratyemfoco.com

SEXTA LIVRE apresenta sete anos de ensaios

2011-7-28T10:44:16Z

Após a exibição, o público poderá conversar e tirar dúvidas com: Alexandre Plastino, Ana Cláudia Freire, Ana Giglio, Ana Rodrigues, Ana Rovati, AnaCris Loureiro, André Ribeiro, Astrid Hellmuth, Carlos Brausz, Clau Pavesi, Daniel Chiacos, Fatinha Costa, Glória Accioly, Henrique Andreda, José Diniz, Juscelino Bezerra, Kelly Lima, Lucia Siepman, Lucrécia Vinhães, Malu Lopes, Marcelo Carrera, Marcio Miranda Ferreira, Maria Lucia Reis, Maria Soledade Vinardell, Ricardo Faillace, Roberto Muller, Rodrigo Rezende de Brito Neto, Rogério Latorre, Sílvio Moréia, Sonia Góes, Sonia Fleury, Tatiana Guinle, Roberto Machado Alves.

SERVIÇO:

SEXTA LIVRE- Apresenta SETE ANOS DE ENSAIOS, exibição de fotos de 33 fotógrafos, seguido de bate-papo com o público. Coordenação: Claudia Tavares.
Ateliê da Imagem Espaço Cultural, Avenida Pasteur, 453, Urca
Telefones: 2541-6930 e 2244-5660
www.ateliedaimagem.com.br
Dia 27 de maio, às 19h
Entrada franca.

Chez Escritório de Fotografias no EYE4DESIGN

2011-7-18T15:39:46Z

Escritório de Fotografias

Um lugar é muito mais do que simplesmente um lugar. Construímos, aos poucos, uma manta de recordações, feito colcha de retalhos, onde celebramos conquistas, datas importantes, guardamos nossos pequenos tesouros - que nos remetem a também outros lugares -, momentos que parecem viver ali, impregnados de história, de conforto, de uma soneca de fim de tarde.

É assim, bem lá em casa, que Luiz Porchat nos recebeu. Ele é o rosto por trás do Escritório de Fotografias, uma galeria deliciosa que conta com uma dúzia de artistas escolhidos a dedo, que ele mantém na edícula da propriedade, aberta para visitação com hora marcada.

Atravessando o jardim, com a companhia e afago dos cães Yolanda e Tarsila - em homenagem, claro, às artistas -, já começamos a imaginar o que nos espera. Ali, onde vivem o Luiz e sua mulher, Julia Suslick, à espera de um bebê, pudemos conhecer a extensa coleção de arte que figura exuberante pelos cômodos da casa, tomando paredes, a escada e, inclusive, a porta da cozinha, que recebeu inscrição exclusiva do artista Antonio Peticov, amigo do casal.

Renan Cepeda finalista do Hasselblad Masters

2011-7-18T15:25:08Z

O prêmio Hasselblad Masters é um dos mais prestigiados prêmios da indústria fotográfica e a cada ano celebra o talento do que há de melhor na fotografia. Master Awards são concedidos em reconhecimento a fotógrafos que contribuiram para a arte da fotografia e são julgados na capacidade fotográfica em geral, abrangendo a criatividade, composição, força conceitual e habilidade técnica. Prêmios anteriores incluiram tanto os artistas de renome de prestígio internacional, assim como os novatos promissores em um vasto leque de áreas e disciplinas.

Novo polo para decoração - Renan Cepeda

2011-7-06T11:59:09Z

O caminho do bondinho de Santa Teresa sempre levou a charmosos ateliês escondidos nos apartamentos e no casario antigo de um dos bairros mais encantadores da cidade. Especialmente em eventos como o Arte de Portas Abertas, que chega a sua 21 edição no próximo fim de semana, mantendo a tradição de levar o povo para onde a arte está. A novidade este ano é que os turistas e cariocas que passearem pelas sinuosas ruas de Santa vão perceber um novo polo se formando para a decoração.

Pertinho do Largo das Neves e do famoso Bar do Gomes de um lado; e dos ateliês de Carlos Vergara e Júlio Castro do outro; a confluência das ruas Aarão Reis, Áurea, Miguel de Resende e Oriente vem atraindo outros artistas e dando cara nova ao local, que já começa a ser chamado, pelos próprios profissionais, de Quartier Oriente. Com um detalhe: ali os ateliês estão bem à mostra, com direito inclusive a grandes vitrines para as ruas.

Santa Teresa tem áreas de freguesia: no Guimarães está o artesanato, os restaurantes; no Curvelo, tem um conjunto de casas comerciais e aqui, no ramal menos badalado do bonde, há tudo para uma nova área para as artes - defende o fotógrafo Renan Cepeda, que fala com conhecimento de causa.

Morador do bairro desde que nasceu e um dos únicos a ter participado de todas as edições do Arte de Portas Abertas, ele abriu ano passado o Ateliê Oriente, ao lado dos também fotógrafos Kitty Paranaguá e Thiago Barros, numa casa que já foi laboratório de cinema, padaria e mais recentemente abrigou os ensaios do bloco Céu na Terra. Depois de três anos fechado, o espaço de 72 metros quadrados agora guarda obras dos três em paredes móveis espalhadas pelo galpão, onde também fica o escritório do trio e, vez ou outra, acontecem exposições.

- É um espaço multifacetado. Trabalhamos melhor por ser um lugar mais calmo que o Guimarães, por exemplo. Mas estamos prontos para receber o público mesmo quando não houver exposições. A vitrine faz essa comunicação com a rua, e as pessoas querem saber o que tem aqui - enfatiza Renan.

Quase um embaixador desta nova freguesia, Cepeda tenta convencer os proprietários locais a alugarem seus espaços para outros artistas (interessados não faltam) e já atraiu para lá a amiga Antonia Dias Leite, que mistura fotografia, vídeos e instalações em seu trabalho. Depois de viver 10 anos em Nova York, ela escolheu Santa Teresa para estabelecer seu ateliê. O local? Uma loja, a poucos passos do Ateliê Oriente, que costumava vender ração. Agora, o piso original de ladrilho hidráulico ajuda a dar o ar moderninho ao ambiente que ganhou tubulação aparente para a fiação elétrica, paredes brancas, um janelão com vista para as favelas e, claro, portas de vidro.

- Não quero ter uma galeria. Este é o meu estúdio, um local de trabalho aberto a acontecimentos artísticos, como os happenings dos anos 60. Estou aqui há um mês, mas já conheço todo mundo da rua. E foi exatamente isso que me trouxe para Santa Teresa: é uma comunidade local, mas também internacional. Aqui, tenho o mesmo tipo de convivência que tinha em Nova York - diz a artista, que abre oficialmente o seu espaço durante o Arte de Portas Abertas.

Não muito longe dali, na Pascoal Carlos Magno, uma garagem de tijolos aparentes - que já serviu a uma pizzaria - é dividida há um ano e meio pelos ceramistas Dony Gonçalves e Binho Maturano. O primeiro, um veterano do evento; o segundo, um estreante que promete mostrar sua última série, Nonada, em que órgãos humanos e animais se misturam formando peças inusitadas. Além de receber os visitantes, os dois costumam dar aulas:

- É legal ter o ateliê sempre em movimento - diz Binho.

O Arte de Portas Abertas vai de sexta a domingo próximos, com 80 artistas divididos em 38 ateliês e cinco centros culturais.

Fonte: O Globo
Karina Tavares

Catálogo "São Paulo Sec.XXI" - Fausto Chermont

2011-7-06T11:49:03Z

Desde este sábado já esta disponível o catálogo da exposição São Paulo Século XXI, do nosso fotógrafo Fausto Chermont, que convida os visitantes a enxergar a megalópole paulista por diversos prismas, ressaltando tanto a arquitetura quanto outros aspectos visuais e urbanísticos.
Corra para garantir o seu!
Veja aqui em nosso site seu trabalho.

Exercícios de Arte Lúdica - Fotografias e vídeos de Patricia Gouvêa

2011-6-28T18:39:56Z

A Exposição da série in progress EXERCÍCIOS DE ARTE LÚDICA, é composta de 7 fotografias de grande formato e 5 vídeos, iniciada em 2005. Um desdobramento da pesquisa que a artista vem desenvolvendo sobre a noção de Tempo na imagem, desde a série Imagens Posteriores. A idéia do projeto é encontrar, em cada cidade visitada no Brasil e no Mundo, uma parcela do espaço urbano que seja ativamente usada por seus moradores em momentos de lazer, onde emoções e experiências propiciadas pelo jogo, pelo esporte e pelo simples tempo livre afloram em todo nós. Uma ode aos aparentemente tempos-mortos, explorados com sensibilidade por mestres do cinema como Yasugiro Ozu e Abbas Kiarostami.

O ângulo das imagens sugere um olhar voyerístico, como uma câmera de vigilância que estivesse à espreita de alguma ação proibida por parte destas pessoas. Mas aqui não é o proibido que está em jogo, o que se quer delatar, mas o deleite, o descanso, o prazer, o esporte, as pausas que homens e mulheres se permitem em meio à ditadura dos relógios cronológicos que contam as horas de trabalho e afazeres que recheiam a maior parte de nosso tempo.

SaLA de Fotografias no feriado!

2011-6-22T11:33:05Z

Vai ficar em São Paulo no feriado ?
O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS dá uma ótima dica: A SaLA de Fotografias foi prorrogada até esse sábado dia 25! corre lá:

Loja SaLA:
Alameda Franca, 1.365 (esquina com a Rua Bela Cintra), Jardim Paulista São Paulo, SP Tel.: (11) 3081-3184

Dias e horários de funcionamento: de segunda a sexta-feira, das 10h às 19h; aos sábados das 12h às 17h.

ESCRITÓRIO DE FOTOGTRAFIAS na Casa Cor!

2011-6-14T16:22:15Z

A Floricultura, elegantíssima, é um dos ambientes que os visitantes da Casa Cor São Paulo poderão conferir este ano, no prédio da Casa Hotel. Assinado pelo arquiteto Paulo Gazola, que participa da mostra pela 16ª vez, o ambiente de 40 metros quadrados tem inspiração na floricultura Floral Symphonies, de Nichlas Vilsmark, em Chelsea, Inglaterra.

Com estilo vintage e predomínio da cor fendi, Gazola buscou composições luxuosas e aconchegantes para a Floricultura, que foge do convencional e se assemelha mais a uma loja de decoração sofisticada.

Para garantir o luxo, as paredes ganharam revestimento de tecido listrado, de shantung de seda orgânico na cor fendi, que é tendência em Nova Iorque e está à venda na Reserva Pessoal, loja do arquiteto localizada no Brooklin Novo, em São Paulo.

Num contraste de materiais, o arquiteto decorou uma das paredes com uma obra fotográfica da série In Natura, da artista Patrícia Gouvêa, que é representada pela galeria virtual Escritório de Fotografias, criando um link entre a arte e as flores.

Impossível deixar de mencionar o lindo piso de laminado padrão carvalho rústico, de 25 cm de largura e com padrões sustentáveis, da coleção Eucafloor, lançamento exclusivo para a Casa Cor 2011.

Já para a decoração do espaço, foram selecionados móveis de diferentes estilos, como a mesa inglesa do século XIX, redonda e alta, feita de madeira teka; quatro poltronas old fashioned trazidas de Nova Iorque, em estilo vintage e revestidas de couro natural destressed; aparadores inglês e chinês do século XIX; uma cômoda brasileira de jacarandá, do final do século XVIII e três molduras de carvalho, em vermeil com espelhos ingleses do século XIX, todos da Reserva Pessoal.

A iluminação ficou por conta do imponente lustre de bronze francês, do século XIX, que se destaca pelas oito mangas e seus cristais. Também para a iluminação do ambiente, Gazola desenhou, especialmente para a mostra, duas luminárias de acrílico com cúpula de tecido vintage, representando a flora e fauna, também importados de Nova Iorque.

Outro destaque do ambiente é o tapete de Ziegler Moderno, da Tabriz Collection, feito de lã na cor ferrugem, e as três persianas de fibra natural em estilo romano, da Amorim.

A Floricultura da CASA COR oferece lindos arranjos de flores - orquídeas e tulipas - e plantas naturais e permanentes, com flores feitas de silicone, tanto para mesa como para parede, além de pequenos objetos de decoração, como velas, vasos, caixas, porta-retratos e mimos diferenciados, como os aromas Casa Cor by Reserva Pessoal, todos à venda durante a mostra.

Registros da 1a.SaLA de Fotografias

2011-6-01T09:04:23Z

De um lado o Escritório de Fotografias, uma galeria virtual idealizada por Luiz Porchat, com o objetivo de valorizar este suporte artístico e aproximá-lo do público em geral, especialmente daqueles que não têm o hábito de visitar galerias e espaços de exposições. Do outro, a SaLA, loja da designer Juliana Daidone, que mais do que um ponto de venda de produtos de arte, design e decoração, é um espaço de inspiração e originalidade, um lugar onde as peças expostas propõem novas ideias para ambientações.

O ponto em comum entre eles é o anseio de disseminar o conhecimento e o gosto pela arte e pelo design, o que deu origem a SaLA de Fotografias, uma mostra idealizada com o objetivo de colocar a fotografia ao alcance do público que não está habituado com este tipo de arte. A SaLA foi, portanto, definida como o espaço expositivo da mostra: um local que, pelo seu próprio formato, permite a visualização das obras num ambiente decorado, como a própria casa ou escritório.

Localizada na Alameda Franca, 1.365, Jardim Paulista, São Paulo, a SaLA recebe, nesta primeira edição, 24 obras - todas à venda - expostas entre móveis e objetos decorativos. Definimos este formato para mostrar ao público que é possível ter uma obra fotográfica em casa ou em outro ambiente e para isso não é necessário ser amante, profissional ou estudioso em fotografia, basta apenas gostar de arte, resume Juliana.

E como a ideia é mostrar como a arte fotográfica pode decorar ambientes dos mais diferentes estilos, as obras que compõem a mostra não têm um tema único, como explica Luiz Porchat: a mostra visa aproximar a arte das pessoas, considerando seus diferentes gostos e preferências, por isso é composta por uma variedade de temas autorais, obtidos sob percepções, olhares, interpretações e técnicas de 12 fotógrafos diferentes, completa Luiz Porchat.

A primeira edição da mostra SaLA de Fotografias pode ser visitada entre os dias 30 de maio e 18 de junho.

Fotógrafos participantes da primeira edição da SaLA de Fotografias:

Ana Lucia Mariz - fotógrafa desde os 18 anos, propõe a reflexão dos desdobramentos entre os limites da fotografia e da narrativa, criando um diálogo entre os limites do real/irreal, fantasia/memória, sonho/realidade.

Christiana Carvalho - iniciou sua carreira fotografando espetáculos de dança e teatro. Hoje, também se dedica à fotografia de natureza e de povos do mundo inteiro, além de desenvolver projetos de cunho pessoal.

Fausto Chermont - fotógrafo desde os 13 anos, realiza projetos de meio ambiente e participa de expedições esportivas, ecológicas e científicas. Também atua como fotógrafo autoral, com projetos pessoais.

Ilana Bessler - produz continuamente trabalhos autorais, integrando exposições coletivas e individuais no Brasil.

Jaques Faing - vive e trabalha em São Paulo, atuando no campo da fotografia autoral, editorial e artes plásticas.

Luciano Bonomo - começou a trabalhar como assistente de fotógrafos de publicidade e moda em 2000. Em 2004, partiu para o desenvolvimento de trabalhos autorais.

Luigi Stavale - é fotógrafo profissional desde 1982 e desenvolve trabalho de documentação de exposições e eventos ligados às artes plásticas. Reproduz obras de arte para museus, galerias e artistas.

Marcelo Rangel - realiza projetos autorais de cunho documental, que tem como base a espiritualidade e a cultura afro-brasileira, o carnaval carioca a violência e a religião.

Patricia Gouvêa - desenvolve um trabalho autoral sobre as possibilidades de expansão do tempo da imagem fotográfica, seu principal eixo.

Paula Brandão - formada em publicidade e propaganda pela FAAP, trabalhou como assistente de direção de filmes publicitários de 2000 a 2009 em diversas produtoras de São Paulo.

Penna Prearo - dedica-se profissionalmente à fotografia desde 1972, atuando nos campos da fotografia editorial e de publicidade. Produziu capas de discos e colaborou com diversas revistas e agências de publicidade.

Renan Cepeda - começou a fotografar em preto e branco já com 11 anos de idade, profissionalizando-se em 1987. Hoje, atua no mercado de arte e também realiza vídeos de arte e documentários.

Sobre a SaLA, de Juliana Daidone
A SaLA foi criada em 2001, quando Juliana tinha apenas 20 anos. Era uma loja conceito, um espaço onde as pessoas se reuniam para conversar, pensar, compartilhar e também encontrar peças de design, arte e decoração de vanguarda. Após cinco anos e com o objetivo de especializar-se na área de design - sua paixão desde a adolescência - Juliana encerrou as atividades da loja temporariamente para estudar na Parsons The New School for Design, em Nova Iorque. Seu retorno para o Brasil foi em 2009, quando montou um escritório e um atelier, onde passou a criar novas peças, captar parcerias com artistas nacionais e internacionais e comercializar seus produtos para venda no atacado, para diversas cidades do país, como Porto Alegre, Rio de Janeiro, Salvador e Piauí. Em 2010, pronta para novos desafios, Juliana inaugurou a loja SaLA voltada para o varejo, com produtos para quem gosta de arte e busca peças diferenciadas, muitas delas únicas, que vão de móveis vintage com toques fashionistas a bandejas, quadros e luminárias.

Sobre o Escritório de Fotografias
O Escritório de Fotografias é uma galeria virtual, que surgiu da necessidade de seu fundador, Luiz Porchat, de fazer mais pela fotografia e da ideia de aproximar esse suporte de obra de arte das pessoas que nem sempre podem visitar uma galeria ou um espaço destinado a exposições. O endereço virtual abriga imagens de 12 fotógrafos, novos talentos e artistas consagrados, que apresentam seus trabalhos e inúmeras opções em séries com tiragens numeradas e assinadas. A galeria torna a arte mais acessível aos jovens, novos colecionadores e aos apaixonados pela fotografia. As imagens estão disponíveis no site. O preço e a descrição das obras podem ser vistos por todas as pessoas que se cadastrarem no site www.escritoriodefotografias.com. Luiz Porchat também atende com hora marcada, pelos telefones (11) 6400-6551 ou (11) 3034-4569.

SaLA de Fotografias

Quando: de 30 de maio a 18 de junho de 2011

Onde: loja SaLA, na Alameda Franca, 1.365 (esquina com a Rua Bela Cintra), Jardim Paulista São Paulo, SP - Tel.: (11) 3081-3184

Dias e horários de funcionamento: de segunda a sexta-feira, das 10h às 19h; aos sábados das 12h às 17h.

1a. SaLA de fotografias

2011-5-25T10:36:26Z

SaLA de Fotografias
Primeira edição da mostra acontece entre os dias 30 de maio e 18 de junho na SaLA

De um lado o Escritório de Fotografias, uma galeria virtual idealizada por Luiz Porchat, com o objetivo de valorizar este suporte artístico e aproximá-lo do público em geral, especialmente daqueles que não têm o hábito de visitar galerias e espaços de exposições. Do outro, a SaLA, loja da designer Juliana Daidone, que mais do que um ponto de venda de produtos de arte, design e decoração, é um espaço de inspiração e originalidade, um lugar onde as peças expostas propõem novas ideias para ambientações.

O ponto em comum entre eles é o anseio de disseminar o conhecimento e o gosto pela arte e pelo design, o que deu origem a SaLA de Fotografias, uma mostra idealizada com o objetivo de colocar a fotografia ao alcance do público que não está habituado com este tipo de arte. A SaLA foi, portanto, definida como o espaço expositivo da mostra: um local que, pelo seu próprio formato, permite a visualização das obras num ambiente decorado, como a própria casa ou escritório.

Localizada na Alameda Franca, 1.365, Jardim Paulista, São Paulo, a SaLA recebe, nesta primeira edição, 24 obras - todas à venda - expostas entre móveis e objetos decorativos. Definimos este formato para mostrar ao público que é possível ter uma obra fotográfica em casa ou em outro ambiente e para isso não é necessário ser amante, profissional ou estudioso em fotografia, basta apenas gostar de arte, resume Juliana.

E como a ideia é mostrar como a arte fotográfica pode decorar ambientes dos mais diferentes estilos, as obras que compõem a mostra não têm um tema único, como explica Luiz Porchat: a mostra visa aproximar a arte das pessoas, considerando seus diferentes gostos e preferências, por isso é composta por uma variedade de temas autorais, obtidos sob percepções, olhares, interpretações e técnicas de 12 fotógrafos diferentes, completa Luiz Porchat.

A primeira edição da mostra SaLA de Fotografias pode ser visitada entre os dias 30 de maio e 18 de junho.

Quando: de 30 de maio a 18 de junho de 2011

Onde: loja SaLA, na Alameda Franca, 1.365 (esquina com a Rua Bela Cintra), Jardim Paulista São Paulo, SP - Tel.: (11) 3081-3184

Dias e horários de funcionamento: de segunda a sexta-feira, das 10h às 19h; aos sábados das 12h às 17h.

SAVE THE DATE

2011-5-18T10:40:00Z

Aguardem...

SaLA de fotografias no Estadão

2011-5-18T10:39:11Z

Juliana Daidone ,designer, e Luiz Porchat, da gale- ria virtual Escritório de Fotografias, abrem a mostra SaLA de Fotografias. No dia 28, na própria SaLa.

Mostra fotográfica São Paulo Século XXI

2011-5-16T18:41:18Z

O artista vê o ambiente da cidade em transformação, retorna à lugares, busca as novas realidades dos velhos espaços, se reconhece como parte de um processo histórico inexorável: a própria existência.

Os pontos escolhidos para serem mostrados são: Vale do Anhangabaú; Praças da Sé, República, Trianon; Parques da Luz, do Ibirapuera; Edifícios Banespa, Martinelli, Itália, Copan; Teatro Municipal; Memorial da América Latina; Túneis Roosevelt e 9 de Julho; Mosteiro São Bento; Catedral da Sé; Estádio do Pacaembu; Estações da Luz e Julio Prestes; Centro Cultural SP; Museu da Imagem e do Som; Casa das Retortas; Minhocão; Av. Ipiranga e São João; Largos do Paissandu e do Patriarca. O projeto totaliza aproximadamente 70 imagens.
Não percam!

de 21/05 a 17/07
Terças, Quartas, Quintas, Sextas, Sábados e Domingos das 09:00 às 21:00
Onde:
CAIXA CULTURAL SÉ
http://www.caixacultural.com.br
Praça da Sé, 111 Se
(11) 3107-0498

Um Olhar Sobre a Fotografia Carioca - Patricia Gouvêa

2011-5-06T15:15:53Z

Carioca configura um jeito de ser. Carioca pressupõe uma forma de olhar. Carioca deflagra um tempo próprio de estar em qualquer lugar e, ainda assim, estar no Rio.

A fotografia produzida por cariocas de berço ou de coração é múltipla como o são as contradições deste purgatório da beleza e do caos. Mesmo quando não é o protagonista, o Rio de Janeiro nos olha desde o fundo das imagens, em alguma borda de suas membranas nos espreita sua intensidade, seu tudo-muito-já.

NAFOTO 20 Anos

2011-5-06T11:06:40Z

Em 1991 um grupo de fotógrafos, pesquisadores e curadores, se reuniu para concretizar um sonho: criar no Brasil um evento internacional de fotografia e inserir nossa fotografia na cena cultural mundial. Em maio de 1993 o NAFOTO Núcleo dos Amigos da Fotografia realizou o 1º Mês Internacional de Fotografia em São Paulo.

A Exposição de aproximadamente 180 obras emolduradas, que reunirão os principais momentos dos vários eventos em conjunto com diversas instituições culturais e consulares, além de projetos individuais realizados em parceria com os próprios artistas. Também contará com vitrines que mostrarão publicações e parte da folheteria produzidas ao longo de 20 anos do mês Internacional de Fotografia. A sala de vídeo exibirá fragmentos das entrevistas com os fotógrafos e vinhetas especialmente produzidas para as edições dos eventos e fotografias que participaram das exposições do NAFOTO.

Período: 07/05 a 03/07/2011
Local: Praça da Sé, 111
Dias da semana e horários: terça a domingo das 9 às 21 h
Entrada franca
Classificação etária: livre

VÉUS , fotografias de WALTER FIRMO

2011-4-25T17:29:29Z

No ano em que completa 74 de idade e 54 de carreira, Walter Firmo, considerado um dos maiores fotógrafos brasileiros atuantes, inaugura a individual VÉUS, composta de 20 fotografias em preto e branco que revelam uma faceta desconhecida e surpreendente do artista.

A curadoria foi feita pela artista representada pelo ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS Patricia Gouvêa e Claudia Buzzetti. Ambas pesquisaram no acervo de Firmo e escolheram um caminho diferenciado, realizando um recorte de imagens silenciosas, reflexivas e mais intimistas de um artista consagrado pelo uso da cor e por um repertório que privilegia personagens e cenas dos subúrbios, com um estilo naif e cheio de humor.

Firmo foi o primeiro professor a apostar no potencial do Ateliê, está com a escola desde sua abertura em 1999 e merece esta homenagem!

Renan Cepeda na Revista Inteligência

2011-4-19T11:34:52Z

Ensaio fotográfico de:
Renan Cepeda

Vão de Almas

Na região de Vão das Almas, Goiás, uma comunidade calunga descendentes dos quilombolas que ainda
guardavam hábitos e crenças do período colonial recebeu a visita do fotógrafo Renan Cepeda. Carioca
nascido em 1966, fotojornalista, colaborador de algumas das maiores publicações do país, Cepeda decidiu, há
cerca de 10 anos, dedicar-se integralmente aos próprios projetos, pesquisando técnicas fotográficas incomuns.
Para registrar as casas abandonadas de Vão das Almas, optou pela light painting pintura com luz. No lugar
de equipamentos recentes para valorizar as cores e as vibrações de luz de uma região banhada pelo sol do
cerrado, fez fotos noturnas com uma câmera alemã analógica, de 1952. Com sua lanterna, iluminou as casas,
as pessoas, os objetos, a Natureza do lugar. Cepeda riscou a realidade que quis registrar, como forma de
trazer à luz o que fora esquecido. Sua pesquisa se expandiu para outras regiões, mas a síntese de seu trabalho
está nas páginas seguintes, com a graça da luz, a força da noite e o lirismo da escuridão.

Yann Arthus-Bertrand no MASP

2011-4-18T09:50:40Z

O fotógrafo francês Yann Arthus-Bertrand, de 65 anos, nasceu numa conhecida família de joalheiros parisienses, mas nunca se interessou por diamantes e esmeraldas. Seu tesouro está acima da terra. Bem acima, aliás. Conhecido por suas fotos aéreas, entre elas a de um manguezal em forma de coração na Nova Caledônia, arquipélago da Oceania, Arthus-Bertrand já esteve algumas vezes no Brasil e volta para inaugurar amanhã, no Masp, a exposição 6 Bilhões de Outros, seu mais ambicioso projeto até o momento. Recorde de público na França na temporada passada, a mostra é inédita no Brasil e só foi exibida na Europa e Ásia, onde foi vista por 3,5 milhões de pessoas.

O Projeto 6 Bilhões de Outros é uma sequência natural de outra realização de Yann Arthus-Betrand, um banco de dados com imagens do planeta visto do céu. A série, A Terra Vista do Alto, virou livro . Com fotos tiradas de um helicóptero, ele foi publicado em 1999, atingindo a marca de 3 milhões de exemplares vendidos. O fotógrafo organizou, então, uma exposição com as melhores imagens, que passou por 100 cidades, atraindo a atenção de 100 milhões de visitantes, o que o incentivou a desenvolver o gigantesco projeto das 6 bilhões de almas que habitam o planeta.

Lançado em 2003, o projeto reuniu até o momento 5 mil depoimentos captados em 75 diferentes países, alguns escolhidos para o DVD triplo que ele lançou na França e será exibido na mostra do Masp. São pessoas comuns, que respondem a questões simples sobre suas lembranças de criança, seus sonhos e projetos futuros. Arthus-Bertrand acredita tanto no poder mobilizador desses depoimentos que até fundou, em 2005, uma organização filantrópica dedicada à promoção do desenvolvimento sustentável. De Paris, por telefone, ele falou sobre a exposição, aberta no Masp até 10 de julho.

Gorilas. Ambientalista, o fotógrafo começou sua carreira no Quênia, no fim dos anos 1970, ao lado da mulher Anne. Ambos passavam horas observando leões e fotografando a vida dos felinos, retratados em seu primeiro livro, lançado há 30 anos. "Foi um pouco decepcionante, pois não conseguia me aproximar deles", lembra Arthus-Bertrand, contando que teve melhor sorte ao fotografar gorilas com a zoóloga americana Dian Fossey (1932-1985). Assassinada em sua cabana nas montanhas Virunga, em Ruanda, onde protegia os primatas da extinção, Dian virou lenda e teve sua vida contada no filme Nas Montanhas dos Gorilas (Gorillas in the Mist, 1988). "Sua morte me causou profunda comoção, ainda mais porque vi uma mulher sozinha, perseguida por caçadores e doente."

Dian Fossey, diz o fotógrafo, foi uma grande inspiração. O cinema também teve um papel importante em seus anos de formação. Adolescente, chegou a trabalhar como ator em um filme ao lado de Michèle Morgan (Dis-moi qui tuer, 1965) . Aos 20 anos, sua vida tomou outro rumo. Cuidando de uma reserva natural na França, descobriu que queria trabalhar com o meio ambiente.

Seu compromisso não é só com a qualidade das fotos. Ele é da mesma natureza da militância ecológica da zoóloga americana. "Primeiro me interessei pela vida animal, a natureza; depois, pela humanidade." A técnica, diz ele, é secundária. Afinal, com câmeras digitais, a perfeição formal está ao alcance de todos. A moral é outra história. "Você precisa de talento para ver o que está à frente, essa obra de arte que é nosso planeta, beleza que poucos conseguem enxergar."

Religião. Seu ambientalismo não tem a ver com religião. "Não sou uma pessoa religiosa, embora muitas pessoas digam que essas fotos aéreas parecem provas da existência de Deus." Para ele, o divino está representado, sim, na presença dos milhares de visitantes que dedicaram seu tempo no Grand Palais, em Paris, para ver seus semelhantes abrirem os corações nos vídeos.

Tudo começou, segundo ele, quando seu helicóptero quebrou no Mali. Enquanto esperava pelo piloto, começou a conversar com um morador de um vilarejo. Este contou ao fotógrafo como era difícil alimentar seus filhos, revelando o medo que tinha do futuro. Não lhe pediu nada. Apenas olhou Arthus-Bertrand nos olhos. Esse foi o modelo do documentário 6 Bilhões de Outros, que teve a participação dos colaboradores Sybille d"Orgeval e Baptiste Rouget-Luchaire e seis diretores assistentes.

Perguntas como "o que você aprendeu de seus pais e o que deseja transmitir a seus filhos?" são respondidas com franqueza. Os entrevistados encaram a câmera como atores de Bergman, contando histórias comoventes. São pessoas tão diferentes entre si como um pescador brasileiro e um colono afegão. Não se trata de um ensaio barthesiano sobre "como viver junto". "A abordagem não é intelectual, mas amorosa", diz o fotógrafo. "Fiquei comovido com os depoimentos de pessoas que nunca tinham visto uma equipe de cinema na vida, com a sinceridade com que responderam de forma tão simples a temas tão abstratos como felicidade."

Geração 00 - A nova fotografia brasileira

2011-4-15T14:23:09Z

A mostra fotográfica, com curadoria de Eder Chiodetto, reúne um grande e inédito mapeamento da fotografia contemporânea brasileira ligada às artes visuais e ao documentarismo. Durante o período da exposição, o SESC irá promover uma programação paralela com oficinas, saídas fotográficas, leituras de portfólio, palestras e entrevistas com fotógrafos que integram a mostra.

O curador Eder Chiodetto pautou a pesquisa pela busca de trabalhos e autores que de diversas formas ajudaram a expandir o repertório conceitual e simbólico da fotografia brasileira nesta década. Integram o projeto artistas que já estavam em atividade nos anos 90, mas que possuem o núcleo principal de sua obra desenvolvido nos últimos anos e novos nomes que despontaram recentemente.

A importância deste período se dá pelas profundas transformações que ocorreram no pensar e fazer fotográfico a partir de 2001, grande parte em função da revolução tecnológica e dos novos parâmetros de produção e circulação das imagens a partir da disseminação das câmeras digitais, da internet e dos softwares de pós-produção. Por outro lado, a massificação do uso da fotografia, sem paralelos na história, clareou para o grande público o fato de que qualquer fotografia incorpora realidade e ficção em sua superfície, como já nos alertava, há décadas, vários teóricos da comunicação.

O nome Geração 00 surgiu em razão de todos os anos da década possuírem dois zeros. 2001 a 2010 (ou 01-10) compõe um sistema binário que é a base de toda a eletrônica, dos computadores e da formação dos pixels das imagens digitais. Por meio dos algoritmos 0 e 1 ocorreu uma transformação total não só na fotografia, mas no modo de vida de toda a humanidade, devido à quantidade infinitamente maior de informação que circula hoje e do impacto dessa comunicação em larga escala.

A exposição tem dois grandes módulos chamados pelo curador de Limites e Metalinguagem e Documental Imaginário / Novo Jornalismo.
O primeiro módulo apresenta obras de artistas nem sempre fotógrafos stricto sensu que utilizam a fotografia nos desdobramentos de seus trabalhos, seja como o registro de uma performance, como base para trabalhos que mesclam pintura e gravura, para a restituição de uma narrativa que explora os limites do still e do movimento ao flertar com o cinema, além de trabalhos que tratam da questão da representação no mundo contemporâneo problematizando o fazer fotográfico no seu próprio cerne. Muitas vezes, a fotografia aborda e representa, de forma contundente, estados de ânimo invisíveis aos olhos humanos, mas que agora se manifestam claramente por meio dos aparatos óticos retrabalhados por esses artistas.
O módulo Documental Imaginário / Novo fotojornalismo mostra o trabalho de alguns documentaristas que incorporam a estética e os conceitos da atmosfera cinematográfica, literária e até mesmo publicitária para transformar o relato sobre questões de cunho social em representações universais de forte teor autoral e poético, como nos trabalhos da Cia de Foto, João Castilho, Breno Rotatori e Guy Veloso. Este módulo também possui exemplos de fotógrafos e coletivos que mudaram a própria postura na produção de peças foto-jornalísticas, nas quais o produtor também edita, escreve e divulga seu trabalho. Rota de fuga e de muita criatividade para o fotojornalismo que vive uma grande crise após o surgimento e a disseminação dos sites noticiosos na internet.
A fotografia brasileira desta primeira década do século 21 alcançou grande destaque dentro do panorama de arte mundial, afirma Chiodetto. Nossa cultura antropofágica, hábil e ágil em perceber novas tendências e em saber observar e deglutir referências estrangeiras para filtrá-las de devolvê-las transformadas pelo nosso saber errático e multicultural, mostrou-se um processo potente para gerar uma fotografia vibrante que passou a ser pesquisada e divulgada por curadores e instituições do mundo inteiro, explica o curador.

Ampliada em papel fotográfico ou em jato de tinta com uma variação imensa de novos papéis, lonas, plásticos. Projetada na parede, na tela, no LCD. Editada em programas que criam sequências que interagem com o movimento do cinematógrafo, manipuladas até a exaustão do referente ou aplicadas a outras linguagens. Essa nova fotografia, que alguns chamam de contaminada, expandida ou mista, ao romper com a referência bem comportada ao realismo, corrompeu também os suportes e suas funções.

O projeto museográfico de Geração 00 A Nova Fotografia Brasileira foi desenvolvido pela arquiteta Marta Bogéa, responsável pela elogiada construção da 29ª Bienal Internacional de São Paulo. O designer da mostra será assinado por André Stolarsky e a produção executiva por Sergio Escamilla.

A artista Claudia Andujar fará uma obra-instalação sobre a piscina interna do SESC Belenzinho com uma imagem que mostra uma casa de índios Yanomami em meio à floresta amazônica. Realizada com filem infravermelho, a imagem ampliada em 8×12 metros causa um grande impacto além de modificar a luminosidade do espaço, banhando-o de vermelho, em clara alusão ao sangue derramado no embate entre homem branco e índios.

A curadoria optou por realizar essa homenagem a Claudia Andujar por entender que a artista se tornou um símbolo desta nova geração ao fazer com que sua obra, inicialmente produzida dentro dos cânones do fotojornalismo, quebrasse barreiras para ser exibida em galerias e bienais representativas mundo afora.

Está previsto para o primeiro semestre de 2011 o lançamento do livro Geração 00 A Nova Fotografia Brasileira pelas Edições SESC. A publicação bilíngue (português / inglês) terá seleção de trabalhos, coordenação editorial, textos analíticos e biografias dos fotógrafos selecionados realizados pelo curador da mostra.

Geração 00 - A Nova Fotografia Brasileira
Abertura na Virada Cultural: a partir das 16h do dia 16/4 até as 22h do dia 17/4
De 16/04 a 12/06/2011, de terça a sexta, das 9h às 22h; sábados, das 9h às 21h; domingos, das 9h às 20h
Galpão Multiuso e Área de Exposições | Grátis

SESC BELENZINHO
Endereço: Rua Padre Adelino, 1000 - Belenzinho, São Paulo (SP) | Telefone: (11) 2076-9700
Estacionamento para espetáculos com venda de ingressos:
R$ 6,00 (não matriculado);
R$ 3,00 (matriculado no SESC - trabalhador no comércio de bens, serviços e turismo / usuário)

Livro destaca trajetória do artista Fernando Lemos

2011-4-01T12:18:22Z

"No fundo, sou o mesmo quando faço fotografia, quando pinto e quando escrevo: sou um gráfico. É um pouco a experiência do texto automático do surrealismo." Assim o artista português Fernando Lemos, que vive no Brasil desde 1953, se define em entrevista que concedeu a Carlos Augusto Calil e publicada no livro "Fernando Lemos - Percurso".

Em Portugal, ainda, no fim da década de 1940, Fernando Lemos (nascido em 1926) começou a fotografar, criando o que muitos consideram um dos ramos mais prolíficos de sua trajetória. A partir daquele momento, o do movimento surrealista português, "ele foi ímpar em saturar o real por meio da sobreposição de fragmentos do próprio real", já definiu o crítico Paulo Herkenhoff. É famoso o autorretrato do artista (1949/52), em preto e branco - no qual se faz uma nuvem sobre sua cabeça (e na fumaça se misturam uma faca, cartas, uma lâmpada e papéis) -, como também os retratos de seus amigos intelectuais - como a poeta Sophia de Mello e o pintor Vespeira. No Brasil, também, Lemos continuou fotografando e, assim, podemos ver nesse novo livro belos retratos das escritoras brasileiras Hilda Hilst e Lygia Fagundes Telles e dos artistas Hércules Barsotti e Willys de Castro (todos de 1954/55), por exemplo.

Mas "Fernando Lemos - Percurso" abre mais o leque de visadas pela obra do artista. Como escreve a historiadora de arte Margarida Acciaiuoli em texto presente no livro, ocorre sempre o risco de se entender a fotografia como a "criação suprema da obra" desse artista. Como ele mesmo afirmou em 2010, "a criatividade, no fundo, é a única salvação do homem". As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

Fernando Lemos - Percurso - Editora: Bei (300 pág. R$ 150). Livraria Cultura. Av. Paulista, 2.073. Tel. (011) 3170-4033. Hoje, 18h30.

Autor: AE - Agência Estado

Thomaz Farkas (1924-2011)

2011-3-28T11:48:15Z

Nascido em Budapeste, na Hungria, em 1924, Thomaz Farkas veio com a família para o Brasil seis anos depois. O pai, Desidério, dono e fundador da loja de equipamentos Fotoptica, presenteou-o com a primeira câmera aos 8 anos. Em 1942, o hobby ganhou ares de vocação quando o jovem de 18 anos ingressou no mítico Foto Cine Clube Bandeirantes, polo da fervilhante cena paulistana da época. Tanto o fotoclube quanto a Fotoptica ficavam no mesmo prédio, na Rua São Bento, então eu passava toda hora por lá, lembra Farkas. Entre outras figuras reveladas ali estão Geraldo de Barros (1923-1998), Chico Albuquerque (1917-2000) e German Lorca. Fazíamos viagens juntos de ônibus, mostrávamos as coisas uns para os outros e víamos muita revista importada para acompanhar o que estava sendo feito na Europa.

Essa brilhante geração introduziu o modernismo na fotografia nacional. No caso de Thomaz Farkas, as características mais marcantes incluíam flertes com o surrealismo, ênfase em detalhes quase abstratos de arquitetura e, sobretudo, flagrantes de personagens urbanos de São Paulo e Rio de Janeiro. A partir das décadas de 50 e 60, ele introduziu um aspecto mais documental e jornalístico nas obras, caso dos registros do princípio de Brasília.

Nos anos 70, época em que viajou país afora ao lado de cineastas para realizar filmes sobre regiões do Nordeste e da Amazônia (a chamada Caravana Farkas), incursionou pelo território da foto colorida, bastante presente na nova mostra. Procuramos equilibrar todas as fases, desde o foco experimental do início até a pegada humanista da maturidade, explica Sergio Burgi, coordenador de fotografia do Instituto Moreira Salles. Afinal, o Thomaz nunca foi escravo de tendências.

Farkas destacou-se ainda como empresário: além da Fotoptica, vendida pela família em 1997, manteve uma galeria e uma revista para revelar talentos das câmeras. Tantas facetas resultaram em um estilo extremamente autoral e influente.

Coleção Particular - Anos 80 RJ/SP

2011-3-24T09:34:41Z

Coleção Particular inaugura exposição dos anos 80 dia 31 de março, com obras de : Beatriz Milhazes, Elisabeth Jobim, Leda Catunda, Leonilson, Luiz Zerbini e Sergio Romagnolo.

Ciclo de Palestras sobre Aleksandr Ródtchenko

2011-3-22T10:04:05Z

Ródtchenko acreditava que a relação homem e máquina poderia ser frutífera dependendo de como a tecnologia seria utilizada para a criatividade. A reprodutibilidade ampliava e democratizava a experiência estética.

Após os primeiros contatos com a fotografia, seu trabalho ganhou um novo senso de espaço, associado com um novo dinamismo criado por uma nova sintaxe, caracterizada pelo ritmo do contraste geometrizado de luz e sombra, pelo corte insólito, pelos novos e inusitados ângulos de tomada, e pela força à composição diagonalizada.

As fotografias de Ródtchenko mantém o frescor e dá relevância à vanguarda. Seu pensamento visual estava contaminado pelo desejo de mudança que movia a construção de um mundo socialista.

Largo das Artes - Acervo

2011-3-21T13:03:51Z

Largo das Artes apresenta Acervo no Rio de Janeiro, a partir do dia 22 de março.

Daisy Xavier Expõe na Galeria Eduardo Fernandes

2011-3-21T11:31:15Z

Nesta exposição a artista apresenta uma instalação e desenhos feitos com redes tecidas com fios translúcidos que se derramam silenciosos sobre o papel, quase líquidos. Esses fios, usados para medir pequenas extensões de mar, são posterior- mente tecidos e transformados em redes. Cada rede representa um pedaço de mar.

O ato de tecer é uma forma de articular o pensamento, o movimento repetitivo de torção cria uma métrica, que redimensiona o espaço e o tempo.

A rede ao mesmo tempo que é capaz de reter as coisas, garante que se mantenham visíveis, assinala a reciprocidade entre o dentro e o fora e cria uma comunicação e intercâmbio constante entre dois termos. (Agnaldo Farias)

O nó que une, que faz a laçada é o mesmo que cria o furo na rede. A cada nó, uma passagem. As passagens são tantas quantas os infinitos nós com que se tece uma rede.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Revista Kaza

2011-3-16T11:19:53Z

A visão sobre o "Luxo Multifacetado" de cinco dos artistas representados pelo ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS: Renan Cepeda, Luigi Stavale, Jaques Faing,Luciano Bonomo , Penna Prearo.

The Armory Show

2011-3-03T16:49:12Z

A Armory Show é uma das principais feiras de arte internacional dedicada as obras de arte mais importantes dos séculos XX e XXI. Em seus doze anos, a Armory tornou-se uma instituição internacional, combinando uma seleção das principais galerias do mundo, com um programa sem igual em Nova York.

Paralelamente à feira, acontecem na cidade inúmeros eventos e exposições, além de recepções especiais, discontos em museus, roteiros de arte, performances, discussões com artistas e festas.

A segunda edição da Armory Focus volta sua atenção à América Latina. Este setor somente para galerias convidadas, apresenta as melhores galerias da Argentina, Brasil, Chile, Colômbia, México, Peru e Venezuela.

German Lorca: Olhar-Imaginário

2011-3-02T15:10:58Z

Nascido 100 dias após a Semana de Arte Moderna de 1922, German Lorca auxiliou de forma decisiva a implantar a fotografia de pensamento e estética modernista em meados da década de 1940 e 1950, quando atuou no Foto Cine Clube Bandeirante, em São Paulo. Hoje, aos 88 anos de idade, e em plena atividade, o artista paulistano é considerado por historiadores como um marco da fotografia experimental no Brasil. Sua produção de caráter mais subjetivo e onírico tornou-se um divisor de águas na fotografia brasileira ao atribuir à linguagem novas possibilidades de representação, por meio da introdução da ficção e da livre imaginação, em detrimento da função estritamente documental que vigorava até aquela época.

Deixando de lado o caráter de denúncia social, Lorca capitaneou no Brasil, junto com alguns de seus parceiros de Foto Clube como Geraldo de Barros, Thomaz Farkas e Eduardo Salvatore, entre outros uma profunda mudança de paradigma da fotografia, agregando à linguagem uma grande parcela de lirismo e de investigação estética, como poderá ser observado na mostra da CAIXA Cultural.

Esta produção, isolada na época, só voltou à tona a partir de pesquisas de acadêmicos na última década. De fato, observou-se um lapso desta atitude experimental entre as décadas de 1960 e 1980, quando a fotografia brasileira voltou-se com força para o fotojornalismo e o fotodocumentário em função do momento sócio-político do país.

A partir da restauração da democracia, a fotografia de caráter mais lúdico e experimental voltou à tona nos anos 1990, tendo a produção dos fotoclubistas, sobretudo Geraldo de Barros e German Lorca, como fonte de inspiração.

A produção de Lorca transita até hoje entre diversas áreas: arte, publicidade, reportagem, retrato e ensaio. Em todas elas, é visível um traço comum: a fotografia como ferramenta de acesso ao imaginário. A possibilidade de vislumbrar mundos paralelos ao real: o mundo da criação poética que ressignifica o entorno visível.

Mostra fotográfica German Lorca: Olhar Imaginário
Local: CAIXA Cultural São Paulo (Sé) - Galeria Neuter Michelon - Praça da Sé, 111 Centro São Paulo/SP
Abertura: 1º de março de 2011, às 19h com visita guiada e bate-papo com o artista (para convidados e imprensa)
Visitação: 1º de março a 15 de maio de 2011
Horário: De terça-feira a domingo, das 9h às 21h

Vik Muniz estreia exposição "Relicário"

2011-3-02T15:00:35Z

A mostra reúne um conjunto de 30 trabalhos, objetos, alguns não exibidos pelo artista desde o início de sua carreira, há 20 anos. Estes fizeram parte de sua primeira exposição individual, na galeria Stux, em Nova York, em 1988, e de sua primeira mostra no Brasil, dois anos depois, em uma galeria paulistana.

Outros são execuções recentes de projetos dos anos 80 e 90, que ele não conseguiu realizar na época, entre os quais há peças produzidas na Itália, em Nova York e no Rio de Janeiro. Em Relicário, ao recuperar a produção de décadas anteriores, Vik Muniz confere uma aura quase que etnográfica às obras reunidas.

Devaneios palpáveis
Um origami feito de uma só folha de papel; um crânio com nariz de palhaço; uma ampulheta com um tijolo dentro; um sarcófago feito de Tupperware; luvas de seis dedos; uma "Enciclopédia Britânica" de um só volume; uma pluma de mármore. Estes são alguns dos trabalhos que estão na exposição.

São obras repletas de ironia que tratam da identidade destes objetos em relação à sua função, sempre impregnadas de humor levado a sério.

Lixo ao luxo
A recriação de objetos cotidianos por meio de uma farta pesquisa material - do lixo aos materiais nobres - contribui para o amplo repertório de imitação ilusória do real construído pelo artista, conferindo-lhe especial notoriedade. O processo de sedução por meio desse grande cenário vem acalantado pelo humor, o elo final a captar o olhar do espectador.

A exposição, que passou no final de 2010 pelo Rio de Janeiro, traz ainda exemplares da série Flora Industrialis, composta de fotografias de flores artificiais captadas e catalogadas por Vik Muniz com rigor científico, identificando o país fabricante e o tipo de material usado. São imagens de flores individuais, dificilmente reconhecidas como artificiais, sobre fundo escuro, dispostas de maneira emblemática, lembrando uma fotografia do século 19.

Relicário
De terça a domingo, das 11h às 20h
Até 24/4
Instituto Tomie Ohtake - Av. Faria Lima, 201 (Entrada pela Rua Coropés)
Entrada franca
Informações: 11 2245-1900

Adriana Varejão bate recorde em leilão na Christie's

2011-2-21T15:22:00Z

O recorde anterior pertencia à carioca Beatriz Milhazes, que em 2008 alcançou US$ 1,049 milhão (R$ 1,7 milhão) pelo quadro O Mágico (2001), em leilão na casa Sothebys de Nova York. A tela de Beatriz pertencia à Galeria Elba Benitez, de Madri.
Na ocasião, Beatriz, nascida em 1960, batia o recorde anterior de artista brasileiro vivo, que já pertencia a ela: sua tela Laranjeiras (2002/2003) foi vendida por US$ 465 mil em leilão da Christies, em outubro de 2007.
Adriana Varejão nasceu no Rio em 1964 e é uma das criadoras brasileiras de mais destaque, com obras em museus como Guggenheim (NY), Stedelijk (Amsterdã) e Fundação Cartier (Paris). Em 2005, ela casou com o mecenas mineiro Bernardo Paz, dono do Instituto Inhotim. Em 2009, sua tela Azulejaria de Cozinha com Peixes, de 1995, da série sobre o canibalismo cultural brasileiro, foi estimada entre US$ 120 mil e US$ 180 mil.
Curioso notar que, no mesmo lote da Christies em que foi vendida a tela de Adriana em homenagem a Lucio Fontana (1899-1968), foram vendidas duas obras do próprio Fontana, que alcançaram US$ 3,6 milhões (R$ 5,7 milhões) e US$ 4,3 milhões (R$ 6,8 milhões).
A obra mais cara do leilão que Varejão participou foi o auto-retrato de Andy Warhol, vendido por R$ 29, 059 milhões.

Olafur Eliasson no 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil

2011-2-21T14:45:48Z

A exposição faz parte da nova proposta de ampliação do foco do festival, que a partir desta edição se abre para todas as manifestações artísticas contemporâneas. A mostra competitiva Panoramas do Sul, antes restrita a
obras em vídeo, passa a aceitar outras manifestações e experiências artísticas,
incluindo instalações, performances e livros-objeto ou livros de artista.

Com curadoria de Jochen Volz, a exposição de Eliasson será aberta em 30 de setembro, em paralelo às exposições do Panorama Sul. O 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil acontecerá até dezembro de 2011.

Foto em Pauta Tiradentes

2011-2-15T17:03:41Z

TIRADENTES SOB AS LENTES DO BRASIL
O Foto em Pauta Tiradentes reúne grande
fotógrafos do País de 16 a 20 de fevereiro.

A histórica cidade mineira de Tiradentes recebe, pela primeira vez, o Festival Foto em Pauta, com grandes nomes da fotografia do país discutindo os rumos da fotografia brasileira contemporânea. Depois de sete anos atuando em Belo Horizonte, ele se apresenta no formato de Festival, apresentando uma programação diversa com exposições, oficinas, palestras, debates, projeções de fotografias e atividades educativas voltadas para a comunidade local.

As atividades serão ministradas por profissionais de renome nacional e internacional cuja produção artística é representativa no cenário da fotografia brasileira.
É importante desmistificar a importância da fotografia apenas como uma forma de registro. Hoje a cultura entende a fotografia como forma de expressão e linguagem com amplas possibilidades subjetivas e artísticas, que serão discutidas no festival, comenta o diretor geral do evento e também fotógrafo, Eugênio Sávio. Para realizar este debate, estão confirmadas as presenças de nomes como J.R. Duran, Bob Wolfenson, Gustavo Lacerda, Alexandre Sassaki, Márcio Rodrigues, Guto Muniz e João Castilho.

Dentro de uma programação especial, profissionais, amadores e amantes desta arte poderão se encontrar em um cenário ilustrado por imagens marcantes e encantadoras. A fotografia hoje possui diferentes focos e está presente em todos os espaços. Por isso, convidamos profissionais de diferentes especialidades para ministrar workshops que vão tratar da construção da imagem fotográfica em campos diversos, com nas artes cênicas, na documentação ambiental e no desenvolvimento de projetos autorais, afirma o diretor geral do festival.

A grande novidade da Foto em Pauta Tiradentes ficará por conta da II Mostra Mineira de Fotografia, cuja abertura marca o início do festival, no Centro Cultural Yves Alves, no dia 16 de fevereiro. Passados 28 anos de sua primeira edição, a mostra reunirá 100 fotógrafos mineiros, naturais ou apenas residentes, em uma exposição que representará toda pluralidade desta arte que não se restringe apenas a registros das belezas naturais do Estado. Os curadores da mostra - Guto Muniz, Elmo Alves, Leonardo Lara, Miguel Aun e Tibério França tiveram em suas mãos o desafio de selecionar as imagens que melhor representassem a essência da fotografia que está refletida nas diferentes visões de um mesmo mundo.

Aqueles que pretendem investir e se aprofundar no universo da fotografia poderão usufruir de palestras e debates gratuitos, além de leitura de portifólios, onde o interessado poderá levar seu material para uma avaliação crítica realizada por curadores reconhecidos no país. Procuramos elaborar atividades que atinjam todos os públicos, mas principalmente a comunidade fotográfica mineira que se mobilizou para que tenhamos no estado um Festival desta envergadura e a comunidade da região do campo das vertentes, que acolheu o festival com tanto carinho, garante Eugênio Sávio. A expectativa dos organizadores é que o evento reunirá 1500 pessoas, entre profissionais e amantes da arte.

Leica Oskar Barnack Award

2011-2-07T13:56:26Z

Este ano, o valor dos prémios do concurso foi elevado. Pela primeira vez, o vencedor do Prémio Leica Oskar Barnack receberá uma Leica M9 e uma objectiva no valor total de 9,500 euros, para além de um prémio em dinheiro de 5,000 euros.

Aberto a todos os potenciais fotógrafos profissionais, com idades até 25 anos ou menos, existirá o Prémio Revelação, que também teve seu valor elevado. O vencedor receberá uma Leica M9 e uma objectiva.

Um júri internacional irá premiar duas categorias: Prémio Leica Oskar Barnack e Prémio Revelação Leica Oskar Barnack para fotógrafos cujo poder de observação e captação expressem a relação entre o Homem e o Ambiente, de uma forma gráfica, numa sequência até 12 imagens.

O fotógrafo devera compilar e documentar uma série de imagens, que transmitam a interacção entre o ser humano e o meio ambiente, através de uma visão aguda e um estilo visual contemporâneo criativo, discreto e inovador.
Trata-se de uma competição que pretende homenagear Oskar Barnack (1879-1936), o inventor da Leica. Desde 1914 que Barnack utilizava o protótipo de câmara que desenvolveu, conhecido como Ur-Leica, para fotografar.

A história do fotojornalismo está intimamente ligada à sua invenção, pois no início de 1925, as câmaras compactas e versáteis da Leica foram fundamentais para permitir formas totalmente novas e expressivas da fotografia.

LUGARES, ESTRANHOS E QUIETOS - Wim Wenders

2011-1-28T10:08:29Z

O MASP esta com a mostra de fotografias Lugares, Estranhos e Quietos, do cineasta alemão Wim Wenders. São 23 fotos de até 6 metros quadrados feitas em diferentes países como Japão, Alemanha, Israel, Estados Unidos e Armênia.
Todas são de autoria de Wenders, que cuidou pessoalmente da montagem.
Além da exposição, o cineasta assina um dos cartazes da Mostra.
Wenders é um experiente fotógrafo e que sempre teve por costume registrar os bastidores dos seus filmes, como Paris, Texas e Asas do Desejo.

Thomaz Farkas: uma antologia pessoal

2011-1-26T15:12:01Z

Em Thomaz Farkas: uma antologia pessoal, os visitantes poderão conferir imagens do fotógrafo produzidas a partir da década de 1940, época em que Farkas se associa ao Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB), local de debate sobre a atividade fotográfica. Afinados com as vanguardas europeias e norte-americanas, os paulistas do FCCB buscavam uma estética específica para a foto, com novos enquadramentos e pontos de vista inusitados. A mostra apresenta também trabalhos posteriores, com uma abordagem mais humanista, quando Farkas se aproxima do fotojornalismo.

Destacam-se as séries sobre o Rio de Janeiro que incorporam o retrato e a vida dos moradores de bairros populares e regiões do centro histórico da então capital federal. É dessa mesma fase sua célebre sequência sobre o Balé Yara.

Na mostra também estarão presentes algumas imagens coloridas datadas de 1975, mas que só foram apresentadas pela primeira vez ao público em 2005. São fotografias feitas parte durante uma expedição científica ao Amazonas, parte em uma incursão a Salvador.

THOMAZ FARKAS: UMA ANTOLOGIA PESSOAL
Exposição: de 28 de janeiro a 3 de abril de 2011
Horário de visitação: de terça a sexta-feira, das 13h às 19h
Sábados e domingos, das 13h às 18h
Entrada franca
Classificação livre

Instituto Moreira Salles São Paulo
Rua Piauí, 844, 1° andar, Higienópolis
Tel.: (11) 3825-2560

Fotografia - Arte e Mercado

2011-1-26T12:20:16Z

O programa mergulha no imenso universo das imagens fixas, coloridas ou em preto-e-branco, com e sem efeito. Um mundo cheio de possibilidades. Quanto custa uma foto excelente de um ótimo fotógrafo? Que caminho ele percorreu para sua obra ser cotada no circuito? Uma linda foto substitui um quadro? Que tipo de questões os fotógrafos contemporâneos estão discutindo?

A repórter Bianca Ramoneda ouviu, no Rio de Janeiro, Joaquim Paiva, um dos maiores colecionadores de fotos, amigo entusiasta do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS. Conversou também com o fotógrafo Renan Cepeda representado em São Paulo pelo ESCRITÓRIO ,que falou sobre o mercado e a criação.

Para conhecer a série "Night Paintings" que Renan explica no programa clique na galeria do artista aqui em nosso site:

http://escritoriodefotografias.com/galeria/serie-night-paintings

VIP ART FAIR - Primeira feira mundial online

2011-1-21T16:10:09Z

A partir de sábado estão disponíveis online mais de 7.500 obras de 2 mil artistas consagrados como Cindy Sherman, Basquiat, Damien Hirst, Urs Fischer, Subodh Gupta, Hiroshi Sugimoto, Sarah Lucas, Lucian Freud, Richard Prince, Francis Bacon e Jackson Pollock.

O evento vai de 22 a 30 deste mês e o acesso é livre, mas interessados em realizar compras devem comprar ingressos VIP, que custam US$ 100 nos dois primeiros dias e US$ 20 nos restantes. As negociações são feitas diretamente entre comprador e vendedor.

Segundo a organização, os preços vão variar entre os 5.000 e 1 milhão de dólares (entre 3.700 euros e 739 mil euros) e até ao momento confirmaram a presença 126 visitantes de países de todo o mundo, desde a Rússia, China, Gana, Afeganistão, Uruguai, Nova Zelândia e Líbano.

O Mundo Mágico de Escher

2011-1-19T13:32:50Z

O melhor de Escher está na reunião de 95 obras, incluindo todas as mais importantes produzidas pelo mestre da ilusão de ótica e dos paradoxos. A mostra conta com gravuras originais, desenhos e fac-símiles, incluindo todos os trabalhos mais conhecidos do artista, suas obras mais enigmáticas. O acervo vem da coleção do Haags Gemeentemuseum, que mantém o Museu Escher, na cidade de Den Haag, na Holanda.
A exposição permite que o público passe por uma série de experiências que desvendam os efeitos óticos e de espelhamento que o Escher utilizava em seus trabalhos: como olhar por uma janela de uma casa e ver tudo em ordem e, em seguida, ver tudo flutuando por outra janela, ou ainda assistir um filme em 3D que possibilitará um divertido passeio por dentro das obras do artista gráfico.

Escher ficou mundialmente famoso por representar construções impossíveis, preenchimento regular do plano, explorações do infinito e as metamorfoses padrões geométricos entrecruzados que se transformam gradualmente para formas completamente diferentes. Sua capacidade de gerar imagens com impressionantes efeitos de ilusões de óptica, com notável qualidade técnica e estética, respeitando as regras geométricas do desenho e da perspectiva, é uma de suas principais contribuições para as artes.

HAPPY END - VALDIR CRUZ - Exposicão BONITO

2011-1-17T09:45:45Z

Lourdina Jean Rabieh convida para ver e rever as fotografias da mostra Bonito de Valdir Cruz , 19 de janeiro, quarta-feira a partir das 19:30hrs, último dia da exposição.
Estarão a venda alguns exemplares exclusivos e limitados do livro "Bonito - Confins do Novo Mundo",parte das vendas dessa noite será revertida para o comite de ação comunitária da American Society.
O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS indica e apoia a iniciativa!

Flórida inaugura novo museu dedicado a Salvador Dalí

2011-1-12T11:52:55Z

Um novo museu dedicado à obra do mestre surrealista Salvador Dalí foi inaugurado nesta terça-feira (11), na cidade de St.Petersburg na Flórida as margens da baía de Tampa.
A instituição substitui um museu anterior criado em torno de uma coleção particular de obras de Dalí adquirida pela cidade em 1982.
O novo museu, que custou US$ 36 milhões, tem o dobro do tamanho do prédio antigo e já é descrito como o mais abrangente acervo do mundo da obra do artista espanhol.
A maior parte das peças do museu foi juntada por um casal do Estado de Ohio - A. Reynolds e Eleanor Morse. Eles compraram seu primeiro quadro de Dalí em 1942 e nunca mais pararam de colecionar.

Conheça um pouco mais sobre o nosso fotógrafo Penna Prearo

2010-12-17T12:06:25Z

"A vibração, a força e a beleza das imagens de Penna Prearo, residem no seu olhar apurado e certeiro. Ele tem o entusiasmo daqueles que procuram a vocação inesgotável que a fotografia tem de nos surpreender.
O trabalho de Prearo tem identidade. O que prevalece é a estranheza do conjunto, que causa perplexidade pelo momento fugaz e intrigante, que conduz ao imponderável acaso criando alegorias de um universo enigmático.
Ele usa a ficção e o humor para nos fazer lembrar que a vida é também o compromisso com a grande aventura do "ver além de olhar".
Seu compromisso é criar um mundo que traz o encantamento e o sentido da viagem, a vertigem que re-inventa um paraíso possível.
Despido do absoluto, Penna Prearo, cria um sedutor caleidoscópio de impressões, uma explosão do insólito e uma dolorosa desorientação.
Por tudo isso, nada lhe escapa da intenção de perturbar o outro, seja pela capacidade de desconcertar e fascinar ou pela possibilidade de aproximar-se do desconhecido, coisas que se perderam na nossa racionalidade imediata e sistêmica.

Rubens Fernandes Junior
(Jornalista, crítico e curador, doutor em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP, professor e diretor da Faculdade de Comunicação da Faap São Paulo - Brasil)

A fotografia de Penna Prearo

A fotografia brasileira mais divulgada, ou aquela praticada por brasileiros e com ressonância maior dentro e fora dos limites territoriais do país, são aquelas ligadas a uma tradição jornalística/documental em grande parte preocupada em registrar e comentar visualmente as mazelas e injustiças sociais no Brasil ou, por outro lado, para enaltecer a paisagem física do vasto território brasileiro.
Mesmo levando-se em conta os muitos casos em que essa fotografia transcende o mero registro para ganhar um apelo estético de forte impressão, a fotografia local que não se prende àquelas duas grandes temáticas apontadas acima, tendem a ter sua divulgação mais prejudicada.
Aos olhares de fora parece não interessar conhecer qualquer outra fotografia que vá um pouco mais além da representação da paisagem física e humana do Brasil.
Apenas recentemente a fotografia de cunho construtivo e experimental, produzida no Brasil com grande força nos anos 50, começa a ter um mínimo de ressonância dentro país. De alguma maneira é como se ao Brasil interessasse apenas mirar-se em seus problemas sociais e belezas naturais e, mais recentemente, na utopia moderna.
Já a vasta e complexa produção centrada na estratégia de construir imaginários comprometidos com o estranho, o onírico e o improvável, sofre por não conseguir uma divulgação adequada, mesmo dentro do país.

É neste sentido que se torna extremamente oportuna a participação de Penna Prearo dentro desta mostra* , um artista que tem na busca do inusitado e do sonho a sua principal preocupação.
O que interessa na obra de Prearo é o fato do artista quase sempre trabalhar a imagem fotográfica nos limites do documento e do sonho, do supostamente verdadeiro e do construído.
Suas imagens, captadas no dia-a-dia das grandes e problemáticas metrópoles brasileiras ou então a partir do uso de modelos fundem realidade e ficção, transcendem o cotidiano ou o verossímil, buscando potencializar a capacidade de significação da imagem, a partir ou do uso de um determinado artifício na hora de captá-la (mexendo a câmera, por exemplo), ou então operando com objetos de cena que rompem com o natural da imagem fotográfica.
As fotografias escolhidas para esta mostra fazem parte de uma série de retratos de grupo, uma modalidade, ou um gênero, que a fotografia, desde seu nascimento pediu emprestado à pintura. Um gênero fotográfico que remonta à pintura corporativa holandesa, antes que a arte daquele país voltasse a estabelecer o diálogo profícuo e, muitas vezes, a superação dos modelos italianos.
São fotos de um grupo de jogadores, fotos de uma banda de rock, fotos de grupos de crianças...
Imagens prosaicas, dessas que habitam os álbuns de fotografias de todos nós mas que ganham um inquietante desequilíbrio, uma ressonância completamente absurda, dentro da normalidade tópica de seu padrão pictórico, na medida em que cada um dos modelos retratados usa como máscara uma imagem de Jesus Cristo.
A sobreposição da imagem de Cristo sobre a cabeça dos retratados não é fruto da manipulação em computador e sim uma máscara que o retratado aceita usar.

Interessante a cumplicidade dos retratados com a proposta do artista. Eles aceitam refazer o rito fotográfico ou seja, se permitem participar de uma fotografia corporativa, com suas regras e hierarquias implícitas e, ao mesmo tempo, deixam-se anular por trás de uma imagem que não mais os distinguem enquanto indivíduos para se mesclarem enquanto projeções de desejo e fé.
O que querem dizer essas fotografias tão comuns e ao mesmo tempo tão diferentes?
Quais as motivações que levaram Prearo a desenvolvê-las?
Para receber as respostas a tais perguntas (se é que as respostas existem de fato),
Cabe ao observador indagar àquelas imagens ao mesmo tempo tão literais e misteriosas.

Tadeu Chiarelli - agosto 2003
(crítico de arte, curador e professor do Departamento de Artes Plásticas da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo)

*(Mapas Abertos da Fotografia Latinoamericana),

Painéis Guerra e Paz, de Portinari, serão expostos no Rio de Janeiro

2010-12-17T11:05:21Z

A obra Guerra e Paz foi encomendada a Portinari em 1956 como um presente do governo brasileiro às Nações Unidas. Estrategicamente posicionados, o painel Guerra é visto por quem entra, e o Paz por quem sai do prédio com a mensagem simbólica de levar a paz aos quatro cantos do mundo. Os painéis têm 14 m de altura por 10 m de largura cada.

Como o prédio da ONU estará em reforma até 2013, o presidente do Projeto Portinari, João Portinari (filho do artista), encontrou uma grande chance de mostrar ao mundo, e ao Brasil, uma das obras mais importantes da carreira do pai, que segundo analistas acabou ficando um pouco escondida do grande público.

Prêmio Governo do Estado de São Paulo - Fundação Dorina Nowill

2010-12-14T16:42:09Z

A secretaria do Estado dos Direitos da Pessoa com Deficiência, convida para a cerimônia pública da entrega do Prêmio Governo do Estado de São Paulo - Ações Inclusivas para Pessoas com Deficiência 2010, a realizar-se no dia 15 de dezembro de 2010, às 17h00, na Sede da Secretaria de Estado dos Direitos da Pessoa com Deficiência.
Cerca de 300 inscrições participam do processo de seleção. Será uma grande festa para reconhecimento público das práticas inclusivas implementadas no Estado de São Paulo.
Venha conferir os vencedores, torcer e aplaudir as organizações que atuam na área da deficiência e que serão homenageadas.
Participe dessa grande festa!!!

Prêmio Governo do Estado de São Paulo - Ações Inclusivas para Pessoas com Deficiência - Edição 2010:
Dia 15 de Dezembro de 2010, às 17h00
Sede da Secretaria de Estado dos Direitos da Pessoa com Deficiência:
Av. Auro Soares de Moura Andrade, 564 - Portão 10
Barra Funda - São Paulo - SP (ao lado metrô e terminal Barra Funda).

Lançamento da revista de artes visuais Dasartes #13

2010-12-13T18:18:31Z

Vai Rolar Coquetel de lançamento da revista de artes visuais Dasartes #13 nesta quarta-feira, 15/12, às 19h no Ateliê da Imagem.

Última Sexta-Livre de 2011 no Ateliê da Imagem

2010-12-13T18:14:58Z

O Ateliê da Imagem terá múltiplas atividades na sexta: abertura da individual TEMPOS MISTURADOS, do fotógrafo paulistano Marcelo Greco, projeção dos alunos do curso Criatividade na Cor, ministrado por Walter Firmo, projeção do resultado do projeto FACE a FACE, realizado por Marian Starosta e o Ateliê no último Paraty em Foco, e OCUPAÇÃO RELÂMPAGO dos alunos, com participação especial do grupo O ESTENDAL.

Photographer # 143 : Renan Cepeda

2010-12-13T11:48:40Z

Photographer #143: Renan Cepeda

Renan Cepeda, 1966, Brazil, has been doing research with infrared film since 1991, making especially landscape photography essays using this technique. More recently Renan has worked with Tungsten film making images at night. Using a flashlight, long exposures and color filters he has created stunning and surreal images of people and abandoned houses. The following images come from his series Night Paintings, Vão de Almas and Corações ao Alto

São Paulo, Pontes e Vistas Fotografias de Marcelo Lerner

2010-12-10T10:55:06Z

O livro traz 28 imagens de grande amplitude, feitas a partir das pontes sobre os rios Tietê e Pinheiros, retratando imagens inéditas da cidade com uma técnica de montagem totalmente inovadora.
O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS recomenda!

Rubens Matuck e a Aquarela

2010-12-10T10:09:37Z

Uma homenagem ao artesão Japonês Seki Massao reúne oito aquarelas de Rubens Matuck sobre o papel Inomachi, um armário com materiais de excelência de aquarela, três cadernos de viajem, uma pasta com trabalhos recentes e ensaio fotográfico do fotógrafo representado pelo ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS Penna Prearo.

Miami Art Basel 2010

2010-12-07T16:38:50Z

A exposição que contou com representantes de 29 países teve seu núcleo no Centro de Convenções de Miami Beach onde, em diferentes espaços, se expõem pinturas, desenhos, esculturas, instalações, fotografia e vídeos. Mas esteve presente em outras partes de Miami Beach com programas como o Oceanfront Night (um espaço aberto em frente à praia), no qual este ano se representa a arte - cinema, músia, vídeo e outras modalidades - de quatro cidades, entre elas a Cidade do México.
Além disso, esculturas e instalações de muitos artistas internacionais são expostos em parques e espaços públicos, no programa Art Public, com curadoria do mexicano Patrick Charpenel.
No total, 20 galerias latino-americanas foram selecionadas para participar da exposição, que reúne um total de 200 companhias expositoras, a metade delas dos Estados Unidos e grande parte, europeias.
Obras de Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray, Andy Warhol, Henri Matisse, Pablo Picasso e Le Corbusier, entre centenas de outros, se misturam com nomes latino-americanos consagrados, como Jesús Soto, Joaquín Torres García e figuras emergentes.
A mostra, caracterizada pela oferta de alto nível artístico e grande volume de negócios, oferece obras de museu dos mestres internacionais, avaliadas em milhões de dólares, mas também trabalhos de artistas novos a preços acessíveis, na casa de centenas de dólares.

Projeto Portfolio

2010-12-07T16:25:40Z

Cesar Barreto, Julia Dias Leite e Claudia Tavares convidam:
PROJETO PORTFOLIO

11 de Dezembro
Sabado a partir das 17hrs.

Próxima Sexta-Livre no Ateliê da Imagem! - RJ

2010-12-07T15:38:46Z

O evento abre espaço para o novo e para a pesquisa de linguagens, promovendo a fusão de diversas expressões artísticas como poesia, música, dança, teatro e cinema, que se encontram num mesmo tempo-espaço. O espaço - o estúdio fotográfico do Ateliê - contribui ainda mais para a interseção de linguagens. Ao final da apresentação dos convidados acontece a CONFUSÃO - mediante inscrição na hora e tempo hábil o público pode apresentar-se, o que dá a dimensão do caráter democrático da proposta.

Convidados:

Cláudio Lins apresenta composições do seu último CD Cara;
Aparecida Petrovick, atriz revelação de Viver a Vida lê poemas de sua autoria e de poetas contemporâneos;
Organismo, formado por Línox, Roberto Pontes e Shala apresenta interferências poéticas por meio de experiências reflexivas sensoriais;
Pedro Necerssiam e Diogo Monteiro - Poesia Urbana;
Paulo Tiefenthaler exibe o curta " A Peruca de Aquiles", ganhador do prêmio de melhor filme pelo Júri no Festival Internacional de Curtas do RJ 2010;
Maria Laura Cravo apresenta Mix poem.

Data: 10/12/2010

Horário: 19h às 22h

Local: Ateliê da Imagem Espaço Cultural

Ex-sócios do Pactual investem em arte

2010-11-29T10:21:42Z

Há duas semanas, na casa de leilões Christie"s, de Nova York, um pregão de obras de arte latino-americanas registrou um recorde de preço no trabalho da artista plástica brasileira Adriana Varejão. O quadro Paisagem Canibal, avaliado entre US$ 250 mil e US$ 350 mil, foi arrematado por US$ 602,5 mil. A carioca não foi a única brasileira a assistir a uma escalada no preço de sua obra. Machina, de Beatriz Milhazes, saiu por US$ 722,5 mil, mais que o dobro do valor estimado (US$ 300 mil). O Metaesquema (Dois Brancos), de Hélio Oiticica, e um quadro de Vik Muniz também ultrapassaram - em muito - os valores cogitados pelo mercado.

O resultado do leilão agradou especialmente quatro executivos brasileiros, que se juntaram para lançar este ano o primeiro fundo de investimento com foco no em artes plásticas no País. Rodolfo Riechert e André Schwartz - ex-sócios do Banco Pactual e hoje presidente e vice presidente da gestora Plural Capital - uniram-se a Raphael Robalinho, do RR Capital, e ao ex-diretor do Museu de Arte Moderna da Bahia, Heitor Reis, para criar o Brazil Golden Art (BGA). O fundo, que encerra a fase de captação nesta semana, espera arrecadar R$ 50 milhões. Cerca de 40% dos recursos sairão dos bolsos dos próprios executivos. "Há uma mudança de patamar de preços que está apenas começando. Por isso, estruturamos um produto para oferecer aos clientes uma maneira de se apropriar desse movimento de valorização", diz Rodolpho Riechert, presidente da Plural Capital, responsável pela gestão do fundo.

Segundo cálculos feitos pelos executivos com base nos dados da Bolsa de Arte, nomes já consagrados do cenário brasileiro como Tunga, Antônio Dias ou Alfredo Volpi, além dos citados no início do texto, vêm apresentando uma valorização entre 20% e 60% ao ano desde 2003. Porcentuais dessa ordem estão diretamente ligados ao crescimento econômico que o País vem experimentando, marcado pelo surgimento de uma nova geração de empresários, aumento no número de fusões e aquisições e pujança do mercado financeiro.

A qualidade da produção artística, é claro, também explica a valorização. "Um movimento de arte está sempre atrelado a dinheiro e criatividade. Além dos nomes que já despontaram, há uma produção excepcional de centenas de jovens artistas, formados nos últimos dez anos graças a um acesso maior à informação e ao cenário cultural internacional", diz Heitor Reis, um dos sócios do fundo. Apenas 15% dos investimentos do BGA devem ser voltados para os artistas já consagrados, que os executivos - bem à moda do mercado financeiro - já chamam de "blue chips", termo empregado para designar ações de empresas bem estabelecidas, com lucratividade já comprovada.

Para André Schwartz, vice-presidente da Plural Capital, filho da galerista Anita Schwartz e ele mesmo um colecionador, há uma mudança no público que consome arte. "Antes, em uma conversa social, falava-se de carros, como Ferrari ou Porsche. Hoje, se fala de vinho, se fala de arte."

Nova geração. Segundo Heitor Reis, até a década de 60, os colecionadores de arte eram, em sua maioria, famílias tradicionais que compravam obras para seu próprio deleite. "A partir dos anos 70, foram os profissionais liberais, como médicos e advogados, que sustentaram o mercado. Nos últimos anos, uma nova geração de colecionadores vem surgindo: jovens entre 25 e 40 anos, grande parte do mercado financeiro", diz. A coleção não é mais só para enfeitar a casa.

Jones Bergamin, diretor da Bolsa de Arte do Rio de Janeiro, diz que o BGA não é a primeira tentativa no País de aproximar o mercado financeiro da arte. "Houve, nos últimos 15 anos, pelo menos outras duas experiências que não seguiram adiante." Mas cita uma conjunção de fatores que podem pesar a favor desta vez. "Além do bom momento da economia e do interesse estrangeiro cada vez maior pela arte brasileira, o fundo conta com um mecanismo bem montado de investimento." O BGA é um fundo no modelo de private equity, com registro na Comissão de Valores Mobiliários (CVM).

O fundo terá três anos para investir e dois para vender as obras. "No fim de 2011, já com uma coleção representativa da arte contemporânea brasileira, vamos começar a fazer exposições em lugares como China, Inglaterra e EUA. Será uma oportunidade para jovens artistas com acesso ainda restrito ao mercado conseguirem expor sua obra. Isso leva a uma maior visibilidade e a uma valorização de toda a cadeia: artistas, curadores, galeristas", diz Schwartz.

Riechert, para dar uma dimensão do potencial de valorização da arte contemporânea brasileira, recorre logo a uma comparação com um ativo real. "O metro quadrado da Vieira Souto, no Rio, está no mesmo preço da Park Avenue, em Nova York. Mas um artista brasileiro ainda custa bem menos que um semelhante a ele lá fora."

Arte não é ação". Márcia Fortes, da galeria Fortes Vilaça, enxerga o avanço no mercado de artes. "Mas, frente ao tamanho da economia brasileira, o circuito de arte ainda é irrelevante", diz. Sobre o novo fundo, afirma que os executivos terão de ter muito critério, principalmente no momento da venda. "Arte não é ação, não é só investimento. Na venda, é importante, por exemplo, que se respeitem regras de conduta, como oferecer primeiramente a opção de compra para a galeria que representa o artista e que zela por seu trabalho", diz Márcia.¨ "Permitir que as obras sejam eventualmente emprestadas para exposições também é fundamental para a valorização do artista."

Fonte:Cátia Luz - O Estado de S.Paulo

Valdir Cruz expõe Bonito

2010-11-26T13:51:55Z

São 25 fotografias em preto-e-branco que retratam as belezas naturais da região de Bonito, no Mato Grosso do Sul.

Na abertura da mostra ontem foi lançado o livro Bonito, Confins do Novo Mundo, com 45 imagens clicadas durante as várias expedições realizadas pelo artista entre 2008 e 2010.

Com imagens pouco convencionais, o fotógrafo une a sensibilidade de seu olhar e sua experiência técnica para retratar formas abstratas da natureza num jogo de luz e sombra que resulta em belíssimos contrastes.

Paranaense radicado em Nova York, Valdir Cruz tem seus trabalhos expostos nas coleções permanentes do Museu de Arte de SãoPaulo (MASP), do Museum of Modern Art (MoMA) e do Smithsonian Institute, em Washington, entre outras.

Mostra Bonito, do fotógrafo Valdir Cruz
Galeria Lourdina Jean Rabieh
De 25 de novembro a 5 de janeiro de 2011
Al. Gabriel Monteiro da Silva, 147, São Paulo, tel. 11 3062 7173, segunda a sexta, das 10h às 19h, sábado das 10h às 14h.
Entrada: Gratuita

Teaser do fotógrafo Penna Prearo

2010-11-26T11:51:49Z

Para Penna a razão conceitual é a grande turnê
da vida afora de "Lácrima Ballerina"
e de "Las Twinas Ballerinas".

Foto de Richard Avedon vendida por valor recorde de 841 mil euros

2010-11-22T10:31:00Z

Uma fotografia de 1955 do norte-americano Richard Avedon que retrata a manequim Dovima em vestido de noite Dior no meio de elefantes foi vendida no sábado por 841 mil euros, num leilão da Christie's ontem em Paris.

No total, o valor deste primeiro leilão exclusivamente consagrado ao trabalho de Richard Avedon atingiu 5,467 milhões de euros.

De grandes dimensões, a fotografia foi tirada no Circo de Inverno em Paris em 1955 e estava avaliada entre 400 e 600 mil euros, mas acabou por atingir um valor record para a obra de Avedon.

PARIS PHOTO 2010:Maior feira de fotografia do mundo expõe obras de latino-americanos

2010-11-22T10:28:23Z

O evento, considerado o mais importante do mundo para o gênero, reuniu até ontem, domingo (21) mais de 100 expositores de 25 países, seja em galerias ou em editoriais dedicados à fotografia.

A feira, que aconteceu no Carrossel do Louvre, trouxe este ano a mostra "Fragmentos latino-americanos", que homenageia fotógrafos e cinegrafistas da região, entre eles o aclamado fotógrafo Sebastião Salgado e o mexicano Manuel Alvarez Bravo, morto em 2002.

A brasileira Katia Maciel, que exibe um olhar particular sobre minúsculas zonas verdes urbanas, e a cubana Marta María Pérez Bravo, que apresenta fotos em preto e branco nas quais ela mesma é a modelo, evocando mitos e rituais da Santería, são as únicas mulheres incluídas na exposição.

Estavam presentes também o colombiano Leo Matiz, morto em 1998, os argentinos Jorge Damonte e Juan Travnik, o venezuelano Alexander Apóstol e o peruano Roberto Harcaya.

Alfio Tommasini abre Exposição na Kgaleria em Lisboa!

2010-11-10T10:31:29Z

Alfio Tommasini foi o vencedor do "Melhor Portfólio Emergentes" nos Encontros da Imagem 2009 em Braga.
O Trabalho apresentado retrata a vivência de um casal de Ciganos que vive dentro de um contentor na Região de Madrid. É um trabalho forte e estremamente humano onde a cumplicidade entre retratados e fotógrafo é evidente.
Tommasini nasceu em 1979 na Suiça e vive atualmente em Madrid onde faz o mestrado na Escuela de Fotografia Centro de Imagen (EFTI).

I Semana Potiguar de Fotografia

2010-11-09T16:54:18Z

RESUMO DA PROGRAMAÇÃO
Palácio da Cultura Cidade Alta, Natal RN
QUINTA
25/11 SEXTA
26/11 SÀBADO
27/11 Domingo 28/11
Manhã
- Oficina Alternativa fotográfica com Ricardo Junqueira;
- Oficina Jean Lopes;
- Leitura Portfólio (Max);
- Mediateca, bazar, exposições. - Reunião da Rede Brasileira de Produtores Culturais da Fotografia Brasileira RPCFB no RN;
- Mediateca, bazar, exposições - Mediateca, bazar, exposições.
Tarde Coletiva para Imprensa de Araquém Alcântara e organização da semana no Palácio da cultura
- Oficina Rosely
- Oficina Araquém Alcântara
- Oficina Rosely
- Leitura Portfólio (Junqueira);
- Mediateca, bazar, exposições - Oficina Araquém Alcântara
- Oficina Ricardo Junqueira;
- Leitura Portfólio (Henrique);
- Mediateca, bazar, exposições - Conclusão oficinas Jean e Araquem
Noite - Lançamento livros de Araquém Alcântara e autores locais e Palestra
- Mediateca, bazar, exposições.
- Coquetel. - Palestras com convidados do RN e nacional sobre fotografia artística; (Rosely, Ricardo, Max, outro)
- Projeções;
- Mediateca, bazar, exposições.
- Palestras com convidados do RN e nacional sobre fotografia documental;
(Canindé, Henrique, Nacional, Itamar Nobre, Hugo)
- Projeções;
- Mediateca, bazar, exposições.

Entrevista Ilana Bessler na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-11-09T11:03:46Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 860, ao fim da página:

http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Artur Lescher abre sua primeira individual em Nova York.

2010-11-09T09:37:11Z

Nascido em São Paulo, Brasil, em 1962, onde vive e trabalha, Artur Lescher emergiu como uma figura nacional no cenário da arte contemporânea brasileira, com sua primeira participação na Bienal de São Paulo em 1987.
Seus Rio-Maquina (Machine-Rio) que apresentou recentemente em São Paulo, é uma estrutura monumental, construído a partir de três tons de malha de aço inoxidável, suspensa por cilindros de metal.
O construtivismo e suprematismo (Malevich, Tallin ...) são importantes referências no trabalho Lescher, bem como artistas brasileiros neo-concreto (Sergio Camargo, Willis de Castro, Mira Schendel, Helio Oiticica ...) cujo trabalho propõe uma nova abordagem para o objeto e sua relação com o espectador e espaço.

O Metamericos são feitos de "Peroba do Campo" um tipo de madeira brasileira que foi usado para fazer pavimentos e coberturas em casas. O artista encontra as pranchas de madeira recuperada em lojas de demolição. Latão e aço inoxidável são então fundidos e polidos para formar dobradiças personalizados para cada articulação. O artista articula uma espécie de gramática entre os elementos em jogo.

Artur Lescher começou sua carreira na década de 1980. Ele participou nos dias 19 e 25 São Paulo Bienais Internacionais de Arte (1987 e 2002), e 5 Bienal do Mercosul (2005). Suas esculturas e instalações têm sido destaque nas principais instituições do Brasil de arte, tais como: Museu de Arte Contemporânea (MAC), Salta, na Argentina; Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), Instituto Cultural Itaú, São Paulo, Paço das Artes, São Paulo, Centro Cultural São Paulo, SESC Pompéia, São Paulo, Memorial da América Latina, São Paulo, Paço Imperial, Rio de Janeiro e outros. Ele também tem participado em exposições na Alemanha, Espanha, França, Estados Unidos, Equador e Colômbia.

Memory doesn't work por Jordi Burch

2010-11-08T09:54:41Z

Memory doesn't work

Só me recordo do que já não tenho.
A minha memória só se lembra do que não existe mais.

A minha memória não é mais do que saudade.

A base física deste projecto é um Moleskine e uma Polaroid.
O transfer do negativo da Polaroid para o Moleskine é coisa que fiz no passado - foi ontem, há um ano... - representa algo que me lembro, mas não muito.
As manchas em branco são ausência da memória. A indefinição é a lembrança turva e romântica do que me faz falta.
O moleskine é um caderno de notas, pensamentos. É também lugar de escrita pessoal. Estas polaroids fazem parte de algumas memorias que estão no meu moleskine, entre contas para pagar, para receber, telefones de pessoas novas, ideias para projectos...... escritas estas que, quando leio, já não são o mesmo porque não as escrevi exactamente como as pensei, faltam detalhes. são por isso, mais do que memórias, imaginação.

A minha memoria, por não ser rigorosa, procura a imaginação para tapar buracos.
É por isso que as memorias, no meu caso, não funcionam como tal. Funcionam mais como uma mentira do que uma verdade. Funcionam mais pelo que me quero lembrar do que pelo aquilo que me lembro.
As minhas memorias não funcionam.

Jordi Burch

Termina hoje a 34ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

2010-11-04T10:53:30Z

O evento trouxe tendências e novidades do setor audiovisual, além de produções clássicas. Nesta edição, em homenagem a Manoel de Oliveira, o filme de abertura da mostra foi O Estranho Caso de Angélica.
Os demais dias foram abertos ao público em geral.
A programação do circuito contou também com exibições gratuitas de filmes. As sessões gratuitas foram realizadas no Parque do Ibirapuera, no Vão Livre do MASP (Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand), na Matilha Cultural e no MIS (Museu da Imagem e do Som).
Um dos destaques da atração foi a exibição do filme de Fritz Lang, Metrópolis, ao ar livre no Parque Ibirapuera, no dia 24 de outubro.
Com a restauração, o clássico conta com 25 minutos a mais e a trilha sonora original será executada ao vivo pela orquestra Jazz Sinfônica.
O evento ainda homenageou o cineasta norueguês Bent Hamer e à atriz alemã Hanna Schygulla. Houve ainda uma retrospectiva do artista francês F J Ossang e de Serge Avedikian, ganhador da Palma de Ouro em 2010.
Este ano, a 34ª Mostra equipou salas de cinema e outros espaços com bicicletários para que os espectadores possam retirar e estacionar bicicletas, sendo que a primeira hora será gratuita. A parceria feita com a Sabesp e a ONG Parada Vital pretende encurtar as distâncias entre uma sessão e outra.

Exibição do curta-metragem Diários, de Patricia Gouvêa

2010-11-04T10:23:39Z

O curta-metragem Diários, de Patricia Gouvêa, foi editado a partir das impressões filmadas entre dezembro de 2009 e janeiro de 2010 numa viagem pela Índia e Nepal. É um filme sem narrativa, um mergulho nos sentimentos, nos tempos e nas sonoridades colhidas pela artista, um diário de viagem onde o acaso é o principal protagonista.

Ródtchenko: Revolução na Fotografia

2010-11-04T10:10:57Z

Arte e política sempre foi uma dobradinha perigosa, mas, no caso do russo Aleksandr Ródtchenko (1891-1956), essa mistura teve um desdobramento explosivo. Vanguardista de primeira hora, um ano antes da Revolução Russa ele alugou uma casa vazia na Rua Petrovka, em Moscou, e organizou uma exposição futurista junto a outros artistas que ficariam famosos - Maliévitch e Tatlin, entre eles -, antes de ser chamado para o serviço militar. Após a desmobilização, em 1917, de volta a Moscou, fundou o Sindicato de Artistas Pintores, virou secretário da esquerdista Federação Jovem e começou a trabalhar numa série de composições abstratas. Tudo caminhou bem até surgir Stalin e seu realismo socialista. Mesmo com a feroz censura e perseguição do ditador aos vanguardistas, Ródtchenko sobreviveu para se tornar o maior nome da fotografia experimental russa.
Reunindo não só as fotos mais conhecidas de Ródtchenko como suas primeiras fotomontagens futuristas, as capas feitas para os livros do poeta e amigo Vladimir Maiakóvski (1893-1930), as colagens satíricas para revistas de arte, os projetos de cartazes para documentários de Dziga Vertov (1896-1954) e dezenas de instantâneos registrados como fotojornalista. São imagens de tal força criativa que, quase um século depois, parecem ter sido captadas ontem, como observa Olga Svíblova, curadora da mostra e diretora do Museu Casa da Fotografia de Moscou, que emprestou parte dessa valiosa coleção. A mostra tem também impressões vintage pertencentes a colecionadores particulares.

Introdutor da estética construtivista na fotografia, Ródtchenko pesquisou métodos para aplicar os princípios estéticos do movimento a essa linguagem, sendo pioneiro na composição diagonal, que confere movimento à imagem e destaca a grandiosidade das formas - objetivo, aliás, do construtivismo, que ligava a emancipação artística às transformações sociais e arquitetônicas da metrópole na nova ordem surgida com o socialismo. Na mostra há vários exemplos desse olhar positivista que, em 1943, ficaria desiludido ao ver o regime stalinista usar a arte como ferramenta política para manipular o povo. Em seu diário, nesse mesmo ano, Ródtchenko conclui ter nascido cedo ou tarde demais para ver a arte separada da política. "Eu quero levar o povo à arte, não usar a arte para levá-lo a algum lugar."

Cabe lembrar que Malevitch, que discordava de Ródtchenko sobre a instrumentalização ideológica da arte - o suprematista defendia a autonomia artística -, usou pela primeira vez o termo construtivista para definir um trabalho de Ródtchenko de 1917, justamente no ano da revolução blochevique. A poesia de Maiakóvski, marcada pela influência de Nicolai Asseiev e pelo cinema de Eisenstein - para o qual Ródtchenko desenhou cartazes - são filhos do construtivismo russo, que tentou conciliar experimentação formal com militância ideológica. O fotógrafo, por exemplo, registrou com entusiasmo as primeiras manifestações coletivas da nascente União Soviética e seguiu acompanhando a movimentação dos populares, seja nas reportagens sobre comerciantes de rua dos anos 1920 ou nos desfiles na Praça Vermelha nos anos 1930.

A evolução do trabalho fotográfico de Ródtchenko pode ser notada claramente nos primeiros anos - das fotomontagens que serviam de ilustrações para livros dos anos 1920 (de Maiakóvski) ele passa à geometrização da paisagem nos anos 1930, fotografando monumentos e praças de Moscou numa angulação insólita, diagonal, que até hoje impressiona os fotógrafos pós-modernos. Ródtchenko, segundo Aleksandr Lavréntiev, "transformou a foto documental em arte". Esse papel de pioneiro do modernismo da ex-União Soviética nunca lhe foi negado, mas as formas de composição de Ródtchenko foram contestadas como originais em 1928, quando a revista Soviétskoe Foto insinuou que as fotos angulares dos pinheiros e sacadas de prédios feitas por ele deviam algo às experimentações do húngaro László Moholy-Nagy, na época fora da Bauhaus e editando uma revista de fotografia vanguardista, a International Revue. Moholy-Nagy jamais negou que sua principal influência fosse a escola construtivista russa.

No fim dos anos 1920, no entanto, Ródtchenko parecia mais interessado no cinema experimental de Dziga Vertov e do alemão Walter Ruttmann (1887-1941), que dirigira em 1927 o hoje clássico Berlim, Sinfonia de Uma Metrópole, um semidocumentário sem narrador sobre o cotidiano da cidade alemã, francamente influenciado pela teoria da montagem eisensteiniana e simpático às classes menos favorecidas. Tanto é verdade que as fotos do período que integram a retrospectiva são marcadas pela estética de Ruttmann, seja no enquadramento arquitetônico ou na perspectiva com que registra populares andando pelas ruas. Seguiu assim até 1933, ano em que declarou seu esgotamento formal.

Dois momentos em particular devem atrair os visitantes da mostra. O primeiro mostra a foto da mãe do artista em 1924, em que metade do enquadramento destaca um lenço de cabeça e outra metade um par de óculos dobrado - lavadeira, ela começou a ler em idade avançada. No mesmo ano ele registrou várias imagens do amigo Maiakóvski contra a parede de seu laboratório. São as fotos mais conhecidas do poeta e revelam uma sintonia perfeita entre os amigos, tanto pela simplicidade da composição - não há artifícios - como pelo despojamento do cenário. Como se vê, modernidade era mesmo com Ródtchenko.

(fonte:Antonio Gonçalves Filho - O Estado de S. Paulo)

Visionare 59 Fairytale

2010-11-03T18:22:08Z

Kirsten Dunst, Cecily Von Ziegesar, Richard Phillips, Viktor & Rolf, Inez & Vinoodh, entre outros, são apenas alguns nomes convidados para dar vida è essa biblioteca fashion, repleta de efeitos especiais como holografia, desenhos fluorescentes, etc.
Completamente ambientada para a ocasião, a galeria de AIBAKOV de Moscou foi o endereço escolhido para lançar a revista.

Bienalize-se! por Maria Ignez Mantovani Franco

2010-11-03T16:01:11Z

Parece um grito de guerra, mas é mais do que isto, é um apelo a se deixar levar, a se envolver com a arte, a se deixar tomar por ela.

Este slogan criado pela Agência Africa diz tudo sobre a 29a Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Tempo de ressurgir, de se renovar, de se entregar à sociedade, de se internacionalizar definitivamente, de assumir a cumplicidade com novos valores, de conquistar a liderança da arte contemporânea brasileira e de lançá-la definitivamente aos quatro cantos do mundo. Tempo de ver e ouvir o que se faz lá fora, de mesclar experiências, de evidenciar que os artistas são transterritorializados e que estão em todas as partes, de se convencer de que a arte emula a vida, e de se transformar em um território experimental por excelência.

Temos enfim, novamente, uma Bienal em ritmo, clima e atmosfera de Bienal. Valeu!

Herdeira das mais legítimas tradições modernistas, a Bienal de São Paulo foi criada nos idos dos anos 1950, por Ciccillo Matarazzo, num momento em que São Paulo buscava se modernizar, internacionalizar-se, seguindo o modelo americano instituído pelo MOMA, de Nova York. A participação ativa das elites do pós-guerra buscava a construção de um modelo de instituição cultural independente do Estado, movida a recursos advindos do mecenato cultural.

Ao longo de seis décadas, em edições bienais, uma bela história da arte brasileira e internacional circunscreveu-se ao mais emblemático dos pavilhões do Ibirapuera: barreiras estéticas foram rompidas, celeumas políticas foram enfrentadas, caminhos inovadores foram buscados, discursos curatoriais foram enunciados, o acesso à arte foi expandido enfim, a Bienal de São Paulo sempre ali esteve latente, presente, polêmica.

No entanto, as instituições culturais refletem de forma emblemática não apenas as intenções de seus fundadores, ou a ousadia de seus curadores, mas também acabam por oscilar de acordo com a inconsistência dos sucessivos colegiados que as dirigem. As mais bem arquitetadas curadorias mal conseguiram disfarçar a insolvência institucional que acometeu a Fundação Bienal de São Paulo nos últimos anos. Não por acaso, realizar uma bienal tornou-se um esforço, uma obrigação, para manter a tradição; tudo exatamente ao avesso do que deveria ser, ou seja, antes de mais nada, a Bienal deve estar ligada ao prazer de suscitar a inovação.

Bastou uma virada institucional marcada pelo apetite e coragem dos que querem reconstruir para afastar o gosto amargo de continuísmo e de insucesso que marcaram as últimas edições da mostra. Novas lideranças, novos desafios, novos profissionais, novos métodos, novas crenças. Assim foi possível reerguer a Bienal, num esforço conjunto, compartilhado, que envolveu apuro e determinação.

A recente edição aboliu o amadorismo e acreditou no profissionalismo. Atraiu investidores com contrapartidas verdadeiras, ou seja, o nome da empresa foi aliado a uma instituição de prestígio, liderança, inovação e representatividade. Acreditou no poder da arte para educar e promover a inclusão. Optou por um tema polêmico, mostrando que arte e política são condimentos indissociáveis e essenciais à democracia. Acenou de forma clara que a instituição tem apetite para liderar a arte contemporânea brasileira e assegurar sua transposição ao cenário internacional.

Cumpre, portanto, a todos nós brasileiros, trabalharmos para que a Bienal de São Paulo brilhe no cenário internacional, ombreando-se com a Documenta de Kassel, com a Bienal de Veneza e com as demais manifestações artísticas internacionais. Enfim, já é hora de acreditar que à Bienal cabe uma dimensão efetivamente pública e cidadã, que se alinhe ao que de mais moderno nosso país possa representar no cenário internacional contemporâneo.

Conseguimos dar o salto de qualidade, de inovação, de pertencimento, de ousadia. A 29a edição da Bienal de São Paulo, como seu próprio tema indica, nos mostra que há sempre um copo de mar para um homem navegar1.

1 Título dado à exposição da 29ª Bienal de São Paulo Há sempre um copo de mar para um homem navegar verso do poeta Jorge de Lima, de sua obra maior, Invenção de Orfeu.

Maria Ignez Mantovani Franco:

Graduada em Comunicação Social, com especialização em Museologia; cursou doutorado em História Social na Universidade de São Paulo. É doutora em Museologia, pela Universidade Lusófona de Humanidades e Tecnologias, de Lisboa, Portugal.

Diretora da empresa EXPOMUS Exposições, Museus, Projetos Culturais, por ela criada em 1981, atuou em cerca de 200 projetos de exposições nacionais e internacionais de arte e cultura brasileira, na América Latina, Estados Unidos e Europa. No Brasil desenvolve, pela Expomus, projetos museológicos, socioeducacionais e ambientais, em colaboração com instituições e museus nacionais.

Foi membro de diversos Conselhos de Museus brasileiros e participa de organismos nacionais e internacionais, tais como AAM - American Association of Museums e ICOM - International Council of Museums. Membro da Diretoria do ICOM Brasil, nas gestões 2006-2009 e 2009-2012, representa este órgão no Conselho Consultivo do Patrimônio Museológico do Instituto Brasileiro de Museus IBRAM.
(Fonte: ABERJE - Novembro - 2.010).

São Paulo é o mundo com fotografias de Jordi Burch!

2010-11-03T10:23:21Z

1. Os árabes do Mercado
Largo da Sé, com os seus vitrais, as suas palmeiras, os seus messias de rua clamando contra o diabo, no meio de um círculo de gente que vai dizendo: "Ámen!"

Este é o centro mais antigo de São Paulo.

Um homem passeia com um cartaz: "Compro ouro." Alguém toca samba. Caem flores das árvores. Passa um helicóptero. Brancos, negros, mulatos, orientais, judeus, árabes amontoam-se nas passadeiras para atravessar a rua.

Adiante está o pátio do Colégio branco e azul, onde a cidade foi fundada em 1554. Na esquina há um posto da PM, a polícia militar. E virando à esquerda, uma ladeira a pique leva ao bairro do mercado.

A visão é de formigueiro, centenas de pessoas enchendo as ruas, entre bancas e guarda-sóis repletos de pregões e mercadoria barata. Num relance, podia ser Jerusalém ou Damasco. Mas com muitas cores de pele. E tudo a falar português colorido.

A rua ao fim da ladeira é a 25 de Março. De um lado e do outro, quase todo o comércio tem donos árabes, e a rua paralela tem mesmo nome de comendador árabe.

No restaurante Raful, o próprio Raful já morreu, deixando viúva a paulistana D. Emília, que a esta hora de movimento está sentada ao lado da caixa, sem vagar para conversa. Passam travessas cheias de hortelã e travessas de feijão. Há doces árabes com pistacho e há coxinha brasileira. Ao lado temos a lanchonete Jacob, e a seguir o Empório Syrio, com especiarias e mercearias.

Quem não sabe que há mais libaneses no Brasil que no Líbano? Seis milhões? Libaneses e sírios. Raduan Nassar ou Milton Hatoun são exemplos de escritores brasileiros descendentes de árabes. Mas a lista é extensa.

Ao fundo da rua, está o Ponto Árabe, tasca-mercearia, onde Jamila fica encantada de poder falar francês. Veio do Líbano só há um ano, juntar-se ao filho Paulo, já brasileiríssimo. E entretanto toma conta do neto, Sarkis, um pequeno bulldozer de olhos negros e cândidos.

São cristãos de Trípoli, na costa norte.

"Lá há sempre guerra, aqui é melhor", resume Jamila. Perdeu mãe, pai e irmão em combates.

2. Nó judeu-libanês

Entre os árabes do mercado e o Arábia vai uma longa caminhada, em todos os sentidos. O Arábia, numa transversal chique da Avenida Paulista, é dos restaurantes mais chiques de São Paulo.

À porta tem "manobristas", os empregados que se dedicam a arrumar os carros dos clientes. Cá dentro, o pé-direito tem a altura de dois pisos, ocres e despojados, projecto do também descendente de árabes Rafic Farah.

São cinco da tarde, hora boa para nos sentarmos com Leila, a anfitriã. O nome completo dela é Leila Mohammed Youssef Kuczynski, o que significa o seguinte: Leila é uma libanesa muçulmana casada com um judeu.

Mas em São Paulo isto só é assunto se alguém de fora puxar. Líbano e Israel são inimigos de várias guerras sangrentas. Em quase todo o mundo judeus e libaneses terão dificuldade em se entender. Não aqui.

E quando Daniel Barenboim vem a São Paulo com a sua orquestra West-Eastern Divan, onde se incluem libaneses e israelitas, é no Arábia que todos acabam a comer.

Aos 56 anos, loura de olho azul, Leila podia passar despercebida em Beirute. Já no conservador vale de Beka, junto às ruínas romanas de Baalbek, seria mais difícil.

Daí vem a família de Leila, por parte de pai e mãe, imigrantes como tantos.

Com o fim da escravatura em 1888, o Brasil começou a importar mão-de-obra. As levas sucederam-se ao longo de décadas, vindas de muitas partes.

Veja o texto completo no site :
www.publico.pt

Documentário com Vik Muniz mistura arte e catadores de Gramacho

2010-10-29T10:34:25Z

Lixo Extraordinário, dirigido por Lucy Walker, João Jardim e Karen Harley, explora a relação de três anos que se estabeleceu entre Muniz e os catadores, os habitantes do lixão que proporcionam ao artista os objetos usados em suas imagens.
Vik Muniz fotografou no local um grupo de catadores. O objetivo inicial era pintar retratos dos catadores com lixo, mas o trabalho do artista com eles, longe de Jardim Gramacho, revela a dignidade e desesperança destas pessoas.

Abertura de ONDA CARIOCA | Exposição de Francesco Zizola no Ateliê da Imagem

2010-10-28T13:33:39Z

ZIZOLA é integrante da agência NOOR, ganhador de 8 World Press Photo, 3 Picture of the Year e um Eugene Smith Award, entre outros, e irá apresentar um novo ensaio sobre as praias do Rio de Janeiro. A cultura da praia, os corpos, os esportes, a visão de um espaço de cultura, de encontros, de vida: uma verdadeira homenagem à Cidade Maravilhosa!

Às 19h30 terá um bate-papo entre ele e Simonetta Persichetti, curadora da exposição. Pra quem ainda não se inscreveu, o workshop de ZIZOLA (Fotojornalismo e Ética) começa amanhã no Ateliê e o da Simonetta (A Crítica Fotográfica) será realizado no sábado!

Leilão Beneficente de Fotografia

2010-10-26T18:52:42Z

O Instituto Brasis Estudos e Ações, associação sem fins lucrativos, desenvolve o projeto Trecho 2.8 Criação e Pesquisa em Fotografia que basicamente consiste em uma oficina para pessoas adultas em situação de rua na cidade de São Paulo.
Como instrumento de geração de renda para essas pessoas e para que o projeto possa se perpetuar o Instituto decidiu organizar uma exposição / leilão que foi realizado ontem na Daslu ,com obras dos participantes do projeto e de fotógrafos consagrados.
Entre os fotógrafos já consagrados estavam Três representados pelo ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS: Armando Prado, Fausto Chermont e Jaques Faing.
Nós do ESCRITÓRIO apoiamos a iniciativa.
Confiram aqui em nosso site o trabalho desses artistas!

Mario Cravo Neto na França

2010-10-26T11:54:34Z

Mario Cravo Neto começou suas primeiras experiências artísticas muito cedo: escultura, desenho, instalação, fotografia e vídeo. Ao longo de sua vida, ele não colocava limites entre as diferentes orientações tomadas pela sua atividade artística.
Trinta e cinco obras em preto e branco e vídeos seram exiibidos na Galerie Esther Woerdehoff. Sua obra nos remete ao mito do eterno retorno, a busca de um paraíso perdido, o vínculo que se juntou o homem à natureza, o homem com o divino. Sua pesquisa fotográfica reside no enigma, o intangível ", inacessível, da mesma forma como deuses, os orixás e os mortos".
Criado através de técnicas sofisticadas, as suas fotografias têm uma sensualidade direta e paradoxalmente, parece óbvio. Em quase todas as suas fotografias de modelos são os olhos vendados ou estão escondidos por objetos ou animais, ou fotografadas por trás, impedindo-lhes o acesso ao mundo visível: a face oculta por uma tartaruga, pequenas aves brancas ou de fios de ouro, uma pedra grande emergentes a partir de uma orelha, dois peixes jogados sobre um ombro como uma armadura de Homero.
Seu trabalho evoca de forma perfeitamente icônico e de sonho, os gestos ancestrais do Candomblé, os rituais de pintura do corpo e do sacrifício. Mario Cravo Neto lega-nos um fermento de visões, uma mistura de revelações em sais de prata mítico oferecendo uma poção de imaginação para aqueles dispostos a experimentá-lo.

Ernesto Neto, expõe em Oslo no museu de Astrup Fearnley.

2010-10-10T12:09:11Z

As obras de Ernesto Neto são consideradas continuação do modernismo abstrato, não menos importante tendência do modernismo brasileiro. Nesta exposição global Neto apresenta pela primeira vez suas obras em contexto de retrospectiva, com trabalhos fundamentais dos últimos 10 anos.

Oficina: Historia da Fotografia por Armando Prado

2010-10-08T17:18:53Z

Ao longo de 170 anos a Fotografia tem nos deleitado, servido, causado estranhamento e mostrado segredos num mundo de aparências. O curso abordará todos os aspectos da fotografia, do daguerreótipo ao digital; do retrato ao fotojornalismo; da arte à publicidade. Os múltiplos aspectos da Fotografia e o que faz dela tão especial. Aulas expositivas com exibição da série The Genius of Photography, produzido pela BBC. A cada aula será apresentado um dos capítulos da série seguido de análise e discussão da História da Fotografia através dos seus principais protagonistas.

Livro Cidade Cantada - Fotografias de Luigi Stavale

2010-10-08T17:17:11Z

A canção ocupa um lugar social e histórico ímpar na cultura brasileira. Discutir como essa forma tão especial de expressão artística pode contribuir para repensar o conceito de cultura da educação é o objetivo do livro Cidade Cantada Educação e experiência estética, de Julia Pinheiro Andrade.

Para abordar o sentido formativo que a experiência estética pode assumir no campo da educação, a autora discute a forma da canção brasileira a partir de dois exemplos distintos e radicais: o tropicalismo do compositor Tom Zé e o rap do grupo Racionais MCs.

Fotos de Richard Avedon vão a leilão em Paris

2010-10-07T12:37:02Z

O fotógrafo americano Richard Avedon terá alguns de seus principais trabalhos leiloados em novembro em Paris, pela Christie's.
Para promover a oferta, a casa de leilão abriu nesta segunda, em sua sede em Nova York, uma exposição com sessenta imagens do artista.
Entre os retratos de Richard Avedon expostos, estão o da atriz Marilyn Monroe e do pintor Pablo Picasso. É o maior leilão realizado com o trabalho do fotógrafo americano. Estima-se a arrecadação de mais de US$6 milhões.
O valor deve ser utilizado pela Fundação Richard Avedon para promover a arte da fotografia em uma geração dominada pela tecnologia.
Avedon ficou ; conhecido pelos trabalhos que fez ;para revistas de moda, mas sua obra ; vai muito além disso: foi um dos nomes que contribui para a mudança fotografia moderna.
O Escritório de Fotografias irá procurar acompanhar o leilão de perto para trazer todas as informações!

Inhotim ganha novos pavilhões

2010-10-06T09:39:20Z

Imagine uma galeria de arte a céu aberto, com exposições dos maiores nomes da arte contemporânea do Brasil e do mundo, emoldurada por lagos azuis, cercados pela maior coleção de palmeiras do mundo. Este lugar se chama Inhotim, fica a 60km de Belo Horizonte e foi idealizado por Bernardo Paz, que se tornou um mecenas das artes plásticas e possui uma coleção de 500 obras.Desde 2006, esses jardins de sonho e suas obras, muitas interativas e estimulantes aos sentidos são acessíveis ao público.
O Escritório de Fotografias visitou um grande número de pavilhões-galerias com arte contemporânea de inestimável valor. O passeio intercalava a beleza da natureza, com jardins, lagos e plantas, e as visitas às galerias de arte, com direito a pausas em cafés e um belo restaurante para se almoçar.

O pavilhão dedicado à obra de Miguel Rio Branco este , que talvez seja o mais importante fotógrafo brasileiro em atividade se destaca entre as novidades .Traz de Maciel (1979), série sobre o Pelourinho (BA), a instalações recentes, como Tubarões de seda. Seu prédio de dois andares tem uma arquitetura surpreendente: todo recoberto de chapas de metal enferrujadas, que parece camuflar-se à vegetação cria uma bela estrutura feita em aço corten, o mesmo usado por Amilcar de Castro em suas esculturas, e tem uma estrutura labiríntica em seu interior.

Cosmococas, de Hélio Oiticica e Neville de Almeida, reúne cinco instalações, em cinco salas, com projeções de desenhos feitos com cocaína sobre fotos, capas de discos e jornais. O conjunto compreende projeções de slides e música. O observador deve curti-lo relaxadamente, pois estimula-se esse estado de espírito com redes, superfície de espuma e piscina. O visitante pode até levar roupa de banho, pois em Inhotim haverá toalhas e vestiário.
O conjunto está exposto integralmente em Minas. Isso só ocorreu uma vez, no Rio de Janeiro. O trabalho fez de Hélio Oiticica um dos fundadores históricos da arte contemporânea. Ele é também o autor de Tropicália, hoje no acervo da Tate Modern, em Londres.

A abertura das novas obras consolida Inhotim como um dos centros de arte contemporânea mais importantes do Brasil, ratificando o bom momento da arte brasileira em âmbito externo.
Sei que não precisamos entender tudo o que vemos, que a lógica não é uma aliada da arte, que o que importa é o sentimento despertado e este é um sentido que fica a flor da pele em Inhotim.

Confiram as fotos aqui em nosso site e façam essa linda viajem conosco!

A Revista DASartes Comemora 2 anos

2010-9-30T18:27:15Z

A Revista completou dois anos e comemorou no dia 29 de Setembro com coquetel para convidados no Mam São Paulo - SP.
O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS esteve presente no evento para comemorar junto com a revista.
Vejam nosso novo anúncio publicado na DASartes!

6ª edição do Paraty em Foco

2010-9-20T10:39:11Z

O 6° Paraty em Foco, apesar do tempo nublado, nos cinco dias do evento rendeu dez mostras nacionais e internacionais, 20 workshops, 14 entrevistas ao vivo, mais noites de projeções e leilão de fotos.

Algumas exposições estavam simplesmente imperdíveis, como Pele Preta da fotógrafa Maureen Bisilliat e da exposinstalação do francês Georges Rousse, que pela primeira vez realiza uma obra sua no Brasil.

As entrevistas e encontros foram excelentes contando com a presença dos holandeses Kadir van Lohuizen e Claudia Hinterseer, da Agência holandesa NOOR , que mostrou as consequências da ação humana no planeta em ensaios dos fotógrafos; o coletivo português Kameraphoto que apresentou projetos como State of Affairs, em que cada um dos 13 fotógrafos participantes acompanha uma semana dentro do jornal de um país; o badalado fotógrafo de moda Bob Wolfenson, que falou de seu mais recente trabalho autoral, o surpreendente ensaio Apreensões, com imagens de objetos apreendidos pela polícia. Também participaram do Festival outros importantes fotógrafos de diversos estados do Brasil.
No encerramento, os artistas João Wainer, Dirceu Maués e Egberto Nogueira encontraram os coletivos Garapa, Galeria Experiência e CIA de Foto para discutir as novas mídias.

Voltados para fotógrafos profissionais e amadores, estudantes de fotografia e interessados na arte, os workshops do Paraty em Foco são uma oportunidade para renovar o conhecimento e discutir as novas tendências.

O leilão do PEF virou tradição e sua principal justificativa é o incentivo ao colecionismo fotográfico. É uma oportunidade de adquirir obras de grandes fotógrafos (brasileiros e estrangeiros) por preços mais acessíveis.

O festival tem-se firmado como um dos mais importantes do País e a cada ano se aprofunda na reflexão do papel da fotografia na sociedade contemporânea.
Confiram as fotos aqui em nosso site!

Michel Auder. The World Out of My Hands / Lunds konsthall

2010-9-16T14:48:05Z

Michel Auder was born in France in 1944, but he has been living and working in New York since the late 1960s. His oeuvre, both incisive and generous, is now assuming its rightful place in an updated overview of recent art history, thanks to a series of ambitious solo exhibitions and participations in biennials or other larger-scale events.

For more than 40 years, since he bought his first portable video camera in 1969, Michel Auder has been recording, reviewing and releasing electronic footage. The terms 'chronicle', 'portrait' and 'voyage', which he himself uses, capture important aspects of the work. A chronicler knows that he is authoring a particular version of history and that he is not necessarily a reliable source. A good portrait is more than just a record of someone's distinctive features; it is the result of a process of subjectivation requiring the participation of both artist and model. A voyage, finally, is not always defined by geographic distance or physical displacement.

The World Out of My Hands is the title of a video installation from 2008, a torrent of vision and sound arranged as a non-linear narrative flow. It has been chosen as the title for Michel Auder's substantial solo exhibition at Lunds konsthall, which comprises some 20 works from the period 19712010. The reference to 'hands-on' subjectivity is only seemingly paradoxical. When we immerse ourselves in Auder's films, we begin to sense that he and the video camera have grown together to form a 'partial observer' as in experimental particle physics: a new force that perceives and experiences but can no longer be clearly attributed to either the machine or the man who operates it.

Michel Auder's sensibilities are not abstract or high-minded. He is perhaps best known as a chronicler and portraitist of the artistic circles around Andy Warhol's Factory in New York in the 1970s. Much of the enormous amount of video footage that he has amassed, several thousand hours all in all, is too sexually or emotionally explicit to be released, he says. In the material that he does release, we often have the impression of watching his own life taking shape as if on an open stage. This only highlights how important selecting and editing is for him. One prime example is The Feature (2007, 180', co-directed with Andrew Neel), a three-hours-long account of Auder's life through selected sequences of earlier films, with a fictional narrative frame. It is shown in collaboration with the Kino cinema theatre in Lund.

It is worth noticing several different approaches to editing in Auder's work. In the 1980s he made a series of works using re-filmed images from television, cut and reshuffled with nearly obsessive attention to detail. TV America (1986, 22') represents this body of work in the exhibition. Voyage to the Centre of Phone Lines (1993, 53') is composed of innocuous seaside views and intercepted, uncensored anonymous telephone conversations that are both intimate and universal. Seduction of Patrick (1979, 28') indicates another approach to video, where the medium is used to formalise and preserve semi-improvised, collectively authored drama. Since the mid-1990s Auder has been releasing longer and shorter sequences from his immense archive. Chronicles. Chelsea Girls with Andy Warhol 19711976 (released 1994, 73') and Portrait of Alice Neel 19761982 (released 1999, 120') are two well-known example of this genre. Along with three other films, they have been subtitled by Lunds konsthall to enhance the understanding of occasionally indistinct soundtracks. The travelogues are important for Auder, demonstrating his command of the extended time-format and represented here by A Personal Narrative of Travels to Bolivia (1997/2010, 11 hours, installation variable, here shown on 11 plasma screens) and Vanuatu Chronicles (1998/2010, 277', installation variable, here shown on 6 plasma screens). Video images are sometimes compiled into works without narrative sound but with strong visual impact, such as Shopping Heads (1989/2009, 2') or Heads of the Town (various years/2009, 13'). A recently developed sub-category of such non-verbal montage deploys a more decidedly audio-visual poetics. The World Out of My Hands (2008, 42') is one such piece. Narcolepsy (2010, 22') is another, shown as an installation with five partly overlapping projections.

Michel Auder has often been seen capturing other people's actions and reactions, enticing them to behave differently than if their words and gestures had not been translated into footage. But it would be unfair to call him a voyeur. He is always part of the situation, emotionally present and compassionate. He does not register life around him coolly and detachedly. He does not exoticise or alienate. Neither is he narcissistic, although he does not avoid directing his camera at himself. Michel Auder is good company. His work gives us room and reason to reflect. It is a precision instrument for observing life and for thinking through perhaps even coming to terms with the passage of time.

Michel Auder is represented by Newman Popiashvili Gallery in New York, Aurel Scheibler in Berlin and Galleria Fonti in Naples. All his videos and photographs are offered in editions of 5.

Office for Contemporary Art Norway

2010-9-15T09:48:35Z

The Office for Contemporary Art Norway presents 'BIG SIGN LITTLE BUILDING', an exhibition that looks at the expanded temporal and spatial field for cultural production resulting from the modern shift in the notion of landscape from the Kantian sublime to the space of leisure time. This enquiry was pursued by the radical artists and architects who throughout the 1960s and into the 70s explored how the aesthetic experience of nature within modernity arrived at the perception of the expressiveness of nature through the expressiveness in things. In doing so, their respective investigations reflected upon the loss of faith in natural beauty and evolved into an aesthetic experience of landscape as one no longer located within the 'towering mountains eloquent in what they crush overwhelmingly', but instead as projections of space liberated beyond the proliferation of artificial things.

The exhibition departs from and extends beyond a seminal project developed by the architects Robert Venturi, Denise Scott Brown and Steven Izenour, who, in their book Learning from Las Vegas (1972), drew from existing critiques of urban space at the time to explore the role that signs played in providing order to the landscape. As an articulation of a space contesting the hegemony of Euclidean space, this approach also intrigued artists such as Charlotte Posenenske, Ed Ruscha, Robert Smithson, and Jeff Wall, who further challenged such traditional notions of space in order to explore new interpretations of landscape within the fields of aesthetics, art and architecture without succumbing to any one category. Other artists, such as Claes Oldenburg and Allan D'Arcangelo, cited as inspiration by the three architects, contested the sign system altogether, which increasingly reflected an attempt on the part of capital to claim nature, landscape, and public space as commodities.

'BIG SIGN LITTLE BUILDING' exhibits, for the first time, the original glass lantern slides used by Steven Izenour for his academic lectures together with works by artists who transformed drafts, surveys, maps, and manuals into cultural artifacts, creating a new genre for cultural production at the time. The exhibition integrates artists' work, archival materials and publications that revised interpretations of landscape, building and monument reflecting upon how artists and architects attempted to dislocate traditional interpretations of these concepts in an effort to generate a critical dialogue around the effects of power inscribed in public information generated by the city and by the hierarchies, standardisations, and space-time relationships effected by corporate development.

'BIG SIGN LITTLE BUILDING', curated by OCA's Director Marta Kuzma, is dedicated to the memory of Steven Izenour and made possible by the generous efforts of John Izenour and loans of work from Venturi, Scott Brown & Associates, John Izenour, Claes Oldenburg, Jeff Wall, Estate of Allan D'Arcangelo, the Estate of Charlotte Posenenske, Nicole Verstraeten-Daled, Frank Mosvold and Sørlandets Kunstmuseum, Nasjonalmuseet for Kunst, Arkitektur og Design, and Barney & Astrid Rosset. The exhibition will be accompanied by a publication printed by the time of the exhibition closing.

For press inquiries and more information, please contact Marthe Tveitan at marthe@oca.no.

JEANLOUP SIEFF -- Hamiltons, London

2010-9-14T15:22:00Z

Sieff is heralded as one of the great international photographic talents of the last half-century and has left an undeniable imprint on his generation. Prolific in many fields, the variety of imagery within this exhibition highlights his broad artistry, ranging from fashion, nudes, landscape and portraiture.

The work that Sieff created through a career that lasted over forty years is so consistently infused with the potent traces of his personality and imagination that his pictures are always immediately recognisable. Philippe Garner, Christies.

With great tenacity, Sieff pursued a personal and highly effective signature style, soaked in playful imagination with a touch of irony. Seldom working in colour he favoured the discipline of black and white, often using to his advantage the spatial distortion of wide-angle lenses, the dramatic potential of shadow and exploitation of tone.

Of greater ultimate significance, was his ability to capture the elusive and the poetic, and particularly to evoke a mood at once romantic and melancholic. Philippe Garner, Christies.

Born in Paris to Polish parents Jeanloup Sieff (1933 2000) began shooting fashion photography in 1956 and joined the Magnum Agency in 1958, which enabled him to travel extensively. Settling in New York for much of the sixties he worked for Esquire, Harpers Bazaar, Vogue and Elle photographing celebrities such as Jane Birkin, Yves Saint-Laurent, Rudolf Nureyev and Alfred Hitchcock amongst others. Sieff won numerous prizes including the Prix Niepce, the Chevalier des Arts et Lettres in Paris in 1981 and the Grand Prix National de la Photographie in 1992, and his work is housed in many private and international collections.

I have always maintained that there is no such thing as art. There are only artists, producing things that give them pleasure, doing so under some compulsion, perhaps even finding the process painful, but deriving a masochistic joy from it!
Jeanloup Sieff.

Edward Burtynsky

2010-9-14T14:57:48Z

September 9 - October 16, 2010

HASTED HUNT KRAEUTLER
537 West 24th Street
New York, NY 10011
Tuesday - Saturday, 11 am - 6 pm and by appointment

www.metiviergallery.com
www.edwardburtynsky.com

Morre em São Paulo Wesley Duke Lee

2010-9-13T16:47:46Z

Nascido em dezembro de 1931, Duke Lee começou a estudar desenho e pintura no Masp, em São Paulo, e depois passou temporadas em Nova York e Paris para levar adiante sua formação.
Com artistas como Carlos Fajardo, Nelson Leirner e Geraldo de Barros foi um dos fundadores do Grupo Rex, que oferecia uma reação combativa e bem-humorada ao mercado de artes na década de 1960. Nessa época, foi também responsável pela realização dos primeiros "happenings" da arte brasileira.
Nos anos 80, trabalhou em parceria com o Centro de Reprodução Xerox, em Nova York, e incorporou uso de novas tecnologias a seus trabalhos, como fotocópia, polaroid e computador.
Duke Lee, que teve trabalhos expostos nas bienais de Veneza e de Tóquio, se dizia influenciado pelo movimento dadaísta, pela pop art e pela publicidade. Em um vídeo publicado na Enciclopédia Itaú Cultural Artes Visuais, declarou: "Sou um artesão de ilusões. O que realmente me interessa é a qualidade da ilusão. Se você conseguir atravessar o espelho e tiver a coragem de olhar para trás, você não vai ver nada".

Inhotim, novidades!

2010-9-13T15:12:38Z

Miguel Rio Branco ganha um pavilhão com imagens produzidas nos últimos 30 anos. Diversos suportes emolduram sua profícua obra fotográfica, que passeia com força pelos tipos marginais. As Cosmococas 1-5 também ganham um pavilhão inteiro, ode à Oiticica e Neville dAlmeida. A série de obras datadas de 73 promovem experiência sensorial, lisérgica, altamente libertária. Um Quase-Cinema, como definiam os autores, deliciosos pensadores destes que já não se fazem mais. Trashiscapes, Onobject, Maileryn, Nocagions e Hendrix-War serão exibidas permanentemente, para júbilo máximo de quem pisar naquele museu.

Bernardo Paz, o mecenas, também mostrará novas aquisições de sua coleção. Nos jardins, grandes obras de Dominique Gonzalez-Foerster e Rirkrit Tiravanija. E novas salas, de Alexandre da Cunha, Diango Hernandez, Ernesto Neto, Laura Vinci, Marcellvs L. e Marcius Galan. O fim de semana em Inhotim, pós-abertura da Bienal, promete receber toda a turma de colecionadores, artistas e galeristas que prestigiarem a abertura da Bienal de São Paulo.

1ªBienal Internacional de Graffiti Fine Art

2010-9-13T10:27:00Z

A Bienal Trouxe artistas consagrados como Trampo, Titi, Nadu, Nove, Totem2, Pato, Jaz, Gueto, Brown, BR, Suiko, Tinho, Toz, Zezão, Ozi, Nixk, Does, Dalata, Ciro e vários outros que já estão expondo suas artes até o dia 03 de ourubro de 2010.

1ªBienal Internacional do Graffiti Fine Art
MUBE- Museu Brasileiro da Escultura
Avenida Europa, 218 Jardim Europa
www.mube.art.br

Takashi Murakami no Palácio de Versalhes

2010-9-13T10:15:25Z

O Palácio de Versalhes é um dos maiores castelos do mundo, com mais de 2 mil janelas, 67 escadas e 700 quartos. Maior que seu tamanho físico é sua importância histórica para França; tanto que, em 1837, a construção foi transformada em um museu de história e hoje conta com mais de 20 mil obras de arte.

Após Jeff Koons, em 2008, e Xavier Veilhan, em 2009, o Palácio de Versalhes convida agora o ousado Takashi Murakami, para expor e deixar sua marca no local. Criando uma ponte entre o passado e o presente, o artista japonês cria um contraste chocante entre a arte ocidental clássica do museu com suas peças contemporâneas e pops.

A exposição vai de 14 de setembro a 12 de dezembro, e conta com 22 obras (11 inéditas) de Murakami, incluindo esculturas, pinturas e uma série de luminárias.

Gabriel Orozco no Centre Pompidou

2010-9-13T10:02:08Z

Orozco se interessa pelo universo urbano, pelos objetos do cotidiano e sua prática artística é variada: pinturas, fotografias, esculturas e objetos reconfigurados.
O Centre Pompidou fecha nas terças e no dia 1 de maio.

Mediations Biennale

2010-9-10T14:58:29Z

Main programme:

Beyond Mediations

curators:
Tsutomu Mizusawa and Ryszard W. Kluszczyń;ski

Erased Walls

curators:
Georgi Begun, Noam Braslavsky, Juraj Č;arný, Nika Kukhtina, Matthias Reichelt, Sł;awomir Sobczak, Raman Tratsiuk & Volha Maslouskaya, Marianne Wagner-Simon and Tomasz Wendland.

Venues:
Beyond Mediations will be displayed at the National Museum and at Culture Centre "Zamek". Erased Walls will occupy an alternative space, created especially for this presentation.

The second Mediations Biennale - the largest contemporary art exhibition in Middle Europe will take place in Poznan/Poland from 11.09. to 30.10.2010. The presentation of the latest achievements in art concentrating on a dialogue between different cultures of the world and artistic explorations of creators from Middle Europe, by relating to our historical and cultural experience will create a different platform, different sensitivity and a different perspective in the perception of global processes.

This year Mediations Biennale is one of the items of the programme accompanying the 4th ASEM (Asia-Europe Meeting) conference a meeting of 43 Ministers of Culture and delegations from Asia and Europe, held in Poznań; on 8th- 10th September 2010".

www.mediations.pl + www.erasedwalls.eu

Beyond Mediations

Keith Armstrong & Chris Barker oraz Wade Marynowsky, Mał;gorzata Borek, Dorota Chiliń;ska & Andrzej Wasilewski, Jakub Jasiukiewicz, Daniel Koniusz, Kamil Kuskowski, Konrad Kuzyszyn, Dominik Lejman, Zbigniew Oksiuta, Anna Orlikowska, Mateusz Pę;k, Józef Robakowski, Konrad Smoleń;ski, Piotr Wyrzykowski, Luc Courchesne z Kanady, Jonas Dahlberg i Magnus Wallin, Smadar Dreyfus & Lennaart van Oldenborgh, Ken Feingold, Eduardo Kac, George Legrady & Angus Forbes, Goeffrey Alan Rhodes, Ultra-red, Paul Vanouse, Inga Fonar Cocos, Masaki Fujihata, Naoya Hatakeyama, Masato Kobayashi, Yuiko Matsuyama, Hidetoshi Nagasawa, Yukina Sakai, Chiharu Shiota i Kijuro Yahagi, Paula Gaetano Adi, Hossein Golba, Sanja Iveković;, Kimsooja, Bart Koppe, Marie-Jo Lafontaine, Julian Maire, Jean-Christophe Norman, Adrian Paci, Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, Calum Stirling, Michelle Teran, Apichatpong Weerasethakul, Marc Tobias Winterhagen, Wu Jian'an.
Erased Walls

Alternazione, Arena Online, Yossi Attia and Itamar Rose, Ariella Azoulay, Group BLOCK, Ondrej Brody and Kristof Paetau, Pasko Burdjelez, Anetta Mona Chiş;a and Lucia Tkáč;ová, Costantino Ciervo, Ronald Dagonnier, Plamen Dejanoff, Alexandra Dementieva, Democracia, Tomá Dadoň;, Richard Fajnor, Clemens Fürtler, Grupa 4!, Robert F. Hammerstiel, Rudolf Herz, Rafał; Jakubowicz, Karl Heinz Jeron, Sandy Kaltenborn and Pierre Maite / Image-shift, MK Kaehne, MK Kaehne and Andrei Loginov, Uri Katzenstein, Peter Kees, Cezary Klimaszewski, Thomas Klipper, Folke Köbberling and Martin Kaltwasser, Paweł; Kowalewski, Christine Kriegerowski and Christoph Tempel / Gated Community, Oliver Kunkel, Maciej Kurak, Michael Kurzwelly, Marek Kvetan, Volker März, Stano Masár, Tamara Moyzes and Shlomo Yaffe, Johan Muyle, Vladimir Nikolič;, NO-MAD, Otis Laubert, Ola Lewin, Andrzej Pepł;oń;ski, Dominik Popł;awski, PSJM Pablo San Jose Moreno, Cynthia Vera Perez, Peter Puype, Ariel Reichman, Don Ritter, Roman Sakin, Roland Scheffersky, Ruti Sela & Maayan Amir, Marcus Shahar, Krzysztof Soł;owiej, Haim Sokol, Jan Peter E.R. Sonntag, Mał;gorzata Szymankiewicz, Koen Theys, Jean Toche, Jaan Toomik, Ilya Trushevsky, Maxim Tyminko, Tomas Vanek, Koen Vanmechelen, Oleg Yushko, Jakob Zoche.

"Erased Walls" is a part of European exhibition project, in frames of which two other exhibitions will be presented in Berlin (7-30.10.2010) and Bratislava (4-30.11.2010).

Accompanying programme / "Arsenał;" Municipal Gallery :
HUB or SChUB transforma(c)tion, in cooperation with Ł;ódź; Biennale, curated by Mariusz Soł;tysik
Agnieszka Chojnacka, Christine Mackey, Wiktor Polak, Mariusz Soltysik, Dmitry Strakovsky, Ela Walters

SKIN - Extreme pleasure, Extreme pain. Art from Argentina and Uruguay", curated by Enrique Badaro
Enrique Aguerre, Soledad Capurro, Fernando Alvarez Cozzi, Enrique Badaró, Gustavo Tabares, Alejandro Turell

Do it / duit Art from Indonesia curated by Tomasz Wendland.
Made Muljana A.K.A. Bayak, Heri Dono, Ahmad Ghozaly

Organization: "Zamek" Culture Centre, Kontekst Sztuki Association
Cooperation: National Museum in Poznań;, "Arsenal" Municipal Gallery, University of Arts in Poznań;, Fokus Ł;ódź; Biennale
Financed by: Governor of Wielkopolska Province, Municipality of Poznań;, Ministry of Culture and National Heritage, European Commission.
Press patrons: Gazeta Wyborcza, Radio Tok FM, TVP Kultura, Polityka, Arteon, Art & Business, Iks, Obieg, Empik.

Mediations Biennale
"Zamek" Culture Centre
ul. Ś;w. Marcin 80/82
61-809 Poznań; / Poland
Email: office@mediations.pl
PR Joanna Przygoń;ska
j.przygonska@zamek.poznan.pl
t. + 48 61 64 65 270
www.mediations.pl

Exposição Ana Lucia Mariz na QuaseGaleria, Portugal

2010-9-09T12:17:59Z

QuaseGaleria
10 de setembro a 8 de Outubro de 2010
Porto, Portugal.

Contemporary Art Museum St. Louis

2010-9-09T11:06:36Z

MAIN GALLERIES

Richard Artschwager: Hair
A maverick who began his career as a cabinet-maker, the widely-acclaimed American artist Richard Artschwager has for forty years produced a wide-ranging body of work that often merged the machine with the hand-made. The Contemporary Art Museum St. Louis is proud to present the first focused look at a material he has used throughout his career: rubberized horsehair. Emerging from the artist's famous blps series he began in 1968, the hair works depart from the crisp lines and sharp forms of his better-known Formica furniture works, blurring the clarity of sculptural form. In contrast to a contemporary art conversation weighed down by irony, strategy, and cool self-reflexivity, this new exhibition featuring hair-covered blps, exclamation marks, corners, and hair-covered furniture pieces foregrounds Artschwager's sincere celebration of the experiential knowledge of objects and pictures, and his passion for locating the body and soul of an image.

Elad Lassry: Sum of Limited Views
Tel Aviv-born, Los Angeles-based Elad Lassry's intimately framed photographs slip effortlessly between genres and iconographies, capturing plastic still-lives, uncanny publicity portraits, collages, animals, and landscapes. Thoroughly familiar and blank at the same time, his images move beyond the simple category of "photography" and instead ask us to revisit the perceptual experience of a picture. Often sliding between stillness and movement, the works possess a seductive, if slippery, hold on our vision. For Lassry's first major museum monograph in the United States, Sum of Limited Views combines over thirty photographs, including several new works, with a survey of his 16mm films, spotlighting the artist's capacity to create the "unstill" picture.

THE FRONT ROOM

The Contemporary Art Museum St. Louis is pleased to announce a new season of The Front Room. Running alongside the Main Galleries, The Front Room operates at a different rhythm, with exhibitions changing every few weeks. Designed for reactive, nimble, provisional, and experimental projects, the upcoming season features projects by:
Nina Beier & Marie Lund (September 10 - October 2)

Sam Windett & Margarete Jakschik & Zipora Fried (October 5 - 31)

Miriam Böhm & Agency (November 2 - 28)

John Smith (November 23 - December 5)

Laura Riboli & Simon Denny (November 30 - January 2)

Elad Lassry: Sum of Limited Views is generously supported by Carlo Bronzini, Artis Contemporary Israeli Art Fund, and Bob Rennie. Special thanks to David Kordansky Gallery, Los Angeles.

Support for the Contemporarys exhibitions program is provided by Whitaker Foundation; Jeanne and Rex Sinquefield; William E. Weiss Foundation; Nancy Reynolds and Dwyer Brown.

General operating support for the Contemporary Art Museum St. Louis is provided by Whitaker Foundation; Missouri Arts Council, a state agency; Missouri Cultural Trust; Regional Arts Commission; Bank of America Charitable Foundation; Wells Fargo Advisors; and Arts and Education Council.

CONTEMPORARY ART MUSEUM ST. LOUIS
The Contemporary Art Museum St. Louis promotes meaningful engagement with the most relevant and innovative art being made today. Founded as the Forum for Contemporary Art in 1980, the Contemporary Art Museum St. Louis re-opened in its current location, 3750 Washington Blvd. St. Louis, Missouri, 63108, with a new 27,000 square foot building in 2003. As a non-collecting institution, the Contemporary focuses its efforts on featuring local, national and international, well-known and newly established artists from diverse backgrounds, working in all types of media. As St. Louis' forum for interpreting culture through contemporary visual art, the Contemporary connects visitors to the dynamic art and ideas of our times. As a gathering place for experiencing contemporary art and culture, the Contemporary Art Museum St. Louis pushes the boundaries of innovation, creativity, and expression. Visit the Contemporary's website at www.camstl.org.

Asia Society Museum exhibition

2010-9-08T15:50:31Z

Fofinhas, mas com cara de mau são assim as crianças e animais retratados pelo artista japonês Neo-Pop, Yoshimoto Nara. No dia 9 de setembro, estréia na Asia Society a primeira grande exposição dele, onde será possível apreciar mais de cem trabalhos. A mostra traz obras desde o início de sua carreira, nos anos 80, até hoje.

Assim como outros artistas japoneses contemporâneos, as imagens têm influência de mangás e cultura pop. Nessa exposição em especial, o tema é a relação dos trabalhos de Nara com a música punk rock. Fica no ar até 2 de janeiro.
(fonte: Joyce Pascowitch)

Daido Moriyama and Shomei Tomatsu - Michael Hoppen Contemporary, London

2010-9-08T09:03:04Z

SHOMEI TOMATSU 東;;松;;照;;明;; and DAIDO MORIYAMA 森;;山;;大;;道;;

The work of Daido Moriyama and Shomei Tomatsu, the two giants of the Japanese post-war movement presented side by side for the first time in the UK, will be unveiled at the Michael Hoppen Gallery in September. While their photographs differ in style, sentiment is common to both. They address love, anguish and anger with equal power, passion and subtlety.

Despite being relatively unknown outside his home country, Shomei Tomatsu, who is 77, is widely considered the most important figure in Japanese post-war photography. Combining a unique visual style with personal insight, his work spans a period of more than 50 years, examining the island nation since World War II with quiet brilliance and an uncompromising look on a complex, nuanced subject. His major retrospective at SFMOMA Skin of a Nation, was hailed as one of the most important shows of Japanese photography to have been staged in the USA.

Cinematic in scope and presentation, the show will provide a candid look at the effects of the atomic bombing of Nagasaki, the impact of the Japanese post-1960s economic boom and the continuing influence of American military and popular culture in Okinawa. Tomatsus work is highly prized and rarely available for sale.

Complicated and disconcerting, Daido Moriyamas raw and visceral work reflects the disruption wreaked by the American World War II occupation and the profound social shifts accelerated by industrialization and urbanization. Examining the collision of a traditionally insular culture and freewheeling capitalism, Moriyamas images are timeless portrayals of the unsettling limbo thrown up by the clash between the old and the new.

In his early work, Moriyama used grainy textures and chiaroscuro, suggesting an insidious, edgy feeling of isolation with dark, mysterious backgrounds pierced by harsh spotlighting. However, since the 1980s his vision has become lighter, fresher and larger. This new clarity perhaps reflecting the security of a maturing artist nonetheless retains the perceptive intellect and compositional power evident throughout his career.

Taking a retrospective look at his oeuvre, the exhibition features vintage works from these earlier periods as well as photographs taken during Moriyamas multiple visits to Hawaii in 2007 and 2008. Exhibited in 2009 at the Metropolitan Museum of Photography in Tokyo, these large prints are unique editions of one. A group of these prints will form part of the exhibition, giving collectors and scholars an opportunity to compare and confront the two masters of Japans fascinating and complex post-World War II regeneration.

The Early Sixties

2010-9-06T10:47:36Z

Andy Warhol
The Early Sixties
Paintings and Drawings 19611964
5 September 2010 23 January 2011
Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 16
CH-4010 Basel
Switzerland

www.kunstmuseumbasel.ch

Sam Moyer with Ghost Tide at Max Hans Daniel

2010-9-03T15:21:21Z

Sam Moyer shows new wall sculptures, groups of bleached paintings, and several ink drawings in her second solo exhibition at Max Hans Daniel in Berlin.

Works on display in the exhibition signify the artist's varying practices which challenge the roles of domestic and artistic materials. The seemingly disparate pieces share a visual language that touches on pattern making and the elusiveness of light.

The work of Sam Moyer has recently been shown in Between Spaces and is still on view in Greater New York, both group exhibitions at P.S.1, NY.

Sam Moyer was born in Chicago, IL in 1983 and works in Brooklyn, NY, and Massachusetts.

A limited edition of artist books is published on the occasion of the exhibition.

Dayanita Singh at Huis Marseille, Museum for Photography

2010-9-03T15:18:30Z

This fall Huis Marseille will be holding a retrospective exhibition of work by the Indian photographer Dayanita Singh (New Delhi, 1961). In 2008 she received an award from the Prince Claus Fund for her discerning view of life in India and for bringing new aesthetics to Indian photography. Singh is internationally recognized for the highly expressive and poetic quality of her photographs, whose incidence of light and visual construction are so meticulously composed that they result in a comment on society and her own past.

Dayanita Singh was trained as a photojournalist at New Yorks International Center of Photography (ICP), which she attended after her study of graphic design at the National Institute of Design in Ahmedabad. On her return to India in the late 1980s, Singh began photographing evidence of social injustice for newspapers and magazines, hoping, as so many photographers had hoped at that time, to make a difference. In her work she challenged the prevailing notions of photojournalism which then still revolved, from an aesthetic point of view, around the decisive moment: the point at which the photographs content and form correspond perfectly.

By the early 1990s Singh was aiming her camera more and more at her own surroundings, no longer feeling at ease with her journalistic work. Her series on the eunuch Mona Ahmed (19892001) developed on the basis of a journalistic assignment, but it represents a critical point at which Singh chose to go her own way and depart from prevailing Indian views on photography. Mona, who became a close friend, has prompted a body of work in which the photographers personal relationship with the subject has key significance, both directly and indirectly. The same can be said about I am as I am (1999), an intimate series portraying girls in an ashram, a religious community in Benares to which Singh gained access through family ties.

In terms of the photographic form as well, Singh shifted course by switching, in fact, from her 35mm and medium format 6 x 7 cameras to a Hasselblad camera. This cameras square format forced her to observe and photograph in a different way: more slowly and precisely, with greater concern for composition, cropping, detail and light. That period brought about the formal and monumental portrait series Ladies of Calcutta (19971999) and Bombay (2002), in which she shows the world of her own origins that of her family and friends from the higher social classes. What we see is a lesser-known facet of India, one of postcolonial prosperity and of well-to-do women in their comfortable homes, surrounded by traditional Indian symbols. With Go Away Closer (2007) Dayanita Singh begins working in an increasingly free and associative manner. The absence of people is manifest in empty rooms and spaces and in remarkable still lifes of everyday objects. People are also emphatically absent from her most recent series, Blue Book (2009) and Dream Villa (2010), yet they do remain omnipresent in details and even in the color and light. The urban scene full of movement and vigor has turned into a desolate, surreal world that offers an endless range of interpretations and meanings.

Sent a Letter, the book project that Dayanita Singh carried out with Steidl in 2007, is a minimuseum that the visitor can take home in the form of a box containing seven booklets. Each is bound in leporello form and contains photographs of a specific trip to Calcutta, Mumbai, Benares, Allahabad, Devigarth and Padmanabhapuram⎯;that had special importance to her. One booklet shows photographs of her mother Nony Singh, who was also a photographer. The small size of the object heightens the sense of intimacy in the images, but because no texts or captions appear in it, Dayanita Singh allows her own experience to be open to everyones own associations.

This exhibition has been organized by the Fundación MAPFRE, Madrid, and installed here by Huis Marseille in collaboration with guest curator Carlos Gollonet and the photographer.

Huis Marseille, Museum for Photography
Keizersgracht 401, 1016 EK Amsterdam
The Netherlands

Tel.: +31 (0)20 5318989
Fax: +31 (0)20 5318988
info@huismarseille.nl
www.huismarseille.nl

Opening hours: Tue-Sun 11 am - 6 pm

Festival Images: a visual art festival in Vevey (Switzerland)

2010-9-03T14:52:45Z

From September 4th to 26th, Vevey (Switzerland) will be entirely dedicated to the image! The visual arts festival IMAGES features monumental photography exhibitions by renowned artists and present the winners of the two competitions it organises - the European First Film Awards and the Vevey International Photo Awards. Entirely free, the festival presents the works of about 100 contemporary artists during three weeks.

The festival 2010 in a few names
Peter Aerschmann, G.M.B. Akash, Anna Artaker, Jean-Christian Bourcart, René Burri, Cristina de Middel, Shadi Ghadirian, Alberto Giuliani, lHomme Bleu, JR, Bronek Kozka, Jean-Jacques Lebel, Li Yu & Liu Bo, David Lynch, Ursula Mumenthaler, Hans Op de Beeck, Sheung Chuen Pak, Andrea Star Reese, Matt Siber, Malick Sidibé, Li Wei, etc.

Open-air
Festival Images is the first Swiss open-air visual arts festival dedicated to photography. During three weeks, the festival turns the entire city of Vevey into a museum for visual arts. To mark this ambition on the international scene, the Images festival will present Unframed, a new urban project from the artist JR created in co-production with the Musée de l'Elysée, Lausanne.

Indoor
The Festival Images installs an ephemeral museum in a former shopping mall and collaborates with the Jenisch Museum, the Swiss Camera Museum, the Historical Museum, the Photography School of Vevey and Quai N°1 that will present monographic exhibitions.

International competitions
Every two years, the Fondation Vevey ville dimages offers supporting grants in the fields of photography and movies; these competitions offer among the highest rewards in Europe. Today, every edition of the Vevey International Photo Awards attracts more than a thousand candidates from all over the world. The works created thanks to these grants are exhibited at Festival Images.
Winners of the 7th Vevey International Photo Awards:
Christian Lutz (Switzerland) and G.M.B Akash (Bangladesh)
Reportage distinction Leica: Alberto Giuliani (Italy)
Lighting distinction Broncolor: Bronek Kozka (Australia)
Nestlé project: Lucie & Simon (France)

Winners of the 5th European First Film Awards:
Fondation Vevey ville dimages prize: Clément Cogitore (France)
SRG SSR idée suisse prize: Petar Vulchanov Petrov et Kristina Grozeva (Bulgaria)
Etat de Vaud prize: Azhur Saleem (United-Kingdom)

Indoor exhibitions schedule: everyday from 11 am to 7pm
www.images.ch

Peggy Guggenheim Collection

2010-9-03T10:01:46Z

From September 4 to January 9, 2011 the Peggy Guggenheim Collection presents Adolph Gottlieb. A Retrospective, the first retrospective exhibition of this great American Abstract Expressionist painter to be shown in Italy. Like those previously dedicated to William Baziotes and Richard Pousette-Dart at the Peggy Guggenheim Collection, this exhibition brings to Italy a better understanding of a generation of New York artists that in the 1950s came to form American Abstract Expressionism. The origins of this movement in the 1940s is closely linked to the career of Peggy Guggenheim herself, and to her New York museum-gallery Art of This Century.

The exhibition has been organized in partnership with the Adolph and Esther Gottlieb Foundation, New York, which has lent numerous paintings and sculptures from its holdings. The exhibition also benefits from loans from the Museum Frieder Burda, Baden-Baden, the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, the Musée national d'art moderne (Centre Pompidou), Paris, the American Contemporary Art Gallery, Munich, and from several private collectors.

The exhibition opens with paintings, drawings and etchings from the 1930s, including portraits of Rothko and another close friend Milton Avery, as well as allusions to an important sojourn in Arizona in 1937-38. Next comes a numerous selection, for the first time in Italy, of the first cohesive series of Gottlieb's paintings, the Pictographs, begun in 1941, the year of Pearl Harbor and America's entry to World War II. These place Gottlieb, alongside Rothko and a few others such as Arshile Gorky and Pollock, among the pioneers of the new American avant-garde. Typically a grid segments the picture surface; inside its compartments Gottlieb placed symbols, whether a hand, an eye, or hieroglyphs of his own invention that blend American Indian or other primitive ritual imagery with allusions to Greek mythology. They influenced a specific formal component of Abstract Expressionism, the 'allover' composition, which disperses pictorial incident evenly across the picture surface. Having exhausted the visual possibilities of the Pictograph, Gottlieb developed novel compositional types such as the Labyrinths (beginning with Labyrinth #1, 1950, in the exhibition) and Imaginary Landscapes from 1951, such as Sea and Tide (1952, in the exhibition). In the first group the grid of the Pictographs either takes over and dominates the painting, or becomes transparent, revealing concealed brushwork in the depths of the painting. In the second the composition splits into two zones, with celestial bodies in the upper part and an imaginary, vigorously brushed 'landscape' below. These works coincide with Gottlieb's growing commercial and critical success in the mid 1950s. In 1956, the lower part of the Imaginary Landscapes detached itself from the picture edges to become an independent floating form in vertical compositions known as the Bursts, Gottlieb's best known works. A jury headed by Italian critic and historian Giulio Carlo Argan awarded Gottlieb first prize at the 1963 São Paulo Biennial. In the 1960s, notwithstanding the emergence of Pop Art, antithesis of Abstract Expressionism, Gottlieb's painting was perceived as a prophetic and vital source of Minimal art. The exhibition also includes a selection of Gottlieb's sculptures, made from colored cardboard and presented in the company of the cosmic images that inspired them. The exhibition closes with a series of late works in which the explosive Burst contracts into more geometric and cooler discs, painted in the years prior to his death aged almost 71 in 1974.

The exhibition has been generously supported by the Regione del Veneto, by the Terra Foundation for American Art, Chicago, Illinois and by Intrapresae Collezione Guggenheim. Hangar Design Group created the graphic design for communications. Clear Channel, Radio Italia and Corriere della Sera are media partners.

The Terra Foundation for American Art is dedicated to fostering exploration, understanding, and enjoyment of the visual arts of the United States for national and international audiences. To further cross-cultural dialogue on American art, the foundation supports and collaborates on innovative exhibitions, research, and educational programs. Implicit in such activities is the belief that art has the potential both to distinguish cultures and to unite them.

Opening hours: daily 10 am to 6 pm (closed on Tuesday and December 25)
Entrance: euro 12; euro 10 seniors over 65 years; euro 7 students; free 0-10 years

ADOLPH GOTTLIEB. A RETROSPECTIVE
September 4, 2010 January 9, 2011

Peggy Guggenheim Collection
701 Dorsoduro
30123 Venice
ITALY

phone +39 041 2405404/415
fax +39 041 5206885
email press@guggenheim-venice.it
www.guggenheim-venice.it
peggyg.mobi

Cecily Brown and Nathalie Djurberg at kestnergesellschaft

2010-9-02T17:30:08Z

Cecily Brown Based on a True Story

The New York based painter Cecily Brown (*1969 in London) has become well known for her expressive works, often depicting explicitly sexual content, that shift between figurative and abstract. Her new works featured in the exhibition Based on a True Story show a great emphasis on the development of complex and rich textures whose content can be read in multiple ways.
For Cecily Brown, abstraction and figuration are not two separate worlds, but interwoven facets of seeing. The works in the Hanover exhibition embody this oscillation between the appearance of the figure and the emergence of the painterly method in abstraction. The phrase "based on a true story" usually introduces films or novels drawn from "real life." As an exhibition title it raises the question whether the stories recounted by the paintings are truebut what is a "true" story, in fact?
Brown's work is firmly rooted in the tradition of European painting. She draws from a multitude of references such as the detailed depictions of hell by Hieronymus Bosch or Edgar Degas' succinct and withdrawn tension, the physical directness of Francis Bacon or Lucian Freud, or images from Struwwelpeter, Alice in Wonderland as well as found photographs from magazines. Sometimes painted with great gestural vigor, sometimes in careful, selective contact with the canvas, Brown's works are a stirring celebration of painting. A cosmos of images, sounds and impressions is translated into paint upon the canvasin the end, the true story lies in the moments of perception and the discoveries of shapes that come to form atmospheres and stories waiting to be told by the viewers upon confronting the works.
A publication with an introduction by Veit Görner and texts by Angus Cook and Kathrin Meyer will be published by Snoeck, Cologne. The exhibition will travel to the GEM, Museum of Contemporary Art in The Hague where it will be on view from November 20, 2010 to February 27, 2011.

Nathalie Djurberg | Music Hans Berg
Snakes knows it's Yoga

Having become well known for her animated films, Nathalie Djurberg (*1978 in Lysekil, Sweden) has always dealt with themes such as obsession, power, lust, and violence. As with her contribution to the Venice Biennial in 2009, in the exhibition Snakes Knows it's Yoga (2010) the viewer encounters not only animated films but also a sculptural ensemble. The vast spatial installation immerses a multitude of plasticine figures, displayed under plexiglass covers on over forty wooden plinths, in various shades of light, and not least in the ingenious, masterful music composed by Hans Berg that accompanies the two films belonging to the ensemble.
In one of these films the sentence "Snakes knows it's Yoga," which gives both work of art and exhibition their titles, appears on a stage where a yogi is being torn to pieces by a snake. The traditional practice of yoga aims at a release from the burden of physical life and an achievement of spiritual enlightenment. The recurring issue of violence and hence suffering and pain in Djurberg's art takes a new turn in this regard. How and why is pain taken on and borne? In an exotistic manner the sculptural personnel of ascetics, shamans, mystics such as dervishes and fakirs, yogis, holy monks, and deities represents a notion of enlightenment and ecstasy. The second film points in this direction as well when a naked woman gets high by licking a froga shamanic practice to enter the spiritual world. Within all this, Djurberg does not miss the opportunity to give her work a wicked, black-humored twist with a scatological aesthetic.
This exhibition tours in 2011 to the Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam and the Kunstforeningen GL STRAND in Copenhagen. A joint catalogue will be published in October 2010 by Verlag fuer Moderne Kunst Nuernberg with texts by Hans Berg and Kathrin Meyer, Pernille Fonnesbech, Florian Heesch, and Kristin Schrader.

Natascha Stellmach - Come live in my Head

2010-9-02T10:32:17Z

Natascha Stellmach
Come Live in my Head

The works of Australian artist Natascha Stellmach are emotional investigations into the dark worlds of memory, the unconscious and the unspoken. Her installations, photographs and videos are thought-provoking and compelling.

In Guatemala, children who are scared of going to sleep are given tiny handmade dolls (worry dolls) for underneath their pillow. By passing on their fears to the doll they can then sleep peacefully. In Stellmachs ongoing series Worry Dolls, she creates unique works that embody the secrets and nightmares of adults and take on monstrous forms. With titles like Nazi Girl, Killer or Fuckhead, these worry dolls reveal personal stories whose biographical core represents collective experiences and thus becomes universal.

In the series Blood, Stellmach uses photographs as mementos in combination with her own text, bringing forth new associations and alternative narratives.

This formal approach of juxtaposing text and image enables Stellmach to link reality with fiction. She brings into play documentary or staged, biographical or found material in order to tell powerful narratives about the transience and darkness of the human condition.

Like French artist Sophie Calle, Natascha Stellmach is a storyteller who harnesses words and images in order to analyse, fictionalise and reassess. She successfully tackles challenging topics through her sense of the poetic paired with intelligence and black humour. With Come Live in my Head Stellmach invites the visitor in a very personal way to explore the self. In the end there is indeed hope for fantastical dreams.

Andreas Gehrke - FORST

2010-9-01T15:10:05Z

For that is a distinction we must always make: the forest as a massive collection of trees of all varieties is seen as a resource, not as an environment. Whereas the single or planted tree is seen by most of us as a permanent, carefully tended element of human landscape, valued as an object both of beauty and of sustainable exploitation."
-J.B. Jackson

In this seminal exhibition, Gehrke explores the concept of environmental transformation in various natural landscapes. Shot in locations both foreign and familiar, these haunting images of manipulated rural areas evidence the troubling repercussions of forced development and commercial exploitation in the natural world. The quiet isolation depicted in the series offers the viewer a temporary moment of peace within this rapid current of perpetual change, echoing Gehrke's continued personal quest to search for a rooted "sense of place".

Andreas Gehrke was born in Berlin, Germany in 1975. Gehrke's work has been exhibited internationally. He has recently shown at PS1 and Pierogi Brooklyn, and had a solo show at Galerie Pierogi in Leipzig, Germany. He currently resides in Berlin, Germany.

Andreas Gehrkes FORST will be on view during regular gallery hours and by appointment.

Ana Torfs - Album/Tracks B at Generali Foundation

2010-9-01T10:26:43Z

ALBUM/TRACKS B may refer to a photo album which, empty at first, tells a "(hi)story" only once it is filled with pictures, a story to look at, read, and interpret from ever new points of view. The work of Ana Torfs (born in 1963, lives in Brussels) could also be understood as a tribute to certain personalities and events from history, literature, and film whose tracks hence the titleand traces the artist pursues and endows with new life. Thus, Torfs frequently explores literary and historical material such as the Inquisition's files on Joan of Arc (Du mentir-faux, 2000), the court records from the trial for the murder of Rosa Luxemburg and Karl Liebknecht (Anatomy, 2006), or Ludwig van Beethoven's conversation books (Zyklus von Kleinigkeiten, 1998). To do so, Torfs has mainly relied on photography, slide installations, and, in the beginnings of her career, on video and film as her media. In 1998, after her hitherto only feature film Zyklus von Kleinigkeiten, the artist turned to and developed the more contemplative and focused form of slide installations besides her photographic work. The slide installation ideally lends itself to the emphasis and contemplation of a figure or historical event. It allows avoiding the static quality of photography while retaining its accuracy and benefitting from the monumentality of large film images and the use of sound. With bravura and precision, Torfs arranges imagemostly large close-ups of faces and places, restrained and hence paradoxically suggestiveand soundsparse yet impressive text and musicinto visually powerful, psychologically impregnated tableaux.

ALBUM/TRACKS A and B offer the first comprehensive survey of Torfs' work, with the exhibitions at K21 in Düsseldorf and the Generali Foundation in Vienna complementing each other. While both venues present a selection of earlier works, though with a slightly different emphasis, the artist's new photographic series Family Plot #1 and #2 as well as Legend are shown for the first time. Family Plot centers on the subject of Carl Linnaeus' botanic nomenclature and explores the ramifications of the history of botany and colonization.

Legend links the meanings of the word "legend" as "myth" and "caption" with mythological narratives, historical facts of colonization, and contemporary refugee issues on the Canary Island of La Gomera. The new slide installation Displacement will be presented at both venues for the first time. The Swedish island of Gotland, which Ana Torfs first came to for a residency in 2007, inspired the artist to embark on a photographic remake of Roberto Rossellini's Viaggio in Italia from 1954.

 ;Some of Ana Torfs' works are also accompanied by publications displaying the careful attention to graphics and content that is found in her works. The books serve as an extension and commentary, a kind of exegesis by the artist herself, and yet stand for themselves. In Torfs' publications, the text is heightened, as are language and voice in her installations, whether spoken or presented in the form of inserts. This brings on a theatrical mode which further deepens the reflexive dimension of the subjects represented and is owed to the use of an alienation effect as described by Bertolt Brecht: regarding theater as a theater of filtered and essentialized emotions and senses which are understood as social gestures.

Publication to the exhibition  ;ANA TORFS ALBUM/TRACKS A+B
Ed. by Sabine Folie and Doris Krystof; texts by Mieke Bal, Sabine Folie, Anselm Franke, Michael Glasmeier, Steven Jacobs, Gabriele Mackert, Friedrich Meschede, Kassandra Nakas und Catherine Robberechts; interview with Ana Torfs by Gabriele Mackert.  ;Design: Jurgen Persijn. Germ./Engl., 204 p., approx. 200 color- and b/w ill.  ;Verlag für moderne Kunst Nürnberg.

Curator: Sabine Folie
 ;Enquiries/Press office: Barbara Mahlknecht, +43 1 504 98 80-71114, found.presse@generali.at

An exhibition organized by K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen Düsseldorf and Generali Foundation, Vienna

Large, Space-filling Installations by Italian Artist Monica Bonvicini Fill Kunsthalle Fridericianum

2010-8-31T15:22:36Z

In her art, Monica Bonvicini raises issues regarding gender and power relationships in all kinds of contexts. At the centre of her work are architecture and public spaces, the world of labour, sexuality, as well as politics and representation, whose close connections she reveals. Bonvicini investigates the inner logic of public and private spaces, examines the interrelationship between physical and social space, and deconstructs the connection between function, addressee and aesthetics in architecture. In this investigation, the identity-defining aspect of peoples perception of the space surrounding them plays a key role. In Bonvicinis eyes, buildings as well as urban and suburban infrastructure are by no means neutral, but on the contrary obsessive, politically ideological, and sexualised.

Sexual determination of specific spaces, professions, and certain modes of behaviour is repeatedly a focus of Monica Bonvicinis work. The artist engages with architecture as a traditionally male domain, with the occupational image of construction workers and the resulting clichés, and explores the mechanisms underlying stereotypes. She puts materials such as latex, leather, steel and concrete which due to their properties have social connotations in unexpected contexts, creating new links. In her series Leather Tools, 2004- 2009, Bonvicini had different tools clad with black leather and thus transformed them, due to the purely associative power of the material, into a fetish.

Bonvicini often creates situations in which the viewer is called upon to act. Under the title Dont Miss A Sec., 2004, she put a portable toilet in the middle of the forecourt of the Art Basel fair grounds. The mirrored walls of the cabin were designed so that people outside could not see inside, but the person inside could see out. The construction aroused insecurity and anxiety in users, because the boundary between participation in public life and the intimate moment of going to the toilet was blurred. While not as participatory, the work NOT FOR YOU, 2007, confronts viewers just as directly: in metres-high illuminated letters attached to a steel scaffolding the title of the work was emblazoned across the corner of two walls in the otherwise empty exhibition room. The lettering was not illuminated by neon light, but rather the surfaces of the oversized letters contained two rows of light bulbs which lit up garishly in a rhythm. While on the one hand visitors were unable to escape the visual stimulus, on the other they were rebuffed by the literal message Not for you. In this way, with both verbal brutality and conceptual subtleness Monica Bonvicini hinted at a class society in the cultural sphere in which contemporary art has become an exclusive status symbol of an at once hermetic and elite circle. NOT FOR YOU addresses the problem of the role of the viewer, as well as the function of the exhibition space, which, despite the fact that there was nothing on the floor, seemed overloaded by the size and bright light of the lettering. Bonvicini makes the location of art including the institution and its protagonists a subject of art, and in this particular case, a target of artistic criticism denouncing the prevailing conditions of the institutional system.

At the Kunsthalle Fridericianum, conceptual works, sculptural works and large, space-filling installations will all be presented. The combination illustrates the artists formal diversity and continuity in terms of content. While her oeuvre reflects an explicitly political attitude, it never simply conveys her position using artistic means. Rather, Bonvicini repeatedly seeks a confrontation on an artistic level as well, by breaking with routine representations and traditional viewing habits. The show BOTH ENDS features many works that have never been shown in Germany before.

Monica Bonvicini was born in Venice in 1965. From 1986 till 1993 she studied at the University of Arts in Berlin and at the California Institute of the Arts. Since 2003 she is Professor for Sculpture and performative Art at the Academy of Fine Arts in Vienna. She lives and works in Berlin.

Among her most recent solo exhibitions are Focus: Monica Bonvicini-Light Me Black at the Art Institute of Chicago, Monica Bonvicini/Tom Burr at the Kunstmuseum Basel and at the Lenbachhaus, Munich (all in 2009), NEVER MISSING A LINE, at the Sculpture Center, New York, Monica Bonvicini at the Bonniers Konsthall, Stockholm (all in 2007), No Erection Without Castration at the Kunstraum Innsbruck (2006), Monica Bonvicini at the Museum Abteiberg, Mönchengladbach (2005), Monica Bonvicini: Michael Elmgreen & Ingar Dragset at the Sprengel Museum, Hanover and Monica Bonvicini/Sam Durant: Break it/Fix it at the Secession in Vienna (both 2004).

She was the subject of numerous group exhibitions in museums and institutions such as The New Décor at the Hayward Gallery, London (2010), The Porn Identity at the Kunsthalle Wien, Vienna and Scorpios Garden at the Temporäre Kunsthalle Berlin (both in 2009), Political Minimal at the KW Institute for Contemporary Art, Berlin, Female Trouble. Die Kamera als Spiegel und Bühne weiblicher Inszenierungen at the Pinakothek der Moderne, Munich (both 2008), The Expanded Eye at the Kunsthaus Zürich, Zurich, 2006 and Exit, Ausstieg aus dem Bild at the ZKM Center for Art and Media, Karlsruhe, 2005. Her works were also shown at several biennials, such as the Venice Biennial (already three times, last 2009), the Sao Paulo and the Gwangju Biennial (both 2006), the Berlin Biennial 2004 and 1998, the Istanbul Biennial 2003 and the Shanghai Biennial 2002.

Mostra Citiscapes Andre Lorch

2010-8-30T16:18:50Z

O restaurante O Pote do Rei inaugura, nesta segunda-feira, um novo espaço de exposições. O artista escolhido para a estreia foi o fotógrafo André Lorch. Ele apresenta um ensaio com paisagens de cidades como Paris, São Paulo e Nova York.

Miguel Rio Branco exibe a mostra inédita Maldicidade - Marco Zero no MIS

2010-8-30T12:46:10Z

As imagens mostram uma variedade de cenas urbanas encontradas ao redor do mundo, como América Latina (Cuba, Lima, Bahia etc), Estados Unidos (Nova York) e Ásia (Tóquio). Além das fotos, a exposição apresenta três vídeos (Túnel, Caveirinhas e Peep Show) e a instalação Ófélia, constituída por uma impressão fotográfica translúcida, vista através de neon, de três parabrisas de automóveis garimpados em ferro velho e de outros objetos presos por imãs.

A mostra aborda o isolamento dos moradores das metrópoles alienando-se dos rumos das cidades e, inclusive, de si mesmas. Em congruência com a trajetória do artista, as obras expostas focam-se nos marginalizados, desfavorecidos, os abandonados das cidades modernas, sejam prostitutas, mendigos, ou até mesmo cachorros de rua. A mostra é uma construção poética onde o lado trash, decadente, quebradiço das cidades é visto como um todo, em uma montagem que mistura vídeos e imagens fotográficas com ou sem interferência de outros objetos, explica Miguel Rio Branco. Não tento, em momento algum, chamar a atenção para o lado descritivo da fotografia, mesmo que, muitas vezes, esse lado siga existindo.

A exposição integra as atividades de comemoração dos 40 anos do Museu da Imagem do Som e de 2 anos de reabertura após reestruturação, iniciadas com a mostra ROJO® NOVA Cultura Contemporânea. Maldicidade Marco Zero também faz parte das atividades do São Paulo Polo de Arte Contemporânea da 29ª Bienal de São Paulo, inclusive articulando-se com o tema principal do evento, arte e política.

Sobre o artista
Miguel Rio Branco nasceu em 1946 em Las Palmas de Gran Canaria, Espanha. Filho de diplomata brasileiro, é pintor, fotógrafo, diretor de cinema, além de criador de instalações multimídia. Atualmente vive e trabalha em Araras (RJ). Possui obras no acervo de coleções públicas e particulares européias e americanas, dentre elas: MAM-RJ; MAM-SP; MASP; Centro George Pompidou, Paris; San Francisco Museum of Modern Art; Stedelijk Museum, Amsterdam; Museum of Photographic Arts of San Diego e Metropolitan Museum of New York.

Falecimento de Dorina Nowill

2010-8-30T12:30:35Z

Dorina estava com 91 anos de idade e era daquelas brasileiras que nos faziam acreditar no Brasil. Perseverança, compaixão e paciência são as lições deixadas por esta paulistana, que cega aos 17 anos enxergava o mundo com os olhos da alma.

Dorina nasceu em São Paulo no dia 28 de maio de 1919. Ficou cega aos 17 anos vítima de uma patologia. Foi a primeira aluna cega a frequentar um curso regular, na Escola Normal Caetano de Campos, em São Paulo.

Percebendo, naquela época, a carência de livros em braille no Brasil, criou em 1946, com a participação de outras normalistas, a Fundação para o Livro do Cego no Brasil, que mais tarde recebeu seu nome em reconhecimento por uma vida inteira dedicada à inclusão dos deficientes visuais.

Foi presidente do Conselho Mundial para o Bem estar de Cegos, atual União Mundial de Cegos e recebeu diversos prêmios e medalhas nacionais e internacionais ao longo de seus mais de 63 anos de trabalho à frente da Fundação.

Ficam a saudade e os exemplos como guias para a continuidade do trabalho iniciado e desenvolvido por Dorina em mais de seis décadas.

Nesta ocasião, expressamos também nossa gratidão pelas condolências recebidas e reiteramos nosso compromisso, assumido ano após ano, com o desenvolvimento e a inclusão social da pessoa cega e com baixa visão em nossa sociedade.
(fonte: fundação Dorina Nowill)
http://www.fundacaodorina.org.br

Louis Vuitton Journeys por Annie Leibovitz

2010-8-30T12:18:22Z

Em vez de vestir LV, os dois usam Edun, a marca de roupas ecologicamente corretas que a dupla fundou em 2005, para incentivar o comércio com a África. O grupo LVMH é um dos acionistas da grife. ; ;

A imagem de Bono e Hewson desembarcando de um pequeno avião com o slogan "Toda viagem começou na África" vai começar a ser divulgada em meados de setembro em jornais e revistas, além do site Louis Vuitton Journeys. ; ;

A colaboração também vai acontecer simultaneamente durante a Semana de Moda de Paris, quando Vuitton + Edun lançam a exposição "Africa Rising", com arte contemporânea Africana.
(fonte:Joyce Pascowitch)

Morre Corinne Day

2010-8-30T11:36:29Z

Foi ela que mostrou ao mundo através de suas lentes uma Kate Moss até então desconhecida, com 15 anos, nas páginas da revista The Face.

Ela fotografou inúmeras capas para as versões americana, italiana e britânica da Vogue e ficou conhecida por seu olhar melancólico sobre cenas simples - como ficou retratada a moda da década.
(fonte: voguerg)
Logo após a descoberta da doença a fotógrafa ganhou prova de amizade da top que lançou ao mundo. Kate Moss abraçou a causa e colocou à venda fotos suas clicadas pela amiga para pagar um tratamento nos EUA. Arrecadou 100 mil libras. Um ano depois, muito debilitada, Corinne não resistiu. RG homenageia a fotógrafa com o ensaio icônico que fez nascer Kate e a linguagem de moda de uma década inteira.

Philippe Halsman

2010-8-30T11:24:20Z

Philippe Halsman marcou o nome dele entre os maiores fotógrafos do mundo com uma vida recheada pelo olhar apurado e pelas ideias singulares. Ele revolucionou as imagens da Vogue Paris, fotografou 101 capas da revista norte-americana Life e ainda foi parceiro do pintor surrealista Salvador Dalí.

Mas foi na década de 1950 que ele criou o projeto Jumpology, colocando muita gente - como Marilyn Monroe, Audrey Hepburn e Brigitte Bardot - para pular. Halsman marcou, assim, a sacada de fotografia usada até hoje em muitas publicações de moda.
(fonte: Joyce pascowitch)

Bob Willoughby:Audrey Hepburn Photographs 1953-1966

2010-8-30T10:10:59Z

O fotógrafo Bob Willoughby era um dos profissionais preferidos de Audrey Hepburn. Os dois se conheceram em uma manhã de 1953, em Hollywood, e imediatamente se tornaram amigos. O trabalho que eles realizaram juntos é tão marcante que chamou a atenção dos editores da Taschen Books, responsável pela recém-lançada coletânea de imagens da atriz registradas por Willoughby entre 1953 e 1966.

São apenas mil cópias, todas numeradas e devidamente autografadas por Bob, que morreu no ano passado.
(fonte: Joyce Pascowitch)

Ida Ekblad: Digging. Treasure. at Bonniers Konsthall

2010-8-30T10:01:07Z

Bonniers Konsthall presents the Norwegian artist Ida Ekblad who holds her first exhibition in Sweden. Ida Ekblad has created new works especially for the exhibition, which covers everything from expressionist painting and poems to metal sculptures and large concrete reliefs. During the summer Ida Ekblad has collected material for her sculptures from Stockholm's containers and scrapyards.
Ida Ekblad relates, in a natural way, to a tradition of painting and sculpture. Combining free and spontaneous painterly gestures with a graffiti culture, she is quite at home among popular culture and street culture's teeming flora of expressions. At first sight, we see painting and sculpture of a neoexpressionist idiom. However, look closer and our contemporary age appears in the form of parts of copper wire, corrugated iron and deformed cymbals in what is the raw material of Ekblad's sculptures. The materials and found objects function as reminders of our time's mass produced and industrial abundance, which have been spared its fate to rot in a container and been merged into new entities. There is a liberating quickness and playfulness in Ida Ekblad, in which her artworks could be this very synthesising connection between society and art, the street and the white gallery walls.
Ida Ekblad (born 1980) is part of a young generation of artists who, in recent years, have contributed to the revitalisation of Oslo's art scene. In collaboration with a couple of artist friends she has run the gallery Willy Wonka Inc in Oslo. Ida Ekblad is also part of a wider, international context and has held gallery exhibitions in, among others, Berlin and Paris, and participated in group shows such as Younger Than Jesus at the New Museum in New York.
The exhibition is supported by Royal Norwegian Embassy in Stockholm and OCA (Office for Contemporary Art Norway).

Mind The Gap - Fotografias de Ana Lucia Mariz

2010-8-30T09:59:34Z

Ana Lucia Mariz abre exposição Mind The Gap

La Biennale di Venezia

2010-8-29T11:58:27Z

La Biennale di Venezia
Since 1895

The Venice Biennale, which has its offices in Ca' Giustinian (San Marco, 1364/A), has for over a century been one of the most prestigious cultural institutions in the world. Ever since its foundation in 1895, it has been in the avant-garde, promoting new artistic trends and organising international events in contemporary arts. It is world-beating for the International Film Festival, for the International Art Exhibition and for the International Architecture Exhibition, and continues the great tradition of the Festival of Contemporary Music, the Theatre Festival, now flanked by the Festival of Contemporary Dance.

In 2010, it will hold the 12th International Architecture Exhibition (29 August - 21 November) in the Giardini and in the Arsenale, the 67th Venice Film Festival (1 - 11 September) at the Lido, the 7th International Festival of Contemporary Dance (26 May - 12 June) and the 54th International Festival of Contemporary Music (24 September - 2 October).

New Permanent Activities will join this 2010 of major events, thanks to the newly available refurbished permanent sites in Venice (Ca Giustinian, which is open to the city, the Palazzo delle Esposizioni and the new Asac library in the Giardini and, finally, the new Padiglione Italia in the Arsenale).

Horsecross Arts presents Fernando Arias at Threshold artspace

2010-8-28T17:52:40Z

curated by Iliyana Nedkova

Horsecross Arts is delighted to present Thirst by Colombian born artist Fernando Arias who has lived and worked between Colombia and England for the last 20 years. His artistic practice is often positioned within neo-conceptualism, post-Duchampian aesthetics and Latinamerican avantgarde. Thirst is comprised of six public interventions in the landmark building in the city, which houses the Threshold artspace. Arias' interventions include new site-specific public commissions and recent works with acquisitions for the Horsecross collection. These pieces are installed at six 'project rooms' of the artspace.

Alongside his new commissions featured in Thirst, a number of Arias' recent works will be shown in the United Kingdom for the first time including Humanos Derechos, Enjoy Your Meal and Mahum.
Arias' project Humanos Derechos is the starting point for the artist's recent investigation into the nature of humanization of conflicts a theme at the heart of his solo exhibition at the artspace. This life-size installation shows members of armed groups from Colombia's conflict stripping away their arms and uniforms to find themselves naked and confronting each other as human beings. Thirst makes a bold yet subtle statement about the enduring and explosive nature of global conflicts in troubled regions such as Colombia, the Middle East and the Kashmir. Arias' response to these conflicts has taken the form of strong and beautiful portraits of people caught up in the violence.
The major body of work commissioned as part of Thirst has emerged from the artist's experience in Israel and Palestine. Travelling from Jerusalem to Ramallah one sees the infamous concrete Israeli West Bank barrier. Arias reacted to the wall by intervening in Tel Aviv's public spaces with the stencilled graffiti 'IS REAL?', documenting his actions and producing a series of photographs that question the idea of state and territory. The video, audio and photographic material gathered during his time in Israel and Palestine forms the basis of a series of exclusive works. The relentless run of the concrete barrier is intensified by the repetitive flow over the long Threshold wave of 22 flat 40-inch screens that dominate the artspace. This creative conceit allows for our sense of place to be subtly altered by bringing geographically distant locations together to map a new kind of locality marked by the artist's own personal political vision for a sustainable future. Reclaiming the significance of the local while simultaneously placing himself and his viewers within a global, often troubled, context.
The exhibition Thirst is accompanied by a new issue of Read More Horsecross Arts journal of critical writing (ISSN 1755-0866 Online) to be published on 27 September 2010. Newly commissioned essay by Hillel Schenker explores Arias' new works in relation to his oeuvre to date.

Concurrently, at its recently extended artspace, Horsecross is delighted to present Solo the first exhibition in an UK public institution by the emerging Perth-based artist Casey Campbell.

Thirst is produced by the artist, curator and Horsecross Arts for Threshold artspace in partnership with 55degrees, Glasgow. Supported by Prince Claus Fund for Culture and Development, The Netherlands and Creative Scotland.
Launched in September 2005, Threshold artspace is about positioning Perth and Scotland within the contemporary art world through curating, commissioning, producing, exhibiting, publishing and collecting bold contemporary art by Scottish and international artists. Pioneered and managed by Horsecross Arts and core funded by Creative Scotland and Perth and Kinross Council. Admission free. Open Monday to Saturday, 10am until 6pm or late on performance evenings.
Horsecross Arts is an independent agency delivering cultural activities at Threshold artspace, Perth Concert Hall and Perth Theatre. Threshold artspace and Perth Concert Hall sit on the site of the original Horsecross Perth's 17th century horse market. The name is synonymous with bustling regeneration activity in the heart of the city, which in 2010 celebrates the 800th anniversary of the granting of the Royal Burgh Charter to Perth by King William the Lion of Scotland in 1210.

For further details, related events, free resources and accompanying exhibitions please visit www.horsecross.co.uk/about/threshold-artspace or contact Iliyana Nedkova, Horsecross Creative Director (Contemporary Art) tel: +44 (0)1738 477743 e-mail: inedkova@horsecross.co.uk

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ DASartes AGO/SET.2010

2010-8-26T10:40:40Z

O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS divulga seus artistas por meio da revista DASartes.
Confiram!!!

Dia Mundial da Fotografia no Ateliê da Imagem

2010-8-19T16:34:05Z

FACE A FACE COM O ATELIÊ! foi inspirado no projeto Anônimos, realizado em Porto Alegre entre 1997 e 2001. O Ateliê da Imagem irá instalar um estúdio ao ar livre de 2m x 2.5m onde, de 10h às 16h, alunos, frequentadores e professores serão retratados pela fotógrafa Marian Starosta. Os 20 primeiros ganharão a sua foto polaróide. Às 19h será realizada uma projeção dos retratos produzidos ao longo do dia.

A partir das 16h, Claudia Buzzetti e Marcos Bonisson farão, gratuitamente, leituras de portifólios de alunos que já tiverem completado os cursos básicos e possuírem ensaio de até 25 imagens. As inscrições estão abertas e as vagas são limitadas.

Renan Cepeda @ Fotografe Melhor

2010-8-16T19:50:14Z

A fotografia com filme que vira uma
pintura com luz.

O fotógrafo carioca Renan Cepeda usa com maestria a técnica de light painting para a criação de imagens artísticas, de retratos a paisagens rurais fantásticas.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Photo Magazine

2010-8-16T06:22:38Z

Escritório de Fotógrafos promove exposição no Ateliê.

XVI Encuentros Abiertos - Festival de la Luz

2010-8-16T06:19:55Z

O festival de fotografia mais importante da América Latina. Os Encuentros Abiertos consistem na realização de diversas atividades fotográficas, como exposições, encontros, oficinas e concursos nos museus, galerias e centros culturais por todo o país

O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS estará presenciando de perto o festival, durante o período de 16 a 24 de Agosto de 2010.

Renan Cepeda, Fotografias @ Cranio

2010-8-12T19:50:56Z

CRANIO
Rua Pacheco Leão, 94 -Jd. Botânico.
Tel: (21) 3114-0171
De segunda a sexta-feira, das 11 as 18h.
Aos fins de semana com hora marcada.

Wallpaper @ Fausto Chermont

2010-8-12T19:50:34Z

Reabertura do restaurante DOM do Chef e querido amigo Alex Atala, onde a a única obra de arte adquirida é de autoria de um de nossos artistas representados, Fausto Chermont.

Obra: ALAMEDA DAS PALMEIRAS IMPERIAIS DO JARDIM BOTANICO DO RIO DE JANEIRO.
Data: 2001
Tamanho: 1.50 X 2.50 m.

Entrevista Patricia Gouvêa na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-8-12T15:54:14Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 827, ao fim da página:

http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Entrevista Paula Brandão na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-8-12T06:26:23Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 844, ao fim da página:

http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Entrevista Penna Prearo na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-8-12T06:25:55Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 836, ao fim da página:

http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Coleção Pirelli @ MASP

2010-8-11T20:07:43Z

Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - MASP e Pirelli
Convidam para a inauguração da décima oitava edição da Coleção Pirelli/Masp de fotografia.
11 de Agosto de 2010, das 19:30 as 22h.

Vik Muniz| Verso

2010-8-04T10:27:28Z

A exposição reúne sete objetos tridimensionais de diversos tamanhos feitos de madeira e mídias variadas, que reproduzem fielmente o verso de obras célebres como Les Mademoiselles dAvignon de Picasso e La Grande Jatte de Seurat que durante o período de seis anos o artista fotografou e estudou em parceria com a equipe curatorial e de conservação de instituições como o MOMA, Guggenheim e o Art Institute of Chicago e um time especializado de artesãos, artistas e especialistas em cópias de pinturas.
Sempre que um crítico, apreciador quer certificar-se da autenticidade de uma obra, o primeiro gesto que faz é virar a tela e analisar o seu verso. A tela permanece intocável ao passar dos anos, enquanto o seu verso está em constante modificação, conta sua história, coloca a mostra suas cicatrizes. Visitantes de museus e galerias não possuem a chance de observar as etiquetas do verso de uma obra e imaginar os lugares e situações as quais a peça transitou.
Ao entrar na sala, tem-se a impressão de que entramos numa exposição ainda em montagem, os quadros estão no chão, encostados na parede. Um olhar mais atento revela então os autores e os títulos das obras, e traz a certeza de que aquelas obras não poderiam estar ali já que pertencem a coleções de museus importantes do Brasil e do mundo. Saber o que a obra representa em sua outra face torna-se apenas um pressuposto, não necessário. A série Verso faz o espectador poder imaginar a obra ao ler as suas etiquetas somente. O detalhamento cuidadoso presente nas obras engana os olhos do espectador como num trompe l´oeil e é resultado do trabalho de uma vasta equipe de profissionais dirigidos pelo artista. Após fotografar as obras nos distintos museus, cada especialista foi responsável pela execução de um detalhe específico: molduras, arranhões, manchas, etiquetas e etc., tudo produzido à perfeição.
Durante os últimos 20 anos Vik recria imagens icônicas e utiliza-se de técnicas que relatam o processo de criação da obra de arte. Ao observar a história de algumas destas imagens expostas e revelar o lado desconhecido delas, a série Verso leva o artista de volta a criação de objetos, técnica com a qual ficou conhecido ainda na década de 80.
Para a exposição de São Paulo, Vik Muniz trabalhou junto à Pinacoteca do Estado de São Paulo, O MAM do Rio de Janeiro e o MASP para reproduzir o verso das pinturas A Estudante, de Anita Malfatti; O Abaporu, de Tarsila do Amaral; São Paulo, 1924, de Tarsila do Amaral e Samba, de di Cavalcanti respectivamente.
No andar de cima da galeria Vik apresenta versos de fotos célebres publicadas no The New York Times e que integram a coleção do MoMA. Os versos estão cheios de datas apagadas, manchetes de jornais amarelados, manchas de cola de contato que fazem o espectador sentir um pouco da história dessas imagens nas redações e além delas.
O trabalho de Vik Muniz encontra-se em coleções em todo o mundo, entre eles no Museum of Modern Art, New York; Metropolitan Museum of Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; The Art Institute of Chicago; Los Angeles County Museum of Art; San Francisco Museum of Modern Art; Museu de Arte Moderna, Rio; Museum of Contemporary Art, Tokyo; Daros Foundation, Zurich; e na Tate, Londres.

O catálogo de Verso, com textos de Vik Muniz, Luc Sante e Eva Respini e cheio de detalhes sobre a confecção de cada obra estará disponível para consulta e compra na galeria.

Entrevista Luciano Bonomo na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-8-03T21:11:09Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 823, ao fim da página:

http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Lançamento do Livro "Travessia do Pacífico"de Beto Pandiani e Igor Bely

2010-8-03T10:30:39Z

Beto Pandiani,Igor Bely,Maristela Colucci,
Terra Virgem Editora e Shopping Center Iguatemi São Paulo convidam para:

Lançamento do livro e abertura da exposição "Travessia do Pacífico", com fotografias deMaristela Colucci e Igor Bely.

Terça-Feira , dia 03 de Agosto de 2010, das 19h00 as 22h00.

Shopping Center Iguatemi
Espaço Fashion - Piso Superiror
Av. Brigadeiro Faria Lima, 2232
www.iguatemisaopaulo.com.br

Terra Virgem Editora e Produções Culturais
Rua Galeno de Almeida,179
São Paulo - SP 05410-030
11 3081 9932 / 3083 7823
www.terravirgem.com.br
terravirgem@terravirgem.com.br

The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today

2010-8-01T13:16:29Z

Since its birth in the first half of the nineteenth century, photography has offered an unprecedented way to analyze works of art for further study. Through crop, focus, angle of view, degree of close-up, and lighting, as well as through ex post facto techniques of darkroom manipulation, collage, montage, and assemblage, photographers not only interpret the works they record but create stunning reinventions. The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today presents a critical examination of the intersections between photography and sculpture, exploring how the one medium has become implicated in the understanding of the other. Through a selection of nearly three hundred outstanding pictures by more than one hundred artists from the dawn of modernism to the present, the exhibition looks at the ways in which photography at once informs and challenges our understanding of sculpture. Addressing how and why sculpture became a photographic subject, the exhibition examines pictures that range in subject from inanimate objects to performing bodies within specific historical and political contexts. The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today features major works by Eugène Atget, Hans Bellmer, Herbert Bayer, Constantin Brancusi, Brassaï, Manuel Alvarez Bravo, Claude Cahun, Marcel Duchamp, Fischli & Weiss, Robert Frank, Lee Friedlander, Robert Gober, David Goldblatt, Rachel Harrison, Hannah Höch, André Kertész, Man Ray, Bruce Nauman, Charles Nègre, Gillian Wearing, Hannah Wilke, and Iwao Yamawaki, among others. The exhibition will travel to Kunsthaus Zürich, where it will be on view from February 25 through May 15, 2011.

The exhibition is organized by Roxana Marcoci, Curator, Department of Photography.

The exhibition is made possible by The William Randolph Hearst Endowment Fund.

Additional support is provided by David Teiger.

Fonte: www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/970

photos.uol @ Josemar Martins

2010-7-30T19:38:58Z

O Escritório de Fotografias
Projeto visa representar fotógrafos consagrados e novos talentos

O Ateliê da Imagem Espaço Cultural lança, no Rio de Janeiro, no dia 9 de julho, às 19h, o Escritório de Fotografias Luiz Porchat com a coletiva As palavras que nos faltaram. A inauguração é aberta ao público.
O Escritório de Fotografias é uma galeria virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat, recentemente lançada em São Paulo e agora chega ao Rio com uma coletiva com trabalhos de 12 artistas visuais brasileiros que fazem parte do Escritório. Fazem parte desta seleção: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.
O objetivo do Escritório de Fotografias é representar fotógrafos - consagrados ou novos talentos -, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. Além de acompanhar tendências, apoiar a criação e formalizar novos caminhos e discursos, o Escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.
Vamos manter o primordial nas relações humanas: o contato direto com o público, afirma Porchat. Queremos dialogar com as pessoas através de nosso site, como vitrine tanto do trabalho de nossos artistas, como em eventos do mundo da arte, através de exposições em espaços públicos e não convencionais".
O Escritório de Fotografias desenvolve um trabalho minucioso com cada artista, apresentando várias opções de preço e tamanho, tornando mais acessível a compra de fotografia. Vamos manter a qualidade e apresentar soluções para todos os perfis!, observa o curador.

Mais informações:
As palavras que nos faltaram - Coletiva dos fotógrafos do Escritório de Fotografias
Inauguração: dia 9 de julho, às 19h
Encerramento: dia 14 de agosto de 2010
www.ateliedaimagem.com.br/galeria
www.escritoriodefotografias.com
Ateliê da Imagem Espaço Cultural Galeria do Ateliê
Av. Pasteur 453 Urca (2541-3314).
De 2ª a 6ª, de 10h às 21h; sáb de 10h às 18h.

arte ref @ fotografia coletiva no Rio

2010-7-30T19:38:46Z

O Ateliê da Imagem Espaço Cultural lança, no Rio de Janeiro, no dia 9 de julho, às 19h, o Escritório de Fotografias Luiz Porchat com a coletiva As Palavras que nos Faltaram. A inauguração é aberta ao público.
O Escritório de Fotografias é uma galeria virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat, recentemente lançada em São Paulo e agora chega ao Rio com uma coletiva com trabalhos significativos de 12 artistas visuais brasileiros que fazem parte do Escritório. Fazem parte desta seleção: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.
O objetivo do Escritório de Fotografias é representar fotógrafos - consagrados ou novos talentos -, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. Além de acompanhar tendências, apoiar a criação e formalizar novos caminhos e discursos, o Escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.
Vamos manter o primordial nas relações humanas: o contato direto com o público, afirma Porchat. Queremos dialogar com as pessoas através de nosso site, como vitrine tanto do trabalho de nossos artistas, como em eventos do mundo da arte, através de exposições em espaços públicos e não convencionais.
O Escritório de Fotografias desenvolve um trabalho minucioso com cada artista, apresentando várias opções de preço e tamanho, tornando mais acessível a compra de fotografia. Vamos manter a qualidade e apresentar soluções para todos os perfis!, observa o curador.

Trajetória de Luiz Porchat:
Curador e colecionador de arte dos mais importantes do país, Luiz Porchat passou, a partir do ano 2000, a desenvolver sua coleção particular com ênfase no suporte da fotografia. Iniciando seu envolvimento com o mundo fotográfico autoral através dos grupos de estudo do fotógrafo Claudio Feijó (Descondicionamento do Olhar). De 2005 a 2008, realizou exposições nacionais e internacionais ao lado de Cliff Li, da Leica Gallery, São Paulo.

Cidade: Rio de Janeiro
Endereço: Galeria do Ateliê | Av. Pasteur, 453
Inicio: 09/07/2010
Fim: 14/08/2010
Horário: Segunda a sexta, das 10h às 21h; Sábados, das 10h às 18h
Telefone: (21) 2541-3314
Site www.ateliedaimagem.com.br/galeria

Veja Rio @ Exposições por Carlos Henrique Braz

2010-7-30T19:38:29Z

AS PALAVRAS QUE NOS FALTARAM.

Coletiva com trabalhos de doze artistas visuais integrantes da galeria virtual Escritório de Fotografias. Criado pelo curador e colecionador Luiz Porchat, em São Paulo, o grupo reúne profissionais cuja produção tem ênfase no suporte da fotografia. Fazem parte desta seleção nomes como Ana Lucia Mariz, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa e Renan Cepeda. Galeria do Ateliê da Imagem.
Avenida Pasteur, 453, Urca, 2541-3314. Segunda a sexta, 10h às 21h; sábado, 10h às 18h. Grátis. Até 14 de agosto. A partir de sábado (10). www.ateliedaimagem.com.br

Fotos Abertura - "As Palavras que nos Faltaram" - Ateliê da Imagem e ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS

2010-7-30T19:38:16Z

Exposição Fotográfica - "As Palavras que nos Faltaram" ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS e Ateliê da Imagem Espaço Cultural
Exposição de lançamento do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS no Ateliê da Imagem Espaço Cultural
De 09 de Julho a 14 de Agosto de 2010.
Avenida Pasteur, 453, Urca Rio de Janeiro RJ
Visitação de segunda a sexta, das 10 às 21 horas.
Sábados das 10 as 17 horas.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Fernando Aznar

2010-7-30T19:37:48Z

ESCRITORIO DE FOTOGRAFIAS NO RIO DE JANEIRO

Esta é a segunda exposição que o ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS LUIZ PORCHAT promove. A primeira aconteceu em junho na GALERIA EDUARDO FERNANDES, em São Paulo. O título já anunciava bem o objetivo do ESCRITÓRIO: NUMA VIDA FEITA DE PONTOS DE VISTA, OLHARES DIVERSOS DIZEM MAIS QUE UM SÓ OLHAR. Era também uma coletiva que apresentava a São Paulo a diversidade com que vem trabalhando Porchat desde que iniciou sua coleção particular por volta do ano 2000.

O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS LUIZ PORCHAT é uma galeria vitual que conta também com um espaço físico para receber e exibir as obras ao vivo, aliando virtual e presencial. Vamos manter o primordial nas relações humanas: o contato direto com o público. Queremos dialogar com as pessoas através de nosso site, como vitrine tanto do trabalho de nossos artistas, como em eventos do mundo da arte, através de exposições em espaços públicos e não convencionais, afirma Porchat. Seu objetivo principal é representar fotógrafos consagrados ou novos talentos e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. Por isso estará sempre acompanhando as tendências, apoiando o processo criativo dos profissionais, divulgando a arte da fotografia através de discussões, debates e exposições, sempre aliando as técnicas tradicionais às novas tecnologias.

Luiz Porchat representa os fotógrafos Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda. Todos estão com trabalhos na exposição do Ateliê da Imagem. Porchat acompanha o processo de cada artista, desenvolvendo trabalho minucioso com cada um para chegar inclusive a várias opções de preço e tamanho, tornando mais acessível a compra de fotografia e estimulando o colecionismo entre novos clientes. O trabalho virtual é uma tendência mundial, mas não temos a função específica de gerar negócios, esta é apenas uma vertente do projeto. Temos a ambição de posicionar a fotografia brasileira no cenário mundial de discussão e fomentação da arte fotográfica! Fotografia é arte, um suporte artístico muito rico e em crescente valorização, graças ao envolvimento profissional de toda a cadeia, desde os galeristas, marchands e produtores aos próprios artistas. Com os equipamentos digitais, o volume de produção tem aumentado e contribuído para esse movimento e o ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS surge justamente para ser mais um mediador desta realidade entre os artistas, o publico, os espaços e os novos colecionadores, destaca.

SERVIÇO
Em cartaz
AS PALAVRAS QUE NOS FALTAM
COLETIVA DO ESCRITORIO DE FOTOGRAFIAS LUIZ PORCHAT-
Local: ATELIÊ DA IMAGEM Rio de Janeiro-RJ
Av. Pasteur 453 Urca
Telefone 021 - 2541-3314
De segunda à sexta, das 10h às 21h; sáb de 10h às 18h. Grátis.
Até 14 de agosto de 2010.
Visite:
www.escritoriodefotografias.com

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ entresseio.blogspot.com por Silvio A. Neves

2010-7-30T19:37:34Z

RIO DE JANEIRO-RJ - AS PALAVRAS QUE NOS FALTARAM.
Coletiva com trabalhos de doze artistas visuais integrantes da galeria virtual ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS. Criado pelo curador e colecionador Luiz Porchat, em São Paulo, o grupo reúne profissionais cuja produção tem ênfase no suporte da fotografia. Fazem parte desta seleção nomes como Ana Lucia Mariz, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa e Renan Cepeda. Galeria do Ateliê da Imagem. Avenida Pasteur, 453, Urca, 2541-3314. Segunda a sexta, 10h às 21h; sábado, 10h às 18h. Grátis. Até 14 de agosto. A partir de sábado (10). www.ateliedaimagem.com.br. Veja Rio

Rio&Cultura @ As Palavras que nos Faltaram

2010-7-30T19:37:18Z

O Ateliê da Imagem Espaço Cultural lança o Escritório de Fotografias Luiz Porchat com a coletiva :As Palavras que nos Faltaram

O Escritório de Fotografias é uma galeria virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat, recentemente lançada em São Paulo e agora chega ao Rio com uma coletiva com trabalhos significativos de 12 artistas visuais brasileiros que fazem parte do Escritório. Fazem parte desta seleção: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.
O objetivo do Escritório de Fotografias é representar fotógrafos - consagrados ou novos talentos -, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. Além de acompanhar tendências, apoiar a criação e formalizar novos caminhos e discursos, o Escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.
Vamos manter o primordial nas relações humanas: o contato direto com o público, afirma Porchat.
Queremos dialogar com as pessoas através de nosso site, como vitrine tanto do trabalho de nossos artistas, como em eventos do mundo da arte, através de exposições em espaços públicos e não convencionais.
O Escritório de Fotografias desenvolve um trabalho minucioso com cada artista, apresentando várias opções de preço e tamanho, tornando mais acessível a compra de fotografia. Vamos manter a qualidade e apresentar soluções para todos os perfis!, observa o curador.

Trajetória de Luiz Porchat
Curador e colecionador de arte dos mais importantes do país, Luiz Porchat passou, a partir do ano 2000, a desenvolver sua coleção particular com ênfase no suporte da fotografia. Iniciando seu envolvimento com o mundo fotográfico autoral através dos grupos de estudo do fotógrafo Claudio Feijó (Descondicionamento do Olhar). De 2005 a 2008, realizou exposições nacionais e internacionais ao lado de Cliff Li, da Leica Gallery, São Paulo.

Mapa das Artes @ ATELIÊ DA IMAGEM ESPAÇO CULTURAL

2010-7-30T19:37:05Z

Ateliê da Imagem Espaço Cultural

O espaço lança o Escritório de Fotografias - Luiz Porchat e apresenta a exposição coletiva As Palavras Que Nos Faltaram com imagens dos 12 artistas visuais brasileiros que passa a integrar esta nova empreitada: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda.

O objetivo do Escritório de Fotografias - Luiz Porchat é representar e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo (de 09/07/10, às 19h, a 14/08/10).
O espaço na Urca é coordenado por Patricia Gouvêa, um de suas fundadoras, e desde abril de 2010 também pela pesquisadora e curadora de fotografia Claudia Buzzetti. O Ateliê comemorou 10 anos em agosto de 2009 e hoje é referência no Brasil no ensino, pensamento e fomento da fotografia e sua interação com o vídeo, o cinema e as mídias digitais. O espaço promove desde 1999 o Projeto Sexta-Livre, evento quinzenal e gratuito e desde 2005 apresenta exposições individuais e coletivas na Galeria do Ateliê, dentre outras atividades culturais.

Urca: av. Pasteur, 453, tels. (21) 2541-3314. Seg. a sex., 10h/21h; sáb., 10h/17h. www.ateliedaimagem.com.br

paratyemfoco.com @ As Palavras que nos Faltaram

2010-7-30T19:36:45Z

As Palavras Que Nos Faltaram

O *projeto Sexta-Livre do Ateliê da Imagem, no Rio de Janeiro, traz para o espaço cultural esta semana a exposição coletiva As Palavras Que Nos Faltaram. A abertura da mostra, organizada pelo Escritório de Fotografias de Luiz Porchat, será realizada às 19h desta sexta-feira (9), na Galeria do Ateliê (Av. Pasteur, 453 Urca).

Composta pelos trabalhos de 12 artistas visuais brasileiros, a mostra permanece em cartaz até o dia 14 de agosto, com visitação aberta durante todos os dias da semana, exceto aos domingos. Os artistas expositores Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda fazem parte do Escritório de Fotografias, uma galeria virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat e lançada recentemente em São Paulo.

Visando representar tanto fotógrafos consagrados quanto novos talentos, promover a arte fotográfica, estimular discussões e o colecionismo, o Escritório busca o diálogo com o público tanto virtualmente, por meio de seu site, quanto através de exposições em espaços públicos e não convencionais. Para acompanhar as tendências e formalizar novos caminhos e discursos, a galeria virtual pretende aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.

*O projeto Sexta-Livre é um evento aberto ao público, que tem o intuito de promover palestras, debates, projeções fotográficas e atividades diversas, relacionadas à fotografia, vídeo, cinema e outras linguagens.

Fotoclube @ As Palavras que nos Faltaram

2010-7-30T19:36:32Z

Terra @ As Palavras que nos Faltaram

2010-7-30T19:36:18Z

As Palavras Que Nos Faltaram - Fotografia

De 09/07 a 14/08 - Seg, Ter, Qua, Qui, Sex e Sab Horário: seg a sex, das 10h às 21h, sab, das 10h às 18h Gratuito
Ateliê da Imagem Espaço Cultural
Avenida Pasteur - 453 Urca Fone: 2541-3314

A exposição consiste numa galeria virtual criada
pelo colecionador Luiz Porchat, que traz uma coletiva com trabalhos de 12 artistas visuais brasileiros. Entre eles, Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont e Jaques Faing.

O objetivo da mostra é representar fotógrafos, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e a arte do colecionismo.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Jornal do Brasil, por Bernardo Costa

2010-7-30T19:36:01Z

Arte ao alcance de um clique
Bernardo Costa
Espaço pioneiro de discussão e representação da fotografia como expressão artística, o Ateliê da Imagem, na Urca, abre suas portas hoje para a exposição coletiva As palavras que nos faltaram. Composta por 12 artistas, a mostra marca o lançamento da galeria digital Escritório de Fotografias ( w w w. e s c r i t o r i o d e fo t ografias.com), um projeto do colecionador Luiz Porchat, que desde o ano 2000 vem se dedicando profissionalmente à divulgação da fotografia artística e à ampliação desse mercado.

A galeria virtual surge numa tendência mundial de atuação em todas as frentes possíveis de difusão da arte, possibilitando uma maior quantidade de eventos, estimulando, inclusive, o surgimento de novos colecionadores destaca Luiz Porchat. Não temos o papel específico de gerar negócios, essa é apenas uma vertente do projeto, que tem a ambição de posicionar a fotografia brasileira no cenário mundial de discussão e fomentação da arte fotog ráfica.

Para Porchat, o nascimento da galeria coincide com o momento ímpar por que passa a fotografia no cenário artístico mundial Há pouco tempo havia o questionamento se fotografia era arte ou não. Claro que é arte. É apenas mais um suporte para a expressão artística de cada um, e que está em crescente valorização observa Porchat.

Credito esse bom momento ao envolvimento profissional de toda a cadeia, desde os galeristas, marchands e produtores aos próprios artistas. Com os equipamentos digitais, o volume de produção tem aumentado e contribuído para esse movimento Outro aspecto apontado pela curadora da exposição, Claudia Buzzetti, é a criação da Rede de Produtores Culturais da Fotografia no Brasil, formalizada no fim de maio, em Brasília.

Esse interesse de fomento aliado a linguagens novas de jovens artistas, que tem surgido no Brasil, com um trabalho de muita qualidade, realmente tem representado algo significativo no campo da fotografia artística atesta a curadora. Os dois lados se complementam: quem faz e quem fomenta e divulga.

A exposição conta com trabalhos de Ilana Bessler, Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda, todos representados pelo Escritório de Fotografias. A paulista Ilana participa da mostra com a mesma foto que expôs em janeiro na Bienal de Roma.

Na galeria virtual estou representada com 25 imagens, sendo cinco de cada série. A que está exposta no Ateliê pertence à série Foto float, com fotografias feitas em baixo dágua detalha Ilana. Tenho um processo criativo ligado aos meus sonhos, e estas fotos surgiram quando estava sonhando recorrentemente com imagens submersas.

Como me formei em balé clássico, acho que a série também investiga a movimentação dos corpos na água.

Colecionador diz que a fotografia vive seu melhor momento no mercado de arte

Sexta-feira, 9 de Julho de 2010

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Catraca Livre

2010-7-30T19:35:49Z

As Palavras Que Nos Faltaram

O Ateliê da Imagem Espaço Cultural lançou, no Rio de Janeiro, o ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS , do fotógrafo e colecionador Luiz Porchat, e recebe a mostra com trabalhos de 12 artistas visuais brasileiros como Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.

Além do espaço fisico, as galerias estão disponiveis em um espaço virtual, enquanto o projeto excursiona por algumas capitais. No Rio, a mostra fica até o dia 14 de agosto.

O objetivo do Escritório de Fotografias é representar fotógrafos consagrados ou novos talentos -, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e a prática de coleção de fotos.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Guia da Semana Rio de Janeiro

2010-7-30T19:35:26Z

As Palavras Que Nos Faltaram

Exposição mostra trabalho coletivo de 12 artistas visuais brasileiros.

O Ateliê da Imagem Espaço Cultural, em parceria com o ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS, de Luiz Porchat, fazem a exposição coletiva As Palavras Que Nos Faltaram, com obras de 12 artistas visuais brasileiros. A galeria é virtual e tem o objetivo de representar fotógrafos já consagrados e novos talentos, e promover a arte da captação da imagem, estimulando discussões e o colecionismo.

O Ateliê é localizado na Urca e recebe fotos dos seguintes artistas brasileiros: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.

Outro intuito da mostra é o de acompanhar e apresentar novas tendências, além de apoiar a criação e a relação das novas tecnologias com as mais tradicionais, para a promoção, a produção e a divulgação da fotografia no mundo.

"As Palavras que nos Faltaram" Ateliê da Imagem e ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS - por Claudia Buzzetti

2010-7-30T19:35:13Z

Diferentes estilos e múltiplas linguagens, mas com o sentido único de nos contar histórias particulares, silenciosas e imediatas por natureza. Uma coleção eclética, mas que junta diversos artistas consagrados e novos talentos e as obras que melhor os representam de uma forma coerente, com um sutil fil rouge imagético e estético.
Estas imagens são, parafraseando o poeta Manoel de Barros, as palavras que faltaram aos fotógrafos reunidos pelo colecionador Luiz Porchat na primeira exposição coletiva no Rio de Janeiro do seu neonato Escritório de Fotografias.
O nome escolhido para esta atividade ligada à fotografia tem uma etimologia interessante e coerente com o trabalho desenvolvido: o scriptorium era o lugar dos mosteiros onde monges copistas escreviam documentos. Por extensão, acabou designando, em português, o local de trabalho de alguém que se dedica a ofício de natureza não manual. ;;;;;;;Aliás, por falar em ofício, sua origem latina opus facere ;;;;;;; opifex ;;;;;;; opificium ;;;;;;; officium acabou gerando, também, o inglês office, isto é, o nosso escritório. Numa abordagem bem pragmática de anglo-saxões, o office também é visto como "local onde se fazem negócios". ;;;;;;;
O Escritório de Fotografias Luiz Porchat não foge às duas características acima. É um empreendimento, mas, antes de tudo, é um ofício ligado à fotografia com o propósito de interagir com os artistas da área e selecionar oportunidades. O Escritório irá igualmente acompanhar tendências, buscando apoiar e contribuir para a criação e formalização de novos caminhos. Esse amplo espectro de propósitos não pode prescindir do uso das tecnologias hoje disponíveis e a ideia de vitrine virtual pode ser pensada como a face visível desta atividade. ;;;;;;;
Os 12 fotógrafos artistas que fazem parte do Escritório e que nos falam aqui com as próprias imagens são Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda.

Claudia Buzzetti e L.A. Franco

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Overmundo

2010-7-30T19:34:52Z

As Palavras que nos Faltaram, Galeria do Ateliê.

RS Comunicação - Rio de Janeiro 19/07/2010

A Galeria do Ateliê expõe até dia 14 de agosto, AS PALAVRAS QUE NOS FALTARAM, exposição de lançamento no Rio do Escritório de Fotografias Luiz Porchat.

O Escritório de Fotografias é uma galeria virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat, recentemente lançada em São Paulo e agora chega ao Rio com uma coletiva com trabalhos significativos de 12 artistas visuais brasileiros que fazem parte do Escritório. Fazem parte desta seleção: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.

O objetivo do Escritório de Fotografias é representar fotógrafos - consagrados ou novos talentos -, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. Além de acompanhar tendências, apoiar a criação e formalizar novos caminhos e discursos, o Escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.

Vamos manter o primordial nas relações humanas: o contato direto com o público, afirma Porchat. Queremos dialogar com as pessoas através de nosso site, como vitrine tanto do trabalho de nossos artistas, como em eventos do mundo da arte, através de exposições em espaços públicos e não convencionais.

O Escritório de Fotografias desenvolve um trabalho minucioso com cada artista, apresentando várias opções de preço e tamanho, tornando mais acessível a compra de fotografia. Vamos manter a qualidade e apresentar soluções para todos os perfis!, observa o curador.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Tecnopop por Luis Marcelo Mendes

2010-7-30T19:34:36Z

As palavras que nos faltaram

O Ateliê da Imagem Espaço Cultural e o Escritório de Fotografias de Luiz Porchat abriram a coletiva As Palavras que nos faltaram, com obras 12 artistas visuais brasileiros que fazem parte do Escritório: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda.

O Escritório de Fotografias é uma galeria virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat, recentemente lançada em São Paulo e que agora chega ao Rio para representar fotógrafos (consagrados ou novos talentos) e estimular discussões e o colecionismo. Além de acompanhar tendências, apoiar a criação e formalizar novos caminhos e discursos, o Escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.

A exposição fica em cartaz até 14 de agosto. Galeria do Ateliê da Imagem. Avenida Pasteur, 453, Urca, 2541-3314. Segunda a sexta, 10h às 21h; sábado, 10h às 18h. Grátis.

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Portal Fator Brasil

2010-7-30T19:34:05Z

03/07/2010 - 07:49
As palavras que nos faltaram
O Ateliê da Imagem Espaço Cultural lança, no Rio de Janeiro, no dia 9 de julho, às 19h, o Escritório de Fotografias Luiz Porchat com a coletiva As palavras que nos faltaram. Galeria do Ateliê, Av. Pasteur 453, Urca, Rio de Janeiro, telefone (21) 2541-3314). A inauguração é aberta ao público.

O Escritório de Fotografias é uma galeria virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat, recentemente lançada em São Paulo e agora chega ao Rio com uma coletiva com trabalhos significativos de 12 artistas visuais brasileiros que fazem parte do Escritório. Fazem parte desta seleção: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.

O objetivo do Escritório de Fotografias é representar fotógrafos - consagrados ou novos talentos -, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. Além de acompanhar tendências, apoiar a criação e formalizar novos caminhos e discursos, o Escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.

Vamos manter o primordial nas relações humanas: o contato direto com o público, afirma Porchat. Queremos dialogar com as pessoas através de nosso site, como vitrine tanto do trabalho de nossos artistas, como em eventos do mundo da arte, através de exposições em espaços públicos e não convencionais.

O Escritório de Fotografias desenvolve um trabalho minucioso com cada artista, apresentando várias opções de preço e tamanho, tornando mais acessível a compra de fotografia. Vamos manter a qualidade e apresentar soluções para todos os perfis!, observa o curador.

Trajetória de Luiz Porchat - Curador e colecionador de arte dos mais importantes do país, Luiz Porchat passou, a partir do ano 2000, a desenvolver sua coleção particular com ênfase no suporte da fotografia. Iniciou, iniciando seu envolvimento com o mundo fotográfico autoral através dos grupos de estudo do fotógrafo Claudio Feijó (Descondicionamento do Olhar). De 2005 a 2008, realizou exposições nacionais e internacionais ao lado de Cliff Li, da Leica Gallery, São Paulo.

As palavras que nos faltaram- Coletiva dos fotógrafos do Escritório de Fotografias - Luiz Porchat: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvea, Paula Brandão, Penna Prearo e Renan Cepeda.

Ateliê da Imagem Espaço Cultural / Galeria do Ateliê, Av. Pasteur 453 Urca (2541-3314), de segunda a sexta feira, das 10h às 21h; sábado de 10h às 18h. Inauguração: dia 9 de julho, às 19h, aberta ao público, e segue até 14 de agosto de 2010 www.ateliedaimagem.com.br/galeria www.escritoriodefotografias.com

Ana Lucia Mariz no A Gosto da Fotografia - Salvador

2010-7-29T14:28:29Z

PROGRAMAÇÃO A GOSTO DA FOTOGRAFIA - 6ª Edição. 2010 . sujeita a alterações

Núcleo de Exposições

29 de julho [quinta-feira] 19h às 22h Olha aí o Pelô e Caymmi na Lata Jovens Alunos da Oi Kabum Oi Kabum

30 de julho [sexta-feira] 19h às 22h O Caleidoscópio e a Câmera Boris Kossoy Museu de Arte da Bahia

02 de agosto [segunda-feira] 19h às 22h Thomaz Farkas Museu de Arte Moderna da Bahia

03 de agosto [terça-feira] 19h às 22h Ricardo Teles Galeria Solar Ferrão

04 de agosto [quarta-feira] 19h às 22h Alma Secreta Ana Lúcia Mariz Galeria do Museu da Misericórdia

04 de agosto [quarta-feira] 19h às 22h Homenagem à Mario Cravo Neto por Sabrina Pestana Galeria do Museu da Misericórdia

05 de agosto [quinta-feira] 15h Mostra Coletiva A Gosto da Fotografia Boris Kossoy, Thomaz Farkas, Ricardo Teles, Ana Lúcia Mariz, Mario Cravo Neto Programa Soterópolis TVE Bahia

Núcleo Reflexivo . entrada gratuita limitada a capacidade do espaço

29 de julho [quinta-feira]19h Um retrato em preto e Branco Diógenes Moura, curador do A Gosto da Fotografia . Oi Kabum. Salvador

05 de agosto [quinta-feira] 18h30 às 20h30A Vida e a obra do fotógrafo Thomaz Farkas por Rosely Nakagawa Museu de Arte Moderna da Bahia

06 de agosto [sexta-feira] 18h30 às 20h30 A filosofia da imagem moderna por Luiz Filipe Pondé Museu de Arte Moderna da Bahia

07 de agosto [sábado] A fotografia como memória por Rubens Fernandes Junior Museu de Arte Moderna da Bahia

Oficina de fotografia artesanal

09 a 13 de agosto [segunda a sexta-feira] Oficina do projeto Câmera Lata GIRO. Grupo de Design Popular Casa Museu Solar Santo Antônio

Lançamentos de Livros

30 de julho [sexta-feira]19h Às 22h Acervo da Galeria do Livro Boris Kossoy Galeria do Museu de Arte da Bahia

02 de agosto [segunda-feira]19h às 22h Acervo da Galeria do Livro Thomaz Farkas Museu de Arte Moderna da Bahia

04 de agosto [quarta-feira]19h às 22h Acervo da Galeria do Livro Ana Lúcia Mariz Galeria do Museu da Misericórdia

Fonte: agostofestival.wordpress.com/programacao/programacao-geral/

Ateliê Fidalga no Paço das Artes - SP

2010-7-21T19:51:19Z

Ateliê Fidalga no Paço das Artes - SP -
Contando também com trabalho exposto da Artista ANA LUCIA MARIZ .

Exposição de 13 de Julho a 29 de Agosto de 2.010.

De Terça a Sexta Feira, das 11:30 as 19 horas.
Sábados, Domingos e Feriados, das 11:30 as 17:30 horas.

Paço Das Artes - SP -
Avenida da Universidade, N. 01 - Cidade Universitária - São Paulo - SP.
(11) 3814-4832.
www.pacodasartes.org.br

O Rosto da Paisagem

2010-7-20T19:51:51Z

Fotografia de Jordi Burch / Portugal
Texto de Ondjaki / Angola

Por Ocasião da Visita de Estado a Angola,
Sua Excelência o Presidente da República Portuguesa, Professor Doutor Aníbal Cavaco Silva

A Embaixada de Portugal em Luanda tem o prazer de convidar Vsa.Exa. para a inauguração da exposição
O Rosto da Paisagem
uma estrada, dois olhares

Instituo Camões - Centro Cultural Português -
Luanda, Angola.

Matisse: Radical Invention, 19131917

2010-7-18T13:10:40Z

In the time between Henri Matisse's (18691954) return from Morocco in 1913 and his departure for Nice in 1917, the artist produced some of the most demanding, experimental, and enigmatic works of his careerpaintings that are abstracted and rigorously purged of descriptive detail, geometric and sharply composed, and dominated by shades of black and gray. Works from this period have typically been treated as unrelated to one another, as an aberration within the artist's development, or as a response to Cubism or World War I. Matisse: Radical Invention, 19131917 moves beyond the surface of these paintings to examine their physical production and the essential context of Matisse's studio practice. Through this shift of focus, the exhibition reveals deep connections among these works and demonstrates their critical role in the artist's development at this time. Matisse himself acknowledged near the end of his life the significance of this period when he identified two worksBathers by a River (190910, 1913, 191617) and The Moroccans (191516)as among his most "pivotal." The importance of this moment resides not only in the formal qualities of the paintings but also in the physical nature of the pictures, each bearing the history of its manufacture. The exhibition includes approximately 120 paintings, sculptures, drawings, and prints, primarily from the years of 191317, in the first sustained examination devoted to the work of this important period. The exhibition will be on view at The Art Institute of Chicago from March 20 through June 20, 2010.
If you plan to see the exhibition Matisse: Radical Invention, 19131917 (July 18October 11, 2010), please be aware that gallery occupancy is limited. Timed tickets are required and guarantee entrance to the exhibition at the time designated on the ticket, and carry no extra charge. This ticket also permits you access to all other Museum galleries, exhibitions, and films. A limited number of timed-entry tickets will be available each day at the Museum on a first-come, first-served basis. Or, become a MoMA member, and you and your guests can enjoy immediate entry to Matisse: Radical Invention, 19131917 anytime, plus a full year of exhibitions, films, educational programs, and more. Corporate Membership does not guarantee timed entry to the exhibition. Check for details regarding Corporate Member access.
The exhibition is organized by John Elderfield, Chief Curator Emeritus of Painting and Sculpture, The Museum of Modern Art, and Stephanie DAlessandro, Gary C. and Frances Comer Curator of Modern Art, The Art Institute of Chicago.

The exhibition is co-organized by The Museum of Modern Art, New York and The Art Institute of Chicago.

Portugal Arte 10: First Edition

2010-7-16T12:34:07Z

Portugal Arte 10: First Edition

Over 100 International Contemporary Artists to exhibit Public Art Works throughout Lisbon, Grandola, Portimão, and Vila Real de Santo Antonio

International Team of Curators to Present Additional Thematic Exhibitions in Institutions and Historic Buildings of Portugal

VIP Opening weekend July 16-18, 2010

Portugal Arte 10, a new month-long biannual art exhibition, announces its inaugural edition to debut July 16, 2010 in Lisbon and the surrounding region. Conceived by Artistic Director Stefan Simchowitz and President Miguel Carvalho, Portugal Arte 10 distinguishes itself from other international art events by creating a sense of public engagement with the greater art-world. Portugal Arte 10 will feature a large and ambitious program of specially commissioned public sculpture projects and site-specific installations, alongside 8 curated group exhibitions, each addressing themes relevant to contemporary life. It will be spread across Lisbon and its surrounding regions, including city squares, walkways, beach territories, and historic interior spaces.

Artists were selected through an open, international, and decentralized curatorial model engaging multiple curators, writers, artists, designers and architects, including Stefan Simchowitz, Fred Hoffmann, Paul Young, Lauri Firstenberg, Sharon Johnston and Mark Lee, Johannes Van Der Beek, Dan Nadel, Cesar Garcia, Juan Delgado Calzadilla, Elvia Rosa Castro, Nelson Herrera Ysla and Garth Weiser.

The exhibition reflects this new curatorial model, as works will be presented in a manner that evokes discourse and the participation of a community. The art will engage or confront its immediate urban context by using ideas of subject, form, scale, monumentality, or experiential space. It will bring about new social and geographical understandings of the urban environment that challenge its conventions and familiarity.

PUBLIC ART PROJECTS

The cornerstone of Portugal Arte 10 is a series of public art projects that will be installed throughout downtown Lisbon. Three distinct areas, Chiado, Baixa, and Avenida Liberdade, will host these works. Each area is unique in its layout, geography, and topography. Los Angeles-based architects Sharon Johnston and Mark Lee of JohnstonMarkLee architectural firm were instrumental in examining these areas defining characteristics and placing the works of art in ways which either reinforce the urban condition, or challenges it by creating a new way of experiencing a neighborhood. Chris Burden, Faile, Yoan Capote, Sterling Ruby, Robert Melee, Ivan Capote, Ben Jones, Mustafa Hulusi, Joe Grillo, Duvier Del Dago Fernandez, Miguel Palma, Nathan Mabry, Justin Lieberman, Olaf Breuning, Marnie Weber, Jim Drain and are among the more than one hundred artists presenting work at PortugalArte. (The full list of artist can be found: www.portugalarte.org).

ADDITIONAL EXHIBITION VENUES

Portugal Pavilion

The Portugal Pavilion is a striking building designed by Portugal's Pritzker Award-winning architect Alvaro Siza Vieira. Its remarkable sagging concrete roof weighing 1,400 tons and measuring 167 by 223 ft is an instant attention-grabber, undulating like the sail of a ship, keeping the maritime theme of most of the district's architecture. The pavilion consists of two exhibition areas, one housing main exhibitions, the second providing a large outdoor space for national displays. The most iconic feature of the pavilion however, is a thin, curved concrete sail that creates a canopy over the ceremonial plaza. As Lisbon is an area of high sismic activity, the canopy and the building are completely separate, each with its own structural support system. At the time of construction, the National Pavilion was Lisbon's largest urban regeneration project since rebuilding the city in the aftermath of an earthquake and tidal wave of 1775.

LX Factory

An urban relic virtually deserted for years, has been renovated and repurposed within the city as a new venue called LX Factory. A creative collective occupied by corporations and professionals, LX Factory has hosted a diverse set of happenings related to fashion, fine arts, architecture, and music, attracting numerous visitors to rediscover Alcântara through an engaged program of events. LX Factory was originally built in 1846 as a fabric warehouse for "Companhia de Fiação e Tecidos Lisbonense", one of the most important manufacturing factories in Lisbon's history.

CURATED GROUP EXHIBITIONS

In addition to contributing to the selection of artists to present work in the public component of Portugal Arte 10, the curatorial committee will be presenting a series of group exhibitions throughout Lisbon and the surrounding areas.

Personal Freedom
curated by Johannes Van Der Beek

Serendipity co-curated by Juan Delgado Calzadilla,
Elvia Rosa Castro, and Nelson Herrera Ysla

Faile: Temple

Billboard Project
curated by Lauri Firstenberg and Cesar Garcia, LA>

Fonte: art-agenda lewsletter

Curso: Criação e Gerenciamento de Projetos Culturais Acessíveis

2010-7-16T09:29:43Z

Como formar público de pessoas com deficiência para usufruírem das atividades culturais?

O Curso Criação e Gerenciamento de Projetos Culturais Acessíveis à Pessoas com Deficiência, tem como objetivo capacitar profissionais e estudantes a desenvolverem projetos de inclusão e acessibilidade cultural em espaços culturais, museus, centros de divulgação cultural e científica, organizações sociais, escolas, universidades, agências e turismo e empresas.

O curso foca na criação e gestão de projetos e apresenta metodologias para a inclusão de pessoas com deficiência na elaboração, execução e avaliação das propostas.

Público Alvo: museus e espaços culturais, escolas públicas e particulares, estudantes de graduação e pós-graduação em áreas de cultura e educação, organizações sociais e agências de turismo.

Material: palestras, vivências, visitas técnicas, apostila em CD-ROM
e Certificado de participação.

Data: 26 a 30 de julho de 2010 das 9h às 16h.

Carga Horária: 30 horas

Investimento: R$ 250,00 por participante
Estudantes e professores R$ 200,00

Local: Auditório da Fundação Dorina Nowill para Cegos
Rua Dr. Diogo de Faria, 558 Vila Clementino São Paulo SP
(Metrô Santa Cruz)

Inscrição: clique aqui

Coordenação: Viviane Panelli Sarraf, Consultora de acessibilidade cultural da Fundação Dorina Nowill para Cegos, Diretora-Fundadora da Museus Acessíveis Serviços Museológicos e Culturais, especialista em Museologia e Mestre em Ciência da Informação pela Universidade de São Paulo, Doutoranda em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP com trabalhos acadêmicos na área de acessibilidade em museus. Criadora da RINAM Rede de Informação de Acessibilidade em Museus www.rinam.com.br. Já obteve premiações na área cultural e de empreendedorismo, tem artigos publicados em periódicos científicos e mídia e publicou em 2010 o livro Museum Rehabilitation: Cultural Inclusion Policies through Accessibility, pela editora alemã VDM Verlag.

Contato: viviane.sarraf@fundacaodorina.org.br

Realização: Museus Acessíveis e Fundação Dorina Nowill para Cegos

Independent Curators International (ICI)

2010-7-10T11:39:26Z

Building on its history as a hub for curatorial ideas, ICI is supporting curators to develop exhibition proposals and create new professional networks.

This October in New York ICI is organizing The Curatorial Intensive for emerging curators internationally who want to learn about curating in the public realm. From an open competition, 10-14 individuals will be selected to study with some of todays leading practitioners working within the rapidly growing field known as public practice.

Teachers and advisors for this program include Nicholas Baume (Director and Chief Curator, Public Art Fund); Claire Bishop (Associate Professor, Ph.D. Program in Art History, CUNY); Dan Cameron (Founding Director, Prospect New Orleans); Kate Fowle (Executive Director, ICI); Mary Jane Jacob (Professor and Executive Director of Exhibitions, SAIC); Richard Marshall (Curator, Lever House); and Nato Thompson (Chief Curator, Creative Time).

Participating in a rigorous schedule of workshops, discussions, critiques, and individual advisement sessions, as well as visits to local institutions and conversations with artists, participants will be trained to develop their ideas into full proposals. Topics discussed will include logistical issues such as commissioning, producing, and installing projects in public space, as well as concepts ranging from site-specificity to social and political engagement.

After the New York phase of the project is complete, ICI will continue working with participants long-distance to finalize their proposals for publication on ICIs website, so broad publics, as well as the hundreds of institutions with which ICI works, can view the final proposals.

Application Guidelines: Applications must include a 300-word description of a contemporary art project in the public realm that the applicant would like help in developing. Submissions should include a preliminary concept or key idea, and name(s) of artist(s) the applicant is considering. Also required is a current resume, plus a short statement of intent that outlines why the applicant wants to participate in this program, as well as an example of a recent exhibition that has made an impact on the applicant.

Application Deadline: August 13, 2010

Fees and Scholarships: The Curatorial Intensive program fee is $1,500. Participants are responsible for covering travel and accommodation expenses. In its commitment to make The Curatorial Intensive accessible to individuals from diverse economic backgrounds, ICI offers generous scholarship packages, subsidizing or eliminating program fees and travel expenses of four participants.

Program Dates: October 25-November 1, 2010

For More Information / To Send Application Materials
Independent Curators International (ICI)
799 Broadway, Suite 205
New York, NY 10003
T: 212-254-8200
F: 212-254-8200
education@ici-exhibitions.org

About The Curatorial Intensive

The Curatorial Intensive is ICIs short-term, low-cost training program that offers talented emerging curators the chance to develop their exhibition ideas and make connections to professionals in the field. It provides the opportunity for peer-group education, forging new networks between aspiring curators internationally. The Curatorial Intensive takes place twice annually in New York, and in other locations in conjunction with institutional partners worldwide.

The Curatorial Intensive is made possible, in part, by grants from the Robert Sterling Clark Foundation, the Dedalus Foundation, and the Milton and Sally Avery Arts Foundation; and by generous contributions from Toby Devan Lewis, the ICI Board of Trustees, ICI Benefactors Barbara and John Robinson, and ICI Partners and Patrons.

Visit ICIs website for further details.

About Independent Curators International (ICI)

ICI produces exhibitions, events, publications, and training opportunities for diverse audiences. In 35 years, ICI has organized 116 traveling exhibitions, profiling the work of more than 3,700 artists. The resulting networks include 590 museums, university art galleries, and art centers in 48 states and 25 countries. Working across disciplines and historical precedents, the organization is a hub that provides access to the people, ideas, and practices that are key to current developments in the field, inspiring fresh ways of seeing and contextualizing contemporary art.

www.ici-exhibitions.org
www.twitter.com/curatorsintl
www.facebook.com/curatorsintl

AS PALAVRAS QUE NOS FALTARAM

2010-7-09T10:00:59Z

O ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS é uma Galeria Virtual criada pelo colecionador Luiz Porchat, recentemente lançada em São Paulo e que agora chega ao Rio. O objetivo do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS é representar fotógrafos - consagrados ou novos talentos -, e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. Além de acompanhar tendências, apoiar a criação e formalizar novos caminhos e discursos, o Escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia.

www.escritoriodefotografias.com

Horário de início: sexta, 9 de julho de 2010 às 19:00
Horário de término: sábado, 14 de agosto de 2010 às 17:30
Localização: Galeria do Ateliê
Rua: Av. Pasteur 453 Urca
Cidade: Rio de Janeiro, Brazil

Andy Warhol @ Hay Hill Gallery London

2010-7-08T08:27:58Z

Fifty important works by Andy Warhol go on show at the Hay Hill Gallery this summer. The exhibition offers a rare and fascinating insight into Warhols creative mind and working processes, with an unprecedented number of works juxtaposed with their preparatory drawings.

Highlights include a unique collection of Andy Warhols Indians (Native Americans) (1986), exhibited alongside the working drawings. These seventeen works of art form an important part of Warhols oeuvre. They provide a rounded study of Warhols graphic process in the 1980s and a fitting manifestation of his later obsession with American culture, particularly the stories, myths and legends of the American West. Based on publicity and archival photographs as well as postcards, Warhol romanticises stereotyped and exploited images of American Indians including Mother and Child, Indian Head Nickel, Plain Indian Shield, Kachina Dolls, Sitting Bull, Geronimo and Northwest Coast Mask.

There will also be a range of highly collectable works including The Scream (after Edvard Munch) (1984), part of an entire series of works based on the paintings of the Norwegian artist and Shadows (1978), from Warhols monumental Shadow series. In the 1970s Warhol embarked on a remarkable and ambitious project, creating 102 paintings based on eight photographs of shadows that he had taken in his studio. The result is a compelling and almost hypnotic series, drifting into the abstract.

Additionally there will be iconic images such as the unique Marilyn Monroe (1962); Hammer & Sickle (1977) and Mobilgas (1985) as well as portraits of the collector Sidney Janis (1967) and dancer Merce Cunningham (1986).

"While screen-printing is one of Andy Warhols more familiar techniques, this exhibition separates the layers of Warhols final images to give a new and special perspective on their creation. When shown alongside the completed works, his detailed preparatory drawings reveal how hand-drawn outlines and painted brushstrokes provide a foundation for the printing process to create the final image," says the Hay Hill Gallery director.

Fonte: press release by www.hayhill.com

Between Here and There: Passages in Contemporary Photography

2010-7-02T14:07:56Z

Themes of dislocation and displacement in contemporary photography are explored in this exhibition of works from the collection. Perambulations and digressions in photographic works from the 1960s and 1970s by Vito Acconci, Ed Ruscha, Richard Long, and On Kawara, and a 1968 video by Bruce Nauman, show how a work of artcut loose from any specific medium or physical requirementscould take the form of a walk, a 20footlong book, or a rigorously nonsensical pattern of movements.

After two decades of artists focusing on serial images and lowtech experimentation, the highly produced, singular photograph began to regain prominence in the 1980s. Works by Rineke Dijkstra and Thomas Struth evince a faith in photography's traditional powers of description to reflect upon a newly postnational, global existence, while Darren Almond and Doug Aitken examine perceptual and psychological disconnections that accompany the same seismic transformations. The exhibition also includes works by Lothar Baumgarten, Matthew Buckingham, VALIE EXPORT, Felix GonzalezTorres, Svetlana Kopystiansky, Dennis Oppenheim, Fazal Sheikh, Erin Shirreff, Robert Smithson, Anne Turyn, Jeff Wall, and Weng Fen.

Fonte: www.metmuseum.org/special/se_event.asp?OccurrenceId={84199CC8-FD21-4F16-8391-3317E980C774}

Dasartes Junho.Julho 2010

2010-7-01T21:11:40Z

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS , de Luiz Porchat, inaugurou com exposição dos 12 artistas até agora representados na galeria Eduardo Fernandez, em São Paulo.

Contemporary Art from the Collection

2010-6-30T12:56:30Z

The works selected for this installation highlight the debates around economics, politics, gender, and ethnicity that have permeated artistic practices since the late 1960s. Including approximately 130 works drawn from all of the Museum's curatorial departments, the installation features a variety of approaches to art-making and follows a chronological path. The exhibition begins with works such as a haunting body print by David Hammons (1969), which depicts the artist in an act of prayer, and Pino Pascali's Machine Gun (1966), a sculpture he made out of parts from a Fiat 500 during a period of intense social unrest in Italy. Concluding the show are two projects that explore larger themes of humanity and loss through current events: Huma Bhabhas expansive print series Reconstructions (2007), in which the artist memorializes lost civilizations in her native Pakistan, and Paul Chan's Waiting for Godot (2007), a project based on the artist's restaging of Samuel Beckett's play in New Orleans after Hurricane Katrina.
The exhibition is organized by Kathy Halbreich, MoMA Associate Director, and Christophe Cherix, Curator, Department of Prints and Illustrated Books.

Fonte: www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1082

Entrevista Fausto Chermont na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-6-29T11:57:19Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 796, ao fim da página
http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Good News, Bad News - Olaf Breuning

2010-6-29T10:44:06Z

Olaf Breuning - Good News, Bad News
Scotiabank CONTACT Photography Festival

Olaf Breuning's Good News Bad News (2008) looks at how the unrelenting flow of press coverage, news and gossip has an impact on personal and collective identity. His multifaceted tableau vivant depicts a crowd of people whose bodies and faces are completely covered by newspaper, as if their identities are defined by the information they consume. The 50 people in the photograph lack individuality, but as a group form a powerful entity. Digital photography's ability to quickly convey information is helping to transform the world into a global village. Although Breuning's image was shot in Trento, with Italian newspapers, it could be anywhere; the work fits seamlessly into the mediascape of Toronto. Breuning's work suggests a new global personality is being created, but leaves it up to the viewer to decide if this is good or bad news.

Olaf Breuning (born in Schaffhausen, Switzerland, 1970) employs everyday objects to create artworks inspired by media, mass culture and the Internet. Breuning's work has been exhibited internationally, including solo exhibitions at Chisenhale Gallery, London (2005), migros museum für gegenwartskunst, Zürich (2007), and the Australian Centre for Photography, Sydney (2007). Breuning lives in New York, where he is represented by Metro Pictures.

Presented in partnership with The Power Plant Contemporary Art Gallery.

Olaf Breuning will also be participating in The Power Plant's summer exhibition, Adaptation, June 18-- September 12.

Fonte: www.photography-now.com

Tehran Museum of Contemporary Art Puts Little Seen Modern Art Masterpieces on View

2010-6-28T09:06:34Z

TEHRAN (REUTERS).- Artists like Monet, Picasso and Warhol were considered revolutionary in their day, but their works were not much appreciated by the leaders of Iran's Islamic revolution and many were kept out of view for decades.

Now, one of the greatest collections of contemporary Western art -- put together under a Western-leaning monarchy in pre-revolutionary Iran -- is open to the public, with some works on display for the first time in more than 30 years.

In the Islamic Republic, where the United States is considered the "great Satan" and its decadent music and movies are considered the products of a Godless society, the art exhibition is full of cultural contradictions.

The first paintings visitors to the Tehran Museum of Contemporary Art see are of Ayatollah Ruhollah Khomeini, the founder of the Islamic Republic, and his successor as supreme leader, Ayatollah Ali Khamenei -- portraits that are compulsory features of all public buildings.

Below their austere gaze, a winding staircase leads down to what looks like an empty black plinth, but on closer inspection proves to be a modern art installation -- an open vat of crude oil -- the substance that paid for Iran's priceless collection.

The galleries of the stark concrete museum -- built especially to house the collection during the latter years of Shah Mohammad Reza Pahlavi's reign -- are works by pretty much every major Western artist of the late 19th and 20th centuries.

"Without exaggerating, Tehran's contemporary art museum has one the most important treasuries of artistic works in the world," said Ehsan Aghaie, executive manager of the exhibition which runs throughout the summer.

Past the French impressionists, the Van Gogh lithographs and the self-portrait of Edvard Munch, sculptures by Pablo Picasso, Henry Moore and Alberto Giacometti litter the hallways.

Aghaie says the collection has been valued at more than $2.5 billion. Its most prized piece, "Mural on Indian Red Ground," a violent spatter of color painted by Jackson Pollack in 1950, fills half a wall.

The challenging works draw a crowd. "Iran is not separate from global community. (Modern art) is widely welcomed by people and when these works are exhibited the number of visitors rises dramatically," Aghaie says.

COCKTAIL
Women in chadors gaze at plain black canvasses with the same looks of incomprehension that similar "post-minimal" works inspire in visitors to galleries in the West.

A Picasso painting of the artist and his model is abstract enough not to risk offending prudish sensibilities.

A colorful meter-high bronze by Roy Lichtenstein looks like a giant glass filled with a fruity cocktail -- not a common sight in the Islamic Republic where alcohol is banned.

Next to it, one of the pop artist's cartoon-like paintings shows a fighter pilot picking off enemy planes.

The fantasy image is a world away from the grim eight-year Iran-Iraq war which followed the 1979 revolution and put such modern, Western art out of favor and into the storage vaults.

Portrayals of Iranian military might -- like the murals which still decorate Tehran's walls -- were the kind of art in vogue during the war with Saddam Hussein's Iraq, backed by many of the Western countries which had produced the art.

Aghaie is keen to dispel the idea that Iran ever banished its Western art treasures, even though they were kept out of the public eye for years.

"Perhaps during war time, countries try to keep the epic sprit of their nations high. Therefore, there is more appetite for that kind of art," Aghaie said. "But it does not mean that there was no appetite for these art works."

"Even in the West, after World War II, war elements were more evident in artists' works, and Iran is not an exception.

"But this kind of art has never been rejected and Iranian people and authorities always liked them, that is why they are safe and sound and now you can see them," he said.

The collection, which contains around 4,000 pieces, was always stored in good conditions, even when it was kept out of sight, Aghaie says.

Iran's authorities have no desire to suppress the collection, he says, but there is simply no room to display them all at once. In future the museum may mount theme-based exhibitions, rotating the collection through various schools of art.

Leaving the museum, visitors once again pass the oil installation which fills the atrium with a mild smell of petroleum that employees at the gallery no longer notice, back into the polluted real-world air of Tehran where Iran's biggest export is put to a more conventional use.

(Editing by Paul Casciato)

Fonte: www.artdaily.com

Outsider Films on India

2010-6-26T11:44:58Z

Remarkable collection of films by foreign filmmakers engaging with India as a subject. These negotiations range from hybrid meldings of documentary and fiction, sensually abstract accounts of memory, and perverse journeys filled with Orientalist imagery. However divergent and antithetical, these captivating and bewildering films all strive towards making sense of the worlds outside of ourselves.

Filmmakers include Marguerite Duras, Fritz Lang, Mark LaPore, the Otolith Group, Roberto Rossellini, Jack Smith, Alain Tanner & John Berger, and Leslie Thornton.

Find out more

arteBA'2010

2010-6-25T12:37:04Z

10ª FEIRA ARTEBA DE ARTE CONTEMPORÂNEA

Já com a maioridade cumprida e depois de ter atravessado com sucesso de vendas e recorde de visitantes a última edição da Feira, a Fundação arteBA renova seus esforços para que a 19ª Feira de Arte Contemporânea seja uma edição histórica.

Em 2010, a Argentina celebra o Bicentenário de seu primeiro governo pátrio junto com a Colômbia, o Chile, o México e a Venezuela. Neste contexto, arteBA 10 será uma edição memorável, já que a Feira terá uma presença especial da arte contemporânea regional, através de um maior número de galerias proveniente destes países latino-americanos e da Espanha.

Como há 18 anos, durante sete intensos dias, a Feira arteBA se transforma em um ponto de encontro entre galeristas, colecionistas, artistas e instituições culturais e em um foco de negócios para aqueles que oferecem e buscam arte de qualidade.
Ano após ano, a Feira é visitada por mais de 120.000 pessoas que têm a oportunidade de se aproximar de uma impecável seleção de arte contemporânea.

Na arteBA10 será apresentada a sétima edição do Prêmio arteBA-Petrobras de Artes Visuais, já instalado no circuito como um dos prêmios mais esperados. Desta vez, Rafael Cippolini será o seu diretor.

O crescimento permanente da Feira e o impulso ao mercado da arte são compromissos da arteBA. A Fundação arteBA persegue o objetivo de se associar estrategicamente no tempo com empresas líderes para que se juntem à missão de multiplicar o impacto da Feira como o acontecimento artístico latino-americano de maior dimensão e de mais longa trajetória. Assim, a Feira arteBA se potencia como uma tríade ineludível de atração turística, econômica e cultural na região.

Os programas de aquisição destinados a museus argentinos e do exterior e a coleções corporativas foram crescendo e adquirindo continuidade durante as sucessivas edições da Feira arteBA. Para esta nova edição da Feira, a Fundação arteBA vem trabalhando junto aos patrocinadores e empresas participantes para poder oferecer à imprensa e ao público visitante ações e espaços atraentes para se aproximar da arte contemporânea. E para oferecer às galerias de arte um extenso programa de aquisições de obras.

Continuaremos com o Programa Matching Funds arteBA-Zurich que, em sua sexta edição, permitirá que importantes museus do país incrementem suas coleções com obras adquiridas na Feira por meio de contribuições de Zurich e dos próprios museus.

Pelo segundo ano consecutivo, a Mercedes Benz aposta na arte latino-americana mediante a aquisição de obras, durante a Feira, para a coleção da empresa, uma das coleções corporativas mais importantes do mundo, que inclui artistas como Jeff Koons, Andy Warhol, Max Bill, Walter de María e Nam June Paik. La Rural também continuará com a iniciativa do ano passado de adquirir uma obra no contexto de Impulsarte, Programa de Estímulo às Artes Plásticas da companhia.

A Feira arteBA de Arte Contemporânea é o momento em que as galerias exibem suas melhores obras de arte latino-americana. Com o objetivo de manter alta a qualidade na oferta artística apresentada pela Feira, a seleção das galerias participantes estará sob a responsabilidade de um Comitê de Seleção presidido por Fernando Farina. Seus integrantes são Eva Grinstein, Sonia Becce, Jaime Cerón Silva (Colômbia), Adriano Pedrosa (Brasil) e um galerista representante das galerias locais.

O Bairro Jovem - Chandon continuará sendo o setor da Feira em que se apresentam espaços emergentes com artistas de curta trajetória no circuito. O Comitê de seleção do Bairro Jovem - Chandon será integrado por Ana María Battistozzi, Ana Martínez Quijano e Oscar Cruz (Brasil). São esperadas propostas renovadas, em linha com as últimas tendências do meio artístico regional.

O Programa Auditório que, nas últimas edições se consolidou como uma plataforma de debate e de olhares renovados sobre a cena cultural contemporânea, volta a ser um dos pontos relevantes da Feira. Nesta edição, a programação do Prime time será coordenada por Gabriela Rangel e. O programa prime time da arteBA´10 contará com apresentações de figuras fundamentais da cena artística, institucional e crítica latino-americana e internacional. Nos anos anteriores, a sala do auditório, diariamente lotada, obteve repercussão em toda a imprensa dada a qualidade das apresentações e o nível dos assistentes. A arteBA10 não será uma exceção.

FUNDAÇÃO
arteBA Fundación é uma ONG sem fins de lucroe a difusão da arte a que, desde seus inícios em 1991, tem trabalhado intensamente para apoiar a criação artística nas artes visuais, impulsionando o desenvolvimento rgentina local e internacionalmente.

arteBA Fundación tem por objectivo contribuir a consolidar o mercado de arte em Argentina, realizar ações que lhes permitem difundir e exibir a produção moderna e contemporânea, aproximar a criação dos artistas de um público maior, e colaborar com o debate em torno dos problemas da arte e da cultura.

A Feira de Arte Contemporânea, os concursos, as exposições e os encontros de debate organizados pela arteBA Fundación dão forma ao projeto desde 1991, promovendo o intercâmbio cultural e comercial dos centros artísticos internacionais, promovendo também a consolidação de um pólo cultural na Cidade de Buenos Aires.

veja mais informações na página oficial do evento

Cittadellarte Fondazione Pistoletto / Fondazione Zegna

2010-6-25T12:13:37Z

visible
"where art leaves its own field and becomes visible as part of something else"

A project by Cittadellarte Fondazione Pistoletto and Fondazione Zegna

Edited by Angelika Burtscher and Judith Wielander
Published by Sternberg Press, Berlin-New York

visible is a research project in contemporary art that has been undertaken by CittadellarteFondazione Pistoletto in collaboration with Fondazione Zegna. visibile reveals and invigorates artistic practices which have a real capacity for creating and experimenting with visions that can impact the social and cultural imagination of our contemporary world.

The first outcome of visible is a publishing project which has been developed in collaboration with nine curators to showcase 41 ways of making art. Ways that not only address topical contemporary issues, but also intervene directly to spark processes of change.

The visible editorial project focuses on artists who stand out for their capacity to deal proactively with the need to develop new economic models and to ensure the distribution of resources, the accessibility of information, the urgent need to rethink ecology and landscape issues, the potential of diversity, and the development and experimentation of participatory and democratic political models.

curators: Cecilia Canziani, Anna Colin, Hu Fang, Emiliano Gandolfi, Julieta González, Raimundas Malaauskas, Mihnea Mircan, Gabi Ngcobo and Elvira Dyangani Ose

artists: Alterazioni Video, Maria Thereza Alves, Aspra.mente, Patrick Bernier and Olive Martin, Anna Best, Francisco Camacho, CAMP, Santiago Cirugeda (Recetas Urbanas), Teddy Cruz, Neil Cummings and Marysia Lewandowska, Fadaiat, Cao Fei, Frente 3 de Fevereiro, Sou Fujimoto Architects, Goldin+Senneby, Gugulective, Zheng Guogu, Jeanne van Heeswijk, Paul Ramírez Jonas, Alon Levin, Goddy Leye, Jill Magid, Darius Mikys, Nástio Mosquito, Ciprian Muresan, Jesús Bubu Negrón, Offer and exchange, Progetto Diogene, Publink, Wanda Raimundi-Ortíz, Pedro Reyes, Anna Scalfi, Jonas Staal, Xu Tan, Javier Téllez, Tercerunquinto, Bert Theis, Ana Laura López de la Torre, Judi Werthein, Ming Wong, Mlu Zondi

essays by Michelangelo Pistoletto and Saskia Sassen

published by Sternberg Press, Berlin New York www.sternberg-press.com
25 june 2010, 5pm Book Launch and Round Table

Michelangelo Pistoletto in conversation with Cecilia Canziani, Anna Colin, Hu Fang, Emiliano Gandolfi, Mihnea Mircan, Gabi Ngcobo and Elvira Dyangani Ose

Moderated by Angelika Burtscher and Judith Wielander.

Cittadellarte Fondazione Pitoletto
W www.cittadellarte.it
T Judith Wielander +39 015 28400 +39 3460984196
E j.wielander@cittadellarte.it

Fondazione Zegna
Via Marconi, 23 - 13835 Trivero (Biella)
W www.fondazionezegna.org
T Federico Amato +39 02 89077394
E federico.amato@efficere.it

Fonte: e-flux newsletter

WIELS presents Wangechi Mutu: My Dirty Little Heaven

2010-6-24T14:11:58Z

Following Deutsche Guggenheim, Wiels is the second location where Wangechi Mutu's installation My Dirty Little Heaven is now on view. Wangechi Mutu is the first winner in Deutsche Bank's "Artist of the Year" program. With her substantial, absolutely distinctive work, Mutu (born Kenia 1972 lives and works in New York) is one of the most important contemporary artists. The exhibition is a thematic survey and is presented in the context of Wiels' mission to offer a platform to emerging artists. Furthermore, this exhibition will be on view during the Belgian Presidency of the EU and the commemoration of 50 Years of Independence of 17 African States.

Mutu's work challenges the viewer. It questions our conceptions of beauty, our image of the other, of what is foreign. In a recent interview Mutu said: "That very Christian-puritanical, nationally and historically schizophrenic, beautiful Kenya of my past proved to be the perfect carcass which to pick at and understand myself and the culturally fractured world around me." Mutu counters the idea that she is an "African" artist who draws on the culture of her home continent in her work with a multiperspectival cosmos which attests to the loss of a clear identity. This universe is populated by chimeras who seem to drift around like sea dwellers or microorganisms, touching each other only fleetingly, in ever-new constellations.

In Fallen Heads, for example, a large collage, women's heads overgrown with roses and pearls seem to float through a veil consisting of blood-red hues. Black lines gush from their eyes and mouths, recalling tentacles or seaweed; bizarre extremities make contact like sensors.

The alienation and uprooting in Mutu's images and installations is obvious. She seems to be less interested in reflecting on original cultural identity than in providing a vision of a future in which more and more people, as migrants and permanent travelers, are becoming part of the "AlieNation." In her view, cultural identity is no longer determined by geographical origins, ancestry or biological disposition, but is increasingly becoming a hybrid construct that one can determine and change oneself.

For My Dirty Little Heaven, Mutu transformed Wiels into a suggestive environment, which recalls both a protective cocoon and the improvised buildings found in Shanty Towns. She built organic-looking sculptural constructions from simple means such as gray, felt-like blankets made of recycled materials or brown parcel tape. The creations cover walls and floors of the exhibition hall and at the same time provide the framework and background for Mutu's collages and her new video work Mud Fountain. The form and content are closely intertwined. Her exploration of topics such as abundance, beauty, gender roles, and ecology find their counterpart in her artistic practice, which Mutu herself calls "modest." Unlike contemporaries, who work with a slew of assistants and have established veritable art factories, Mutu tries to do as much as possible herself. Cutting out the motifs for her collages alone takes weeks. This time-consuming manual activity enables her to reflect on the work she is creating. During the production process, she repeatedly makes intuitive decisions that influence and alter the final result.

With their masses of (re)produced images and materials, Mutu's collages and installations address the issue of waste: the daily overload of media pictures, consumerism, ruthless exploitation of natural, economic, and spiritual resources, a world in which bodies have become commodities. She juxtaposes these phenomena with an alternative, more human economy.

The attempt to develop this economy is an integral part of her artistic practice and her general thinking: "I have a theory that there's an incredible waste of resources, imagination, and ideas-although they are right in front of us. Often you find them in places you'd least expect: in areas with incredible poverty, with people who seem to be the least educated, but who are actually quite ingenious because they're still alive despite the conditions they live in. In a way, my exhibition is an homage to their systems, to their way of working, to this kind of tenacity and ingenuity."

More information at: db-artmag.com

Fonte: e-flux newsletter

States of Flux @ Aperture Gallery

2010-6-24T13:51:20Z

Join Aperture Foundation, a leading New Yorkbased arts institution dedicated to promoting photography in all its forms, and the Center for Photographic Media and Culture at Parsons The New School for Design, a pioneer in art and design education, for the opening reception of States of Flux, a group exhibition of works by Parsons' BFA and MFA students, hosted by SNAP! The Aperture Young Patrons' Program. The partnership and show reflects Aperture's ongoing mission to support the work of promising young artists and marks Apertures second student art exhibition, following last year's Identity Identities (i / i), by alumni of the School of Visual Art's BFA Photography Department.

Photographic images are more cheaply and easily produced now more than ever, with newfound potential for immediate mass distribution and consumption, as well as the burden of almost-immediate, unplanned (or planned) obsolescence. How does the contemporary photographer contend with the forces of rapid technological change? How do these forces affect the ways in which photographers picture the globalized world? In this exhibition, emerging photographers from the BFA and MFA photography programs at Parsons The New School for Design, an institution which aims to maintain a focus on globalization and sustainability, respond to the need to produce and consume images while simultaneously addressing the changing nature of the medium itselfthey are working within states of constant flux. In various ways, the show's twelve artists are all seeking to counter the increasing obsolescence of images; they are engaged in a discourse about post-photographic realism and picturing the complexity of contemporary reality. This exhibition is organized into four thematic groupings:

Enviro-mental
Artists Ho Chang, Chang Kyun Kim, Grady O'Connor, and Nathan Harger use straight, or depictive, approaches in describing the physical impact of consumer-effected environments. Ho Chang's visually striking series of mining operations in Arizona at once deals with the aftermath of extraction and the sculptural contours of that process. Chang Kyun Kim's recent photographs of urban signage systems in Korea depict advertisements competing for attention, polluting visual fields. Grady O'Conner's haunting photographs depict peculiar details of a disaster response training center. Nathan Harger's photographs memorialize the infrastructure that powers American industry: cranes, telephone wires, airplanes, bridges, and factoriesdistribution systems becoming antiquated by a society preferring instantaneity.

The Ontology of the Digital Self
From social networks to blogs, there are infinite ways to represent the self. Working with the shift in image-making from the indexical to the digitally malleable, artists Sally Dennison, Haley Jane Samuelson, Jun Ahn, and Bobby Davidson confront the state of flux that the self encounters in digital space. Sally Dennison's series of manipulated self-portraits examine the anxiety produced by the expectation of perfection in photographic portraiture. Haley Jane Samuelson explores the fantasized world of digitally created fictions. Jun Ahn's ritualistic performance atop urban high-rises is a direct confrontation with the encroaching urban environment. Bobby Davidson's work maps the transition away from the humanoid: utilizing a large, cumbersome view camera, an iPhone-wielding man humorously comments on the ubiquity of the photographic activity.

Object of Desire
We consume not based on need, but rather on the desire to consume. To confront this issue, artists Lauren Pascarella, Marie Vic, Luke Burke, and Rachel Porter offer strategies of resistance and subtle subversion. In the work Everything I Own, Lauren Pascarella, examines how objects create identity, hold memory, and define our personal history. Marie Vic plays a complex game of hide-and-seek through a growing archive of Polaroid still-lifes, allowing the viewer to glimpse the fictional female user behind these objects. Luke Burke stages elaborate dinners only to record the theatrical aftermaths of the food artifacts. An event by accident and design, Rachel Porters work utilizes the visual language of editorial photography to shatter visions of domestic life.

Politics of Economies
Photography is routinely utilized to distill information into power, shaping markets and governments. Merve Unsal, Patrick Taylor, Erica Campbell, and Olga Migliaressi-Phoca employ photographic projection and video strategies to offer critiques of these systems of power. Merve Unsal's composited New York Times photographs reveal the contested meaning of the image and the necessity to control it. Patrick Taylor's 35mm projection piece depicts the silent corpses of recently vacated storefronts shown in rapid-fire succession, becoming an elegy to entrepreneurial endeavors stilled by the failures of overly networked and theorized financial systems. Erica Campbell's humorous environmental portraits portray her father as the average white-collar worker, vying to maintain his own presence within his surroundings. Olga Migliaressi-Phoca's video piece depicts the players of the recent financial crisis, providing enigmatic portraits of the human faces of the financial industry.

Aperturelocated in New York's Chelsea art districtis a world-renowned non-profit publisher and exhibition space dedicated to promoting photography in all its forms. Aperture was founded in 1952 by photographers Ansel Adams, Dorothea Lange, Barbara Morgan, and Minor White; historian Beaumont Newhall; and writer/curator Nancy Newhall, among others. These visionaries created a new quarterly periodical, Aperture magazine, to foster both the development and the appreciation of the photographic medium and its practitioners. In the 1960s, Aperture expanded to include the publication of books (over five hundred to date) that comprise one of the most comprehensive and innovative libraries in the history of photography and art. Aperture's programs now include artist lectures and panel discussions, limited-edition photographs, and traveling exhibitions that show at major museums and arts institutions in the U.S. and internationally.

The Center for Photographic Media and Culture is a research center at Parsons The New School for Design devoted to redefining photographic practice in the 21st Century. Through project-based experimentation, critical research, and dialogue with a global network of affiliated practitioners, the CPMC confronts the complexities of image-making in our increasingly media-rich environment. Situating itself at the generative intersection of art, technology, and culture, the Center aims to support and promote emerging forms of photographic practice and practitioners rising from this axis. The Parsons Photography Program, housed within the School of Art, Media, and Technology, offers BFA and MFA degrees.

Fonte: www.aperture.org/gallery/

Rivane Neuenschwander and Richard Flood in Conversation

2010-6-24T12:00:50Z

"Rivane Neuenschwander: A Day Like Any Other" is the first midcareer survey of works by Brazilian artist Rivane Neuenschwander (b.1967, Belo Horizonte, Brazil), and spotlights Neuenschwander's unique contribution to the narrative of Brazilian Conceptualism, as well as the expanded field of her highly individualized practice. Neuenschwander merges painting, photography, film, sculpture, immersive installations, and participatory actions. Her authorship is primary, but she also functions as an editor, collaborator, social organizer, and commissioning agent.

Thursday, June 24 2010 | 7 PM
Free for Members, $6 Students/Seniors, $8 General Public

Fonte: www.newmuseum.org

Rodrigo de Castro @ Galeria Millan

2010-6-24T11:59:04Z

A cor que consolida a existência de cada forma geométrica gerada, constitui a substância fertilizante da pintura

Ao contrário de Mondrian, ou de outros construtivos que limitam o seu repertório cromático, Rodrigo de Castro o amplia, permitindo-se jogar com a forma, com as assimetrias, fora de esquemas matemáticos. Com a cor se permite brincar, exercitar a liberdade de imaginação, tocar a fantasia, criando tonalidades inesperadas. É também com essa liberdade de jogo, com esse refinado bom humor que atravessa sua pintura, que Rodrigo de Castros se defende da sisudez, para alcançar um estado de alegria, de aventura. É nessa alternância - nessa soma de elementos constitutivos da obra - que se consolida o espaço de sua pintura como campo em que floresce a consciência do "humano".

Sem perder o sentido da operação construtiva, que responde a uma ordenação do raciocínio sobre o espaço e sua ocupação, Rodrigo trabalha as estruturas e as relações formas/cor praticando uma geometria intuitiva que deflagra uma pulsação humana, um ritmo de liberdade, a afirmar a possibilidade de alegria. Justapondo razão e sensibilidade, permite que, de seu interior, se projete sem temor - e muitas vezes com irrisão para tudo o que é grave, conciso e fechado - as inquietações, os ritmos ocultos dos sentimentos, a consciência de precariedade e o esforço de realização ideal do equilíbrio, construindo os espaços feitos de iminência e imanência: de futuro e memória.

Fonte: www.arteum.terra.com.br/arte_integra.php?id=1248

Para mais informações acesse www.galeriamillan.com.br

The clandestine in the work of Jef Cornelis - book launch

2010-6-24T11:54:28Z

Thursday 24 June
20:00
Koen Brams, Dirk Pültau
The clandestine in the work of Jef Cornelis

book launch
HISK, Charles de Kerchovelaan 187a, Ghent (BE)

On Thursday 24 June, the Higher Institute for Fine Arts in Ghent (BE) will host a book launch of The clandestine in the work of Jef Cornelis, a publication by Koen Brams (director Jan van Eyck Academie) and Dirk Pültau (editor-in-chief of art magazine De Witte Raaf).

The clandestine in the work of Jef Cornelis comprises two essays about 'hidden' messages in the television films Daniel Buren (Wide White Space Gallery, 1971), Sonsbeek beyond lawn and order (1971) and Landscape of churches (1989). The publication calls attention to an as yet unknown aspect of Cornelis' oeuvre and contains documentation and records that have rarely or never been published.

The clandestine in the work of Jef Cornelis has been designed by former Design researcher Raoul Wassenaar and is accompanied by a DVD that holds three original films with English subtitles.

20:00
Koen Brams
Entering the picture. The iconographic motive of the door in the work of Jef Cornelis

20:15
Dirk Pültau
Opening Pandora's box of painting. On Jef Cornelis' film The Music Box (1994)

The clandestine in the work of Jef Cornelis
English - 93 pages. 120 mm x 180 mm. Hard cover, colour and b/w illustrations
Publisher: Jan van Eyck Academie, Maastricht
Co-publisher: Argos, De Witte Raaf, Marcelum Boxtareos
ISBN 978-90-72076-39-7

More info: www.janvaneyck.nl or www.hisk.edu

Summer Loves

2010-6-24T10:53:03Z

Valérie Belin, Rineke Dijkstra, Leo Divendal, Toshio Enomoto, Lee Friedlander, Carmela García, Ken Hirama, Rinko Kawauchi, Gerrit Kiljan, Luisa Lambri, Sally Mann, Simone Nieweg, Mika Ninagawa, Rob Nypels, Nono Reinhold, Joke Reynders, Willy Ronis, Paul Schuitema, Shirana Shahbazi, Hannah Starkey, Thomas Struth, Risaku Suzuki, Sam Taylor-Wood, Marijke van Warmerdam, Nancy Wilson-Fulton, Michael Wesely

Summer Loves
June 5 - August 29, 2010

This exhibition is based on the idea of 'infatuations' that can affect both photographers and exhibition curators. People often suppose that museums make choices as objectively as possible, but actually this is far from from the truth. Just as an artist may feel physically and emotionally attracted to a particular subject, the collector or curator might also have a crush on a certain work. The term the infatuated camera comes from the title of a 1971 film by Ed van der Elsken, De Verliefde Camera, a compilation of travel clips previously filmed by him. This exhibition has been assembled in a similar way; photographs and film rushes from the present day contrast with excerpts and impressions from the previous century. Works have been seemingly casually arranged according to summery themes: hanging out, taking strolls, the intense experience of landscape, laid-back portraits in the park, or travel and being in transit.

Yet the choices are less arbitrary than they might seem. An experimental element can be found throughout the entire exhibition. Works from the museums own collection are presented directly alongside photographs from the H+F Collection and external loans. This enables us not only to experiment with the dynamics among the works themselves, but also to place works that we have been admiring over the past year in the context of the collection. After we first fall in love with a work, the best way for us to get to know it is to work with it.

Surprisingly enough, this approach revealed that portrait photographs are less strongly represented in the Huis Marseille collection than other subjects. Another striking discovery was that the theme of summer is, in fact, obviously present, even though no conscious effort was made to collect works on this theme during the past ten years. And it was a delight to see, not insignificantly, a common link among the famous and less familiar names: an intensity of observational power based on the imagination the infatuated camera. For Huis Marseille this exhibition is a step towards the planned addition of Keizersgracht 399, as this expansion will allow us to show the museums permanent collection alongside, and even in combination with, temporary exhibitions.

With photos and films by: Valérie Belin, Rineke Dijkstra, Leo Divendal, Toshio Enomoto, Lee Friedlander, Carmela García, Ken Hirama, Rinko Kawauchi, Luisa Lambri, Sally Mann, Simone Nieweg, Mika Ninagawa, Rob Nypels, Nono Reinhold, Joke Reynders, Willy Ronis, Paul Schuitema, Shirana Shahbazi, Hannah Starkey, Thomas Struth, Risaku Suzuki, Jean Vigo, Sam Taylor-Wood, Marijke van Warmerdam, Nancy Wilson-Fulton, Michael Wesely

With loans from: Rineke Dijkstra, Ken Hirama, Nono de Wilde-Reinhold, Marijke van Warmerdam, Michael Wesely, Sally Mann, Josje Janse-de Ronde Bresser, Sammlung Goetz, H+F Collection, Galerie Wouter van Leeuwen, Galerie Thomas Zander, Galerie Karsten Greve, Fraenkel Gallery, Galerie M, Gallery Koyanagi, Tomio Koyama Gallery, Filmmuseum Amsterdam, De Pont and several private collectors.

New prints made by: Peter Svenson, AAP-Lab.

Lançamento Revista s/n volume 14

2010-6-23T10:21:46Z

veja o convite

Nova Lei do Direito Autoral submetida à Consulta Pública

2010-6-23T09:58:04Z

Principais mudanças propostas na modernização da legislação:

O que muda para o Autor:

Maior controle da própria obra: o novo texto torna explícito o conceito de licença (autorização para uso sem transferência de titularidade). No caso dos contratos de edição, necessários para exploração comercial das obras, não serão admitidas cláusulas de cessão de direitos. A cessão de direitos terá de ser feita em contrato específico para isso.

Reconhecimento de autoria: arranjadores e orquestradores, na música, e diretores, roteiristas e compositores da trilha sonora original, nas obras audiovisuais, passam a ser reconhecidos de forma mais clara como autores das obras.

Obra encomendada: o criador poderá recobrar o direito em certos casos; terá garantia de participação em usos futuros não previstos; e poderá publicá-la em obras completas.

Prazo de proteção das obras: continua de 70 anos. Nas obras coletivas, será de 70 anos a partir de sua publicação.

Supervisão das entidades de gestão coletiva: associações de todas as categorias e o escritório central de arrecadação e distribuição de direitos de execução musical devem buscar eficiência operacional, por meio da redução dos custos administrativos e dos prazos de distribuição dos valores aos titulares de direitos; dar publicidade de todos os atos da instituição, particularmente os de arrecadação e distribuição. Elas terão ainda de manter atualizados e disponíveis o relatório anual de suas atividades; o balanço anual completo, com os valores globais recebidos e repassados; e o relatório anual de auditoria externa de suas contas.

Instância para resolução de conflitos: será criada uma instância voluntária de resolução de conflitos no âmbito do Ministério da Cultura. Hoje, conflitos relacionados aos direitos autorais só podem ser resolvidos na justiça comum.

O que muda para os cidadãos:

Acesso à cultura e ao conhecimento: haverá novas permissões para uso de obras sem necessidade de pagamento ou autorização. Entre elas: para fins didáticos; cineclubes passam a ter permissão para exibirem filmes quando não haja cobrança de ingressos; adaptar e reproduzir, sem finalidade comercial, obras em formato acessível para pessoas com deficiência.

Reprodução de obra esgotada: está permitida a reprodução, sem finalidade comercial, das obras com a última publicação esgotada e também que não têm estoque disponível para venda.

Reprografia de livros: haverá incentivo para autores e editoras disponibilizarem suas obras para reprodução por serviços reprográficos comerciais, como as copiadoras das universidades. Cria-se para isso a exigência de que haja o licenciamento das obras com a garantia de pagamento de uma retribuição a autores e editores.

Cópias para usos privados: autorizadas as cópias para utilização individual e não comercial das obras. Por exemplo, as cópias de segurança (backup); as feitas para tornar o conteúdo perceptível em outro tipo de equipamento, isto é, para fins de portabilidade e interoperabilidade de arquivos digitais. Medidas tecnológicas de proteção (dispositivos que impedem cópias) não poderão bloquear esses atos.

Segurança para o patrimônio histórico e cultural: instituições que cuidam desse patrimônio poderão fazer reproduções necessárias à conservação, preservação e arquivamento de seu acervo e permitir o acesso a essas obras em suas redes internas de informática. Não se trata de colocar as obras disponíveis na internet para acesso livre.

O que muda para os investidores:

Punição para quem paga jabá: o pagamento a rádios e televisões para que aumentem a execução de certas músicas será alvo de punição, caracterizada como infração à ordem econômica e ao direito de acesso à diversidade cultural.

Remuneração aos produtores de obras audiovisuais: produtores de obras audiovisuais passam a ter direito de remuneração pela exibição em cinemas e emissoras de televisões.

Permissão para explorar obras de acesso restrito: passam a ter a possibilidade de pedir uma autorização para comercializar obras que estejam inacessíveis ou com acesso restrito. Para isso, devem solicitar ao Estado a licença não voluntária da obra.

Estímulo a novos modelos de negócios no ambiente digital: prevê claramente direitos em redes digitais, definindo a modalidade de uso interativo de obras e a quem cabe sua titularidade. As mudanças no texto darão mais segurança para que os titulares se organizem para exercerem seus direitos e melhorarão a relação entre autores, usuários, consumidores e investidores. Dessa forma, essa revisão já coloca o funcionamento da economia digital no Brasil no rumo certo e prepara as bases para uma discussão mais ampla, que deverá ser feita nos próximos anos no mundo todo.
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Com base nas contribuições recebidas, o governo federal consolidará o texto final do anteprojeto de lei que será encaminhado ao Congresso Nacional ainda em 2010.

Veja como participar da consulta pública

Rivane Neuenschwander: A Day Like Any Other

2010-6-23T09:36:28Z

This major midcareer survey of Brazilian artist Rivane Neuenschwander (b. 1967, Belo Horizonte, Brazil) will cover a decade of the internationally admired artists work. It will spotlight the artists unique contribution to the narrative of Brazilian Conceptualism and reveal her wide-ranging, interdisciplinary practice which merges painting, photography, film, sculpture, installation, collaborative actions, and participatory events. Her authorship of the work is primary, but she also functions as an editor, collaborator, social organizer, and commissioning agent. Like her predecessors Lygia Clark and Hélio Oiticica, Neuenschwander resists a singular direction in her practice. Instead, the artist creates a series of organic relationships that interweave themes such as nature, language, temporality, and the poetry of the quotidian.

It is Neuenschwanders extravagant disregard for artistic categories that makes her work so perfectly tempered for this time. It is the ease with which she lives in the university of the world that guarantees her work its freshness and depth, said Richard Flood, Chief Curator at the New Museum.

Three installations in A Day Like Any Other will involve direct visitor participation: Neuenschwanders I Wish Your Wish (2003); First Love (2010); and Walking in Circles (2000). I Wish Your Wish will be installed in the New Museums lobby gallery space (always open to the public free of charge). At the church of Nosso Senhor do Bonfim in Salvador, Bahia, Brazil the faithful tie silk ribbons to their wrists and to the gates of the church, and, according to tradition, their wishes are granted when the ribbons wear away and fall off. For Neuenschwanders installation I Wish Your Wish at the New Museum, hundreds of similar ribbons will be printed with visitors wishes from past projects, and will hang from the gallery walls. Visitors will be invited to remove a ribbon, tie it to their wrist, and replace it with a new wish written on slip of paper, continuing the project that keeps generating new ribbons and dreams. For another piece, First Love, a police sketch artist will sit with visitors and listen as those visitors describe the faces of their first loves; the sketch artist will then produce portraits of these first loves to adorn the walls of the gallery for the duration of the exhibition. In Walking in Circles (2000), small halos of adhesive applied to the gallery floor by the artist will pick up dirt from visitors shoes. The work will create a physical and temporal map of the exhibitions traffic patterns.

The exhibition will include two of Neuenschwanders immersive installations. The first of these, Rain Rains (2002), is an environment of leaking buckets that are controlled from flooding by a Sisyphean recirculation tended to by museum staff in four-hour cycles. The second immersive work, The Conversation (2010), will be realized expressly for the exhibition and pays homage to Francis Ford Coppolas revolutionary 1974 film of the same name. Like the film, Neuenschwanders installation investigates the systematic invasion of privacy in an era of dangerously purposed technology. The artist and the New Museum will work with security experts to create an Orwellian environment filled with surveillance devices. Prior to the exhibitions opening, Neuenschwander will raid the bug-filled room in an attempt to uncover the devices, a performance that will be recorded by these devices and then played back in the partially dissembled exhibition space.

In addition to these participatory actions and major installations, the exhibition will also contain several suites of new paintings including After the Storm (2010), made with maps of New York counties exposed to torrential rain and At a Certain Distance (Ex-Voto Paintings) (2010), as well as the lustrously beautiful film The Tenant (2010), which follows the journey of a soap bubble as it wanders through a deserted house in a permanent state of suspension. The show will also include Involuntary Sculptures (Speech Acts) (200110), communally evolved sculptures made by customers during conversations at bars and restaurants near Neuenschwanders home in Brazil, and A Day Like Any Other (2008), an informal installation involving a series of flip clocks placed throughout the New Museum building, among other works in the exhibition.

Rivane Neuenschwander: A Day Like Any Other is curated by Richard Flood, Chief Curator at the New Museum. The exhibition is organized by the New Museum in collaboration with the Irish Museum of Modern Art.

On the occasion of her exhibition opening, Rivane Neuenschwander will discuss her work with Richard Flood in the theater at the New Museum on Thursday, June 24, at 7 PM. For more information visit http://www.newmuseum.org/events/454.

Fonte:

Entrevista Ana Lucia Mariz na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-6-22T14:19:37Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 775, ao fim da página
http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Entrevista Christiana Carvalho na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-6-22T13:47:51Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique no link 791, no fim da página
http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Picasso: Themes and Variations

2010-6-22T12:52:14Z

Featuring approximately one hundred works, this exhibition explores Picassos creative process through the medium of printmaking, tracing his development from the early years of the twentieth century, with depictions of itinerant circus performers in the Blue and Rose periods, to his discovery of Cubism. It follows his evolving artistic vision through decades of experimentation in etching, lithography, and linoleum cut, demonstrating how each technique inspired new directions in his work. The exhibition focuses on specific themes, showing how Picassos imagery went through a constant process of metamorphosis. Printmaking, in particular, allows this fundamental aspect of his art to become vividly clear, since various stages in building a composition can be documented. One series of lithographs shows Picasso progressing, step-by-step, from a realistic depiction of a bull to one that is completely abstracted into schematic lines. Other series reveal changing interpretations of the women in Picassos life, as they become the subject of his art and a catalytic force behind his creativity.

The exhibition is accompanied by a fully illustrated catalogue written by Deborah Wye and entitled A Picasso Portfolio: Prints from The Museum of Modern Art. In addition, the Museum will launch an interactive online Picasso project featuring some 250 works from MoMAs collection of over one thousand prints by the artist.

Organized by Deborah Wye, The Abby Aldrich Rockefeller Chief Curator of Prints and Illustrated Books.

Fonte: www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/966

Picasso o gênio e suas surpresas

2010-6-22T12:41:16Z

O Metropolitan de Nova York expõe quase todo seu acervo do artista - cerca de 100 peças - e revela em vídeos descobertas feitas após exames minuciosos

Tonica Chagas, especial para o Estado - O Estado de S.Paulo

NOVA YORK - O artista do século 20 mais discutido, criador de produção superabundante e de algumas das obras mais caras do mundo, Picasso (1881-1973) também é o artista mais exibido do planeta. Este ano há pelo menos 30 grandes mostras dele, várias concomitantes, em cidades como Amsterdã, Atenas, Berna, Istambul, Londres, Moscou, Taipei e Viena. Sem falar nas que estão pela Espanha, onde nasceu, e França, onde passou quase toda a vida. Nova York tem duas: Picasso in The Metropolitan Museum of Art, aberta até 1.º de agosto, e Picasso: Themes and Variations, em exibição no MoMA até 6 de setembro. Com quase 300 peças, a mostra no Met focaliza só obras do acervo do museu, que está exibindo de uma só vez todos os seus Picassos.

Picasso in The Metropolitan toma nove galerias e faz um panorama da carreira e dos estilos do artista que, embora seja um dos mais estudados, ainda causa surpresas. Em exames feitos nas telas da coleção permanente, o Met fez várias descobertas, reveladas em vídeos na mostra. E, entre várias obras célebres exibidas antes, o museu incluiu La Douleur (A Dor), com cena erótica criada em 1902 ou 1903, nunca saído do depósito desde que doado ao museu em 1982.

Havia dúvidas sobre a autenticidade da obra mas, além da confirmação de ser um Picasso verdadeiro, os pesquisadores traçaram toda a história de propriedade dele, desde 1912, quando foi vendido pelo alfaiate Benet Soler, que fazia roupas para o pintor em Barcelona. Pode ser que Picasso, para manter a elegância mesmo sem dinheiro, tenha feito escambo entre o quadro e um par de calças ou um terno.

O suicídio do amigo Carles Casagemas teria originado o melancólico Período Azul de Picasso, lembrado na segunda galeria. Esta começa com dez caricaturas de 1900 de amigos que frequentavam com ele o café El Quatre Gats, em Barcelona (onde, naquele ano, expôs 150 desenhos). Os desenhos seguem o estilo na época conhecido como modernista e são assinados por P. Ruiz Picasso.

No fim de 1901, nota-se que as cores do período dos cafés dão lugar a uma palheta de azuis e ocres, como em O Desjejum do Cego (1903). Sob essa figura, outra descoberta: o homem foi pintado em cima da composição de uma mulher, da qual havia fotos, mas não se sabia onde estava até os exames feitos pelo museu.

Em 1904, Picasso fixou-se em Paris e conheceu a modelo Fernande Olivier, sua companheira até 1913, vivendo com ele os anos de pobreza do Período Rosa e do início cubista. Na primeira fase, as figuras dilapidadas e azuladas dão lugar a saltimbancos ou artistas de rua, seus temas básicos nos dois primeiros anos. Aponta-se como marco inaugural do Período Rosa O Ator (1905), que em janeiro, sofreu um rombo na parte direita inferior quando uma visitante do museu caiu sobre ele.

Restaurado e sem marcas visíveis, ele esconde a dureza financeira do jovem espanhol tentando se estabelecer como pintor em Paris. Picasso usava telas baratas e muitas vezes, reaproveitava as que ganhava de outros pintores. Os exames do Met mostram que, sob a figura esguia e rósea, havia uma composição horizontal de paisagem com uma figura humana. Picasso inverteu a posição da tela e expungiu a imagem original com grandes pinceladas de azul, cinza e vermelho. O período que começa com O Ator termina com a primeira pintura dele a entrar para a coleção do museu, o retrato da escritora Gertrude Stein, pintado em 1906 e doado ao Met pela retratada, em 1946.

Na quarta galeria, a jornada de Picasso vai de 1906 a 1915, anos em que ele e o amigo Georges Braque inventaram o cubismo e mudaram o curso da arte do século 20. No centro está a escultura de bronze Cabeça de Mulher (1909), que teve Fernande como modelo, é considerada a primeira escultura cubista e ponto-chave na formulação da linguagem pictórica do cubismo. Na época em que foi produzida, ela era chamada de "a cabeça quebrada", por causa dos ângulos que a formam.

As duas décadas seguintes da carreira se desdobram na quinta galeria, que começa com trabalhos criados a partir do fim da 1.ª Guerra. Surgem crianças nos quadros a partir do nascimento de seu primeiro filho, Paulo. A desintegração do casamento com a bailarina Olga Kokhlova é óbvia nos retratos em que a mostra como figura surrealista e castradora. Depois entram em cena as amantes Marie-Thérèse Walter e a fotógrafa Dora Maar, no fim dso anos 30. Da fase com Marie-Thérèse, o Met exibe A Sonhadora (1932), da mesma leva do valiosíssimo Nu, Folhas Verdes e Busto - ambos da série de grandes retratos feitos para a primeira retrospectiva do pintor em Paris, em junho de 32.

A coleção do Met, formada quase toda por doações, é menos favorecida em pinturas e desenhos produzidos por Picasso após a 2ª Guerra, mas é rica em trabalhos gráficos, principalmente em impressões sobre linóleo, mídia para a qual desenvolveu novas técnicas. A última galeria traz 30 impressões da Suíte 347, série de 347 gravuras feitas por Picasso aos 87 anos, que definem a produção dele: abundante e genial até o fim.

Lara Donatoni Matana @ Lourdina Jean Rabieh

2010-6-22T10:10:27Z

À FOR DA MADEIRA, IL MONDO CONSTRUITO DE LARA MATANA

"...é preciso ter um caos dentro de si para das à luz a uma estrela cintilante..." l

Lara Donatoni Matana situa-se no universo dos criadores que operam em harmonia com a Natureza, artistas que se espalham pelo mundo em grupos integrados, células comunicantes, individualidades carismáticas que atuam em defesa do planeta. Mais do que uma atitude estética,trata-se de busca por qualidade de vida que, por si só, já envolve suas criações de uma aura especial. Não obstante essa sintonia, a produção artística de Lara desenvolve-se com descartes de madeira, reutilizados de forma sustentável e inteligente, extraindo efeitos sedutores de placas, caibros, toras, tocos e toquinhos, sarrafos, farpas, lascas e lâminas.

Assim, ela alcança resultados visuais de grande efeito, que remetem às mandalas, aos caleidoscópios, às rosáceas, prismas e arabescos que explodem de suas obras numa profusão hamoniosa de cores e formas. Às vezes, tiram partido da coloração natural da flora, ora conseguem resultados sedutores nos arranjos geométricos ou composições fractais, ora numa sobriedade elefante, transcendente, que toca profundamente quem as aprecia ou com elas convive.

Não bastasse a odisséia para se atingir os resultados apresentados ao público, há ainda a dimensão interior, a energia espiritual de amparo e bondade para com o outro, que permeio os resultados estéticos. A aura de boa-venturança, a sonoridade mântrica, o poema silencioso que nos traz motes de sua convivência com os princípios de Sathya Sai Baba, a busca de equilíbrio dos iogues são componentes per si.

A artista reverencia ainda, sempre que possível, os artistas que - de alguma maneira - admira e com os quais se identifica no discurso que exalta as magias da Natureza, em outros o rigor, a busca dos materiais nobres ou a opção por inovar e seduzir pelo olhar.

Em especial nas obras da série Caleidoscópio, que integram esta mostra, assim como nas que se referem a Rosáceas e Prismas, Lara trabalha com a dinâmica de desenhar com lâminas de madeira, recuperadas para a arte depois de servirem como mostruários para a indústria. Essas unidades, tingidas ou expostas naturalmente, adquirem status de alfabeto, com o qual ela compõe seus poemas visuais, permeados por uma verve construtivista, que empolga os que se aventuram nas trilhas da visualidade, mas que deverá ser cada vez mais explorada na expansão natural que a artista vem experimentando. São obras que se modificam naturalmente, como se modifica nosso olhar com a alternância dos dias, cm a alternância das luzes, num processo de aparente magia evolutiva que envolve as grandes obras de arte. Estamos frente a um luminoso "mondo construito" que se manifesta "à flor da madeira" para trazer nossas emoções "à flor da pele".

São Paulo - Inverno - 2010

PAULO KLEIN
Crítico de Arte
APCA/ABCA/AICA

Cartier-Bresson por inteiro

2010-6-21T14:31:47Z

Pai do fotojornalismo e um dos criadores da fotografia moderna, Henry Cartier-Bresson (1908-2004) empunhou a câmera até já ter passado dos 80 anos de idade e, durante seis décadas, cruzou quase todos os quatro cantos do mundo. A ampla abrangência geográfica e histórica do trabalho dele compõe uma narrativa em imagens de mais da metade do século 20.

Em lugares tão distintos como Nikko ou Cairo, Hyères ou Pequim, Bresson perpetuou flagrantes do século moderno em momentos e movimentos marcantes como a morte de Gandhi ou passageiros como o êxtase de um menino olhando a bola que jogou para o alto.

A essência dessa narrativa forma uma das maiores retrospectivas dele, Henri Cartier-Bresson: The Modern Century, que o Museum of Modern Art (MoMA), de Nova York, exibe só mais uma semana, até o dia 28. São 300 fotos feitas entre 1929 e 1989, a maior parte cedida pela Fundação Cartier-Bresson, de Paris. Entre elas há pelo menos umas 70 que até agora eram bem pouco conhecidas.

Bresson começou a viajar pelo mundo com 22 anos, quando deixou os estudos de pintura e foi viver como caçador na Costa do Marfim, que ainda era uma colônia do seu país, a França. Quando voltou para casa e descobriu o que podia fazer com uma Leica portátil, saiu pelos países vizinhos e depois seguiu para o México, capturando imagens que ficariam entre as melhores de qualquer tempo.

Liberdade. A Magnum, agência cooperativa que ele e os amigos Robert Capa, George Rodger e David "Chim" Seymour criaram depois do fim da 2.ª Guerra (durante a qual ele passou três anos prisioneiro dos nazistas), deu-lhe meios e liberdade para cobrir o que quisesse e onde quisesse. À entrada das 13 galerias que abrigam a exposição no MoMA, há sete mapas traçando os lugares por onde ele passou - quase toda a Europa, Índia, Japão, China, Oriente Médio, África, a antiga União Soviética e a América do Norte - com o registro das datas e de quantas vezes esteve em cada um.

Organizada por Peter Galassi, chefe do Departamento de Fotografia do MoMA, a exposição é dividida em temas e destaca alguns períodos ou trabalhos especiais na carreira de Bresson. As duas primeiras seções resumem o começo da carreira dele na década de 1930 e introduzem seu trabalho inicial como fotojornalista.

O jovem que se identificava com as ideias surrealistas começou a usar a maleabilidade e rapidez da Leica como um pintor e seu caderno de esboços, representando com traços simples o máximo do que pudesse exprimir - como na mais do que famosa imagem, de 1932, que mostra o homem saltando uma poça d"água atrás da estação de trens Saint-Lazare, em Paris.

Depois da guerra, a magia surrealista deu lugar a um novo estilo dele, quase sempre com o enquadramento de um pequeno grupo de pessoas em cenas que contam toda uma história com clareza absoluta. Para ter-se a dimensão da vergonha e do ódio que restaram da guerra, não é preciso muito mais do que uma frase - "mulher que foi informante da Gestapo é denunciada" - para identificar uma foto tirada em abril de 1945 num acampamento de pessoas deslocadas pela guerra, em Dessau, na Alemanha.

Antes do domínio da televisão, a maioria das pessoas via o mundo pelas imagens de revistas e alguns ensaios fotográficos de Bresson foram furos mundiais de reportagem. Em 1958, ele passou quatro meses na China acompanhando o programa de industrialização forçada planejado por Mao. Mesmo monitorado pelas autoridades, saiu de lá com um fantástico corpo de trabalho. A Life abriu dez páginas em cor (modalidade que o próprio Bresson não gostava, não se dava bem e acabou excluindo do que considerava o trabalho da sua vida) e deu menor atenção às fotos em preto e branco. Fora um livreto publicado em 1964, a retrospectiva no MoMA é a primeira apresentação dessas imagens com o valor que Bresson lhes deu ao registrá-las.

Retratos. Nas suas voltas pelo mundo, o fotógrafo que acompanhou "o grande salto adiante" da revolução comunista na China e foi o primeiro profissional do Ocidente a entrar na União Soviética depois da morte de Stálin, ainda achou tempo para ser um dos grandes retratistas do século 20. Bresson fez perto de mil retratos de pessoas notáveis, a maioria artistas e escritores. Preferia fotografá-las em suas casas e quando lhe perguntavam quanto tempo ele ia demorar para fazer o trabalho, brincava: "Mais do que um dentista e menos do que um psicanalista." É de se imaginar quem desses dois estava com a mão no disparador ao fotografar Bonnard num cantinho de seu estúdio, Colette e Pauline, sua companheira, em vestidos de bolinhas, Chanel fumando sob uma máscara veneziana, Carl Jung fumando cachimbo, Sartre numa ponte em meio à névoa, Matisse cercado por gaiolas e pombas, ou Truman Capote meio escondido por folhagens.

Como um dos museus que mais utiliza a internet para alcançar o maior público possível, o MoMA produziu um website interativo (www.MoMA.org/cartierbresson) que permite aos visitantes ver todas as imagens exibidas na retrospectiva. Henri Cartier-Bresson: The Modern Century também resultou em um livro publicado pelo museu e distribuído fora dos Estados Unidos pela editora Thames & Hudson.

Fonte: www.estadao.com.br/estadaodehoje/20100621/not_imp569550,0.php

International Award for Participatory Art

2010-6-21T14:19:29Z

An initiative of the Legislative Assembly of the Region Emilia-Romagna, Italy

Development of the project and curatorial supervision: Julia Draganovic
Co-curator and production manager: Claudia Löffelholz.

The jury of the newly founded International Award for Participatory Art, consisting in Julia Draganovic, Rudolf Frieling, Alfredo Jaar, Bert Theis and, for the Legislative Assembly of the Region Emilia-Romagna, Luigi Benedetti, has selected the three finalists of the first edition of the prize. Mel Chin, Jeanne van Heeswijk and Pablo Helguera are invited to spend a research period in Bologna and develop a site specific project idea. The winning project, selected by the same jury, will be created in 2011. Beside the budget to accomplish the project, the winning artist receives an award of 15,000 Euros.

About the finalists:

Mel Chin (1951) has a broad range of approaches in his art, including works that require multi-disciplinary, collaborative teamwork and works that conjoin cross-cultural aesthetics with complex ideas. Revival Field (1989-ongoing) has verified the use of plants to remove toxic metals from the soil. Chin also expands the catalytic possibilities of art into issues confronting entire cities (Operation Paydirt/Fundred Dollar Bill Project) and primetime popular television (In the Name of the Place), pioneering ways art can provoke greater social awareness, responsibility and action. His projects are consistent with a conceptual philosophy, which emphasizes the practice of art to include sculpting and bridging the natural and social ecology.

Jeanne van Heeswijk (1965) creates contexts for interaction in public spaces. Her art projects distinguish themselves through a strong social involvement. With her work, Van Heeswijk stimulates and develops cultural production and creates new public spaces or remodels existing ones. To achieve this, she works closely with artists, activists, designers, architects, software developers, governments and citizens. Projects include: Talking Trash (MCA Sydney), It Runs in the Neighborhood (Stavanger 2008), The Blue House (Amsterdam), Dwaallicht (Rotterdam), De Strip (Vlaardingen) and Face Your World (Amsterdam/Ohio). Van Heeswijks work has been featured in biennials such as those of Bushan, Taipei, Shanghai and Venice.

Pablo Helguera (Mexico City, 1971) is a New York based artist whose work focuses on history, pedagogy, sociolinguistics and anthropology in formats such as lectures, museum displays, performance and written fiction. His project The School of Panamerican Unrest, a nomadic think-tank, physically crossed the continent by car from Anchorage to Tierra del Fuego. He has exhibited widely and has been recipient of the Guggenheim Fellowship and the Creative Capital grant. He is the author of several books including The Pablo Helguera Manual of Contemporary Art Style, Theatrum Anatomicum (and other performance lectures), and What in the World.

About the International Award for Participatory Art:

The intention of the International Award for Participatory Art is to support an artistic production beyond market strategies, and to stimulate a source of inspiration for participatory techniques through a biennial call for entries.

Curators and international renowned artists such as Carlos Basualdo, Catherine David, Pablo Leòn de la Barra, Elvira Dyangani Ose, Tom Finkelpearl, Manray Hsu, Geeta Kapur, Enrico Lunghi, Nina Möntmann, Julian Navarro, Anne Pasternak, Cesare Pietroiusti, Gabi Scardi, Zara Stanhope, Aneta Szylak, Tom van Gestel, Per Gunnar Tverbakk and Catherine Wood nominated candidates to the prize who in the last five years had presented and created innovative projects and approaches regarding participation.

Beyond the finalists, the longlist of nominated artists for the first award included: Shaina Anand/CAMP, Ayreen Anastas and Rene Gabri, Navjot Altaf, Zanny Begg, Meschac Gaba, Seamus Farrell, Marianne Heier, Grzegorz Klaman, Mingwei Lee, Otolith Group, Maria Papadimitriou, Marjetica Potrč;, Ines den Rooijen and Kateř;ina edá.

The International Award for Participatory Art is a biennial project which started in 2010. The next call for entries involving a group of international experts as nominators is planned for 2012.

Information:
www.assemblealegislativa.regione.emilia-romagna.it/
www.larete-artprojects.net

Fonte: eflux newsletter

Exhibition at Musée d'Elysée Showcases Prix Pictet Winners

2010-6-21T13:42:10Z

LAUSANNE.- The Prix Pictet is the worlds first prize dedicated to photography and sustainability. It has a unique mandate to use the power of photography to communicate vital messages to a global audience. The goal is to uncover art of the highest order, applied to confront the pressing social and environmental challenges of the new millennium.

As Kofi Annan, the Prix Pictets Honorary President says in his recent forward to Earth the book of the 2009 Prix Pictet, together, these photographs by the artists shortlisted for the Prix Pictet highlight the beauty of the earth we share. But they also expose the damage, deliberately or carelessly, we are inflicting on our own environment. So these images are a celebration and a reminder of the urgent need to change our ways.

Entry to the Prix Pictet is by nomination. There are currently over 130 nominators from five continents. The nominators for the Prix Pictet are a group of leading experts in the visual arts from around the world including directors or major museums and galleries as well as journalists, critics and distinguished experts in the fields of sustainability. For the third cycle of the Prize the Jury (comprising a group of seven) will be led by Professor Sir David King, Director of the Smith School of Sustainable Development, Oxford University and former Chief Scientific Adviser to the UK Government. Following an assessment of the work in a gallery setting, the Jury selects the winner of the Prix Pictet who receives the prize of CHF100,000.

In addition to the prize, one of the shortlisted photographers is invited to complete the Prix Pictet Commission which involves the production a series of images based on a region where Pictet & Cie is supporting a sustainability programme.

The theme of the first cycle of Prix Pictet in 2008 was Water. It is, after all, through water that we are seeing the earliest and most devastating manifestations of the climate change.

For the second Prix Pictet in 2009 the theme of the award was Earth, which in this context refers to the planet and the soil beneath our feet, and to the marks that man makes on the face of the land.

The exhibition at the Musée dElysée showcases the two winners of the Prix Pictet 2008 and 2009: Benoit Aquin, and Nadav Kander and the two commissioned photographers Munem Wasif and Ed Kashi. Presented together for the first time, this is an opportunity to see outstanding photographs by these internationally acclaimed photographers. Together, they present a powerful testament to the fragile state of our world.

Fonte: www.artdaily.org

Football by kameraphoto

2010-6-21T12:17:37Z

Para ver as imagens de futebol do kameraphoto, clique aqui

Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin @ Foam

2010-6-20T11:50:33Z

Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin - Pretty Much Everything - photographs 1985-2010
25 June 2010 until 15 September 2010

Foam proudly presents a survey of the work of the world famous photographic duo Inez van Lamsweerde and Vinoodh Matadin. Inez and Vinoodh began their work together in 1986 in Amsterdam. Now, 25 years later, with their campaigns for fashion houses such as YSL, Chanel, Balmain, Gucci, Louis Vuitton and Chloé, and with regular publications in W Magazine, Vogue and The New York Times, they are amongst the most important photographers in the world today. They are amongst the very few artists that have successfully crossed the line drawn between fashion and art and have managed to simultaneously maintain careers in both fields. The team has lived and worked in New York since 1995.

Foam will show approximately 300 photographs spanning 25 years of the duos career. Art, fashion and portrait works all exist next to each other. By disregarding any chronological order the combinations of images are based on personal, formal, social, political and intuitive associations that show the way the artists have lived with the images for 25 years.

Fonte: www.foam.nl/index.php?pageId=41

Exposição POVO - Kameraphoto

2010-6-19T09:53:35Z

19 de junho a 19 de setembro
Todos os dias das 10h as 18h e Sábados até às 20h
Entrada franca
Museu da Electricidade
Avenida Brasília, Central Tejo
1300-598 Lisboa

Arte na Cidade - edital de ocupação do espaço urbano em São Paulo

2010-6-18T13:51:13Z

Veja abaixo notícia da Secretaria Municipal de Cultura.
Para edital completo, clique aqui

Prefeitura lança edital "Arte na Cidade" para incentivar projetos de artes visuais
Secretaria Municipal de Cultura lança novo edital, focado em artes visuais ao ar livre, com inscrições abertas a partir de 8 de junho

Com a proposta de transformar espaços livres da cidade em cenário de intervenções artísticas, a Secretaria Municipal de Cultura lança novo edital, focado em artes visuais ao ar livre, com inscrições abertas a partir de 8 de junho. O objetivo do edital Arte na cidade é estimular artistas e curadores a promover intervenções criativas no espaço urbano (edificações, parques e praças). Trata-se de estimular a percepção da cidade pelos seus habitantes, assim como ampliar a noção de espaço público.

O edital foi submetido a curadores representativos na cidade, que colaboraram com sugestões para aperfeiçoamento do texto. Entre eles está Marcelo Araújo, diretor da Pinacoteca do Estado; Agnaldo Farias, um dos curadores da 29ª Bienal de São Paulo; Tadeu Chiarelli, diretor do Museu de Arte Contemporânea e Teixeira Coelho, curador do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP).

Teixeira Coelho destaca que a abertura de espaços para a arte pública para a arte realmente pública, aquela que se espalha pela cidade sem cobrar ingresso, sem hora marcada, sem um contexto formal específico e que colhe seu fruidor de surpresa, muitas vezes é uma tendência global cada vez mais forte. Apoiar a arte pública é hoje, além de operação justificada em si mesma (a arte nunca necessita de pretextos externos para existir), um ato em favor de uma qualidade de vida renovada. O belo, o intrigante, o curioso, o atrevido são dimensões da vida urbana que, numa cidade como São Paulo, foram esquecidas ou raramente cultivadas. Esta iniciativa inicia o resgate de uma grande dívida da cidade consigo mesma.

O processo seletivo se dará em duas fases: primeiramente, uma comissão de representantes das secretarias municipais de Cultura, Subprefeituras, Verde, Desenvolvimento Urbano e, dependendo do caso, da Empresa Municipal de Urbanização (EMURB), farão análise da viabilidade do projeto em relação ao local indicado. Em seguida, uma comissão composta de, no mínimo, três profissionais experientes da área de artes visuais examinará e selecionará os projetos, com base no portafólio do candidato.

Entre os critérios de avaliação está qualidade artística, contribuição para aprimoramento da linguagem das artes visuais, amplo acesso público, compatibilidade entre o projeto e o local escolhido para desenvolvimento e coerência entre orçamento e cronograma de execução. Após aprovação, o projeto selecionado terá até seis meses para inaugurar a intervenção.

Serão aceitos projetos de artistas, coletivos, curadores, brasileiros ou estrangeiros residentes no país. As interações podem ser temporárias (com duração de até seis meses) ou semipermanentes (até 2 anos). O investimento total é de R$ 1,2 milhão, com limite de R$ 200 mil por projeto. Os interessados, por intermédio de pessoa jurídica, poderão apresentar projetos com orçamento superior ao valor mencionado, mas devem obter os recursos complementares por meio de outras fontes, governamentais ou privadas.

Fonte: www.prefeitura.sp.gov.br/cidade/secretarias/cultura/noticias/?p=7835

Sally Mann @ The Photographer's Gallery

2010-6-18T13:16:53Z

The work of American photographer Sally Mann is deeply rooted in both her family, and the landscape she lives and works in. This exhibition, her first solo-show in the UK, draws on several powerful photographic series from throughout her long career that reflect these influences.

Sally Mann (b.1951, USA) first came to prominence for Immediate Family (1984 94), a series of intimate and revealing portraits of her three young children Emmett, Jessie and Virginia. Taken over ten years, Mann depicts them playing and acting to camera in and around their homestead in Virginia. Capturing their childhood in all its rawness and innocence, both this and the later series Faces were born out of a collaborative process between mother and child.

Changing focus to the landscape close to her home, the series Deep South (1996 98) draws on significant locations from the American Civil War. The photographs are ghostly lit and covered with delicate marks and drip trails a result of using antique cameras and processes which Mann relishes that imbue them with a sense of time suspended.

The most recent series in the exhibition, What Remains (2000-04), brings together both of the earlier strands. Facing us are beautifully realised portraits of decomposing bodies returning to the land, photographs taken at a research facility in Tennesse. Dealing directly with the social taboo of death, Mann treats this subject with sensitivity, encouraging us to reflect on our own mortality and place within natures order.

The Family and the Land: Sally Mann at The Photographers Gallery is an edited version of a touring exhibition, conceived by Sally Mann in collaboration with Hasse Persson, Director, Borås Museum of Modern Art, Sweden.

Fonte: www.photonet.org.uk

perda do prêmio nobel José Saramago

2010-6-18T12:27:27Z

Veja nos arquivos do [kameraphoto] retratos do prêmio nobel de literatura, o grande escritor português José Saramago, através do link http://kameraphoto.photoshelter.com/gallery/G0000XKx3d6Yt7lA/

reGeneration2 Tommorow's photographers today

2010-6-18T10:45:46Z

Matthieu Gafsou, Anne Golaz, Augustin Rebetez, Nelli Palomäki, Kalle Kataila, Saana Wang, Simone Rosenbauer, Yann Amstutz, Margo Ovcharenko, Frederick Vidal, Yusuke Nishimura, SU Sheng, Tereza Vlcková, Radim & Barbora Zurek, Daniela Friebel, Sylvia Döbelt, Elisa Larvego, LIU XiaoFang, DI Liu, Lena Gomon, Jacinthe Lessard-L, Shimin Song, Catherine Rüttimann, David Favrod, Florian Joye, Nicolas Delaroche, David Molander, Anna Orlowska, SungHee Lee, Lina El Yafi, Sylwia Kowalczyk, Nick Graham, Geoffrey H. Short, Jennifer Osborne, Markus Klingenhäger, Janneke van Leeuwen, Salvatore Michele Elefante, David De Beyter, Maxime Brygo, Richard Kolker, Adrian Wood, Shane Lavalette, Robert Watermeyer, Agnes Eva Molnár, Kim Chang Kyun, Kristoffer Axén, Anna Beeke, Christine Callahan, Andrea Star Reese, Thibault Brunet, Audrey Guiraud, Grana Camila Rodrigo, Benjamin Beker, Joshua Bilton, Robin Friend, Agata Madejska, Regine Petersen, Jamie Tiller, Nicole Robson, Tehila Cohen, Ania Krupiakov, Ya'ara Oren, Ady Shimony, Ani Kington, Sophie T. Lvoff, Megumu Takasaki, Savas Boyras, Bogdan Andrei Bordeianu, Daniel Kaufmann, Tamara Zibners, Ivar Kvaal, Milo Newman, Eliza Jane Dyball, George Awde, Jen Davis, Dru Donovan, Richard Mosse, Sasha Rudensky, Ueli Alder, Claudia Hanimann

reGeneration2
TOMORROWS PHOTOGRAPHERS TODAY
Opening of the exhibtion and Nuit de lElysée

What are young photographers up to in the twenty-first century? How do they see the world? How much do they respect, build on, or reject tradition? As the digital revolution continues its relentless advance, demolishing longstanding practices in every domain of our field, curiosity builds as to how the new generation of photographers will operate. The reGeneration project the broadest and most enterprising survey of its kind set out in 2005 to discover answers to these intriguing questions, while revealing emerging photography in wide-ranging fashion. Following on from the success of this exhibition shown in ten different cities across North America, Europe and Asia, this second edition turns the spotlight on 80 up-and-coming talents from 30 countries.

The Musée de lElysée selected the most promising candidates from some 700 entries submitted by 120 of the worlds top photography schools. The curators tried to keep an open mind throughout the selection process, whether the photographers had chosen a documentary or an artistic approach, whether they worked with film or computer, and whether they supported their work with a detailed concept or preferred shooting spontaneously.
reGeneration2 showcases the inspiring creativity and ingenuity of photographers at the outset of their careers, as they navigate in the fast-moving currents of the second decade of the 21st century. It shows these young practioners focusing on major themes as diverse as the urban environment, globalization, issues of identity and memory, their use of hybrid techniques allowing them to obscure as never before the distinction between reality and fiction.

From early July the exhibition will also be presented in France at the Rencontres d'Arles, following which it will embark on an international tour in Cape Town, Milan and New York.

The project has been made possible through the support of Manufacture Jaeger-LeCoultre, Loterie Romande, Office fédéral de la culture OFC, Friends Circle of the Musée de lElysée, Fondation Leenaards, Ernst Göhner Stiftung, Pro Helvetia, Boner Stiftung für Kunst und Kultur, Minerva Kunststiftung, Uniquement vôtre and the Ecole hôtelière de Lausanne.

The exhibition, produced by the Musée de l'Elysée, was curated by William A. Ewing and Nathalie Herschdorfer, and is accompanied with a book published by Thames & Hudson (UK/France) and Aperture (USA).

reGeneration2 Photographes de demain
William A. Ewing et Nathalie Herschdorfer
Editions Thames & Hudson, Paris et Londres (2010)
224 pages, 208 illustrations. Editions française et anglaise

Fonte: photography-now.com

Sexta-Livre do Ateliê da Imagem com Tiago Santana

2010-6-18T09:44:38Z

O Projeto Sexta-Livre é organizado desde 1999 e tem caráter multimídia, reunindo diversas manifestações artísticas ligadas à fotografia, vídeo, cinema, música, performance, etc. Os eventos são abertos ao público e contam com projeções fotográficas, palestras e debates.

Nesta edição, dia 18 de junho, o Ateliê recebe Tiago Santana
Considerado um dos maiores documentaristas contemporâneos brasileiros, Tiago Santana vive no Ceará e atua desde 1989 como fotógrafo independente, desenvolvendo ensaios fotográficos pelo Brasil. Fundador da Editora Tempo d'Imagem (1994), especializada em livros de fotografia, foi contemplado com a Bolsa Vitae de Arte, Fundação Vitae (SP) em 1994 e o Prêmio Marc Ferrez de Fotografia, Funarte (RJ), em 1995, com o trabalho Benditos, cujo livro foi publicado em 2000 por sua editora. Em 2007 recebeu o Prêmio Conrado Wessel de Ensaio Fotográfico (SP), pelo ensaio O Chão de Graciliano, editado em 2006. Tiago tem seu trabalho publicado em jornais, revistas e livros no Brasil e no exterior e participado de importantes acervos e coleções de fotografia. Atualmente desenvolve projetos editoriais na Editora Tempo DImagem e é curador do IFOTO - Instituto da Fotografia em Fortaleza, Ceará - Brasil.

Fonte: www.ateliedaimagem.com.br/s_livre.php

Eduardo Sued @ Centro Universitário Maria Antonia

2010-6-17T14:27:54Z

Essa exposição é um resumo do trabalho recente de Eduardo Sued com obras que se estendem de 1998 a 2010, a maior parte inédita. Se a força da pintura contemporânea aquilo que poderíamos chamar de específico pictórico se expande e se dispersa em meios inusitados, às vezes muito distantes da tela esticada sobre o chassi, aqui ela se concentra na ação da tinta e do pincel e nem por isso abandona o desafio de buscar outros suportes. Mesmo nos desenhos, onde predominam o carvão e a colagem, assiste-se à presença do pintor.

E não é para menos; há mais de sessenta anos, Eduardo Sued, ao abandonar a Escola Nacional de Engenharia da Universidade do Brasil, hoje, UFRJ, havia tomado a decisão: ia ser pintor. Essa escolha é reforçada com a estada em Paris, de 1951 a 53, no contato com as obras geniais de grandes mestres, em particular com a de Picasso. Se esta passagem influencia o artista e deixa sua marca na obra até o final da década de 1960, a presença forte do construtivismo na melhor arte brasileira desse período contribui, a meu ver, para uma radical transformação na linguagem do artista. Desaparecem, não só as figuras, como o expressionismo planar derivado de toda a elaboração das lições anteriores. Inicia-se uma aventura inédita na história da pintura no Brasil que o coloca ao lado de Volpi, DaCosta e Maria Leontina, como portadores de uma poética original que não se conforma aos dogmas ditados por programas estéticos e fórmulas rígidas. A pintura se estrutura de dentro para fora, primeiro, nos anos 70, numa trama aparentemente simples, sem nunca abrir mão da presença do sujeito no ato pictórico. Testemunhava esse fato a presença do rodapé ou horizonte rebaixado, na soleira da tela, na qual as pinceladas em tons cinza permaneciam bastante evidentes em contraposição a toda superfície monocromática que dominava a quase totalidade da tela. Depois das contribuições neoconcretas este é o resultado digamos natural, seu desdobramento produtivo e a contracorrente de um tempo em que não só na arte se matava a pintura como na filosofia e nas ciências sociais se proclamava o desaparecimento do sujeito. Para o neoconcretismo, razão e construção não eram mais antípodas do sujeito e da, na época, problemática expressão. A obra de Sued, em todo seu percurso até hoje, é a demonstração e a materialização dessa possibilidade plena de exemplos para a arte contemporânea.
Acumulada essa experiência, uma mudança se faz presente, no início dos anos 80, ainda sem abrir mão das pinceladas discretas, quase invisíveis: a tela se organiza numa grade geométrica ocupada por cores saturadas em oposições cromáticas originais e inusitadas como ainda não se havia visto na pintura brasileira. A ordem racional e o estranhamento cromático levaram à inevitável associação às dissonâncias musicais da música serial e do jazz bebop, já popularizadas, aqui, na bossa nova. Mais do que uma espécie de atonalismo cromático, havia de fato uma série de cores que quase não se repetiam, organizavam e tencionavam o conjunto. Essa conquista, agora agitada pelas pinceladas expressivas, permanece até hoje; com variações é visível em várias pinturas nessa exposição e se encontra particularmente evidente na grande tela dominada pela cor vermelha (Sem título, 2010. Óleo sobre tela. 120 x 270 cm).

Na verdade, aqui, tudo é pintura, não importa sob qual forma essa se manifeste: em telas, colagens, objetos, como Sued prefere chamar as pinturas sobre madeira que exploram a terceira dimensão e adquirem volume, se agitam: avançam e recuam fisicamente da mesma forma que as superfícies das telas nos empurram para fora ou nos puxam para dentro jogando com nosso olhar. É nesse balanço entre razão rigorosa e impulso ao desequilíbrio, sem medo da corda bamba, que essa obra se constrói, e nos desafia no prazer de sua fruição.

Paulo Sergio Duarte
curador

Fonte: www.usp.br/mariantonia/

Events of the Self: Portraiture and Social Identity

2010-6-17T14:10:44Z

Sammy Baloji, Oladélé Ajiboyé Bamgboyé, Yto Barrada, Candice Breitz, Allan de Souza, Theo Eshetu, Rotimi Fani-Kayode, Samuel Fosso, David Goldblatt, Kay Hassan, Romuald Hazoumè, Pieter Hugo, Seydou Keita, Maha Maamoun, Boubacar Touré Mandémory, Salem Mekuria, Santu Mofokeng, Zwelethu Mthethwa, Zanele Muholi, James Muriuki, Ingrid Mwangi, Grace Ndiritu, J. D. 'Okhai Ojeikere, Jo Ractliffe, August Sander, Berni Searle, Malick Sidibé, Mikhael Subotzky, Guy Tillim, Hentie van der Merwe, Nontsikelelo "Lolo" Veleko, Bernd & Hilla Becher

The Walther Collection opens to the public on June 17th, 2010 with "Events of the Self: Portraiture and Social Identity," introducing works from its African collection. Under the curatorial direction of Okwui Enwezor the exhibition comprises a series of four projects filling all nine galleries in the three buildings of the new exhibition space in Burlafingen near Ulm, Southern Germany. The inaugural exhibition will be open every week from Thursday to Sunday by appointment only, please contact: info@walthercollection.com. Admission is free.

"Events of the Self: Portraiture and Social Identity" integrates the work of three generations of African artists and photographers with that of modern and contemporary German photography. This combination of African and German works will serve as a model for the kind of curatorial process that animates the character of the collecting program. In total, the exhibition presents 243 works by 32 artists. To support this curatorial vision, the galleries of the collection have been proportioned to respond to the different scales of photography and video and are distributed around three architectural typologies which house the exhibitions.

In The White Box a group exhibition of contemporary African artists working with photography, video installation, and slide projection will be on display: The works of artists like Yto Barrada, Romuald Hazoumè, Jo Ractliffe, Guy Tillim, Hentie van der Merwe or Samuel Fosso are organized around the issues of portraiture, portrayal, gender, performance, theatricality, and identity. A second floor gallery is dedicated to the work of Rotimi Fani-Kayode, showing a selection of the large color photographs of the late Nigerian-British artist, whose staged portraits of the 1980s explored issues of sexuality, eroticism, and identity.

A dual exhibition in The Green House focuses on portraiture and the idea of societal transition and social transformation. It features the magisterial and influential portraits of two modern masters: Seydou Keïta (Mali) and August Sander (Germany) and thus presents two contrasting moments of the twentieth century along with the cultural implications of photography in showing the changes these societies were undergoing while the portraits were being made. In both portrait series, the poses and gestures that the sitters adopt in front of the camera suggest the idea of the modern individual.

The Black House presents similar correspondences in the concepts of seriality and typologies in the works of Bernd and Hilla Becher (Germany), Malick Sidibé (Mali), and J. D. 'Okhai Ojeikere (Nigeria). Small selections from the series of black-and-white pictures of obsolete modern machinery by the Bechers, along with the severe black-and-white headshots by Ojeikere, in which he analyzes the subjects' hairstyles, and Sidibé's studio portraits of women and men photographed from the back, all provide a complement of both intuitive and formal approaches in the work of this generation of artists. Included in this group is Santu Mofokeng's The Black Photo Album / Look At Me: 1890-1950, a video slide presentation of archival photographs of working- and middle-class black people dressed in complete Victorian attire dating as far back as the 1890s. The piece examines the anthropology of portraiture, self-representation, and colonialism in nineteenth- and early-twentieth-century South Africa. It responds to the style of anthropological photographic documentations of Africans prevalent in the Victorian era, such as Alfred Martin Duggan-Cronin's photographic studies The Bantu Tribes of South Africa, a ten-volume work, which is presented for the first time here alongside Mofokeng's work.

Art Parcours

2010-6-17T12:38:55Z

With the new Art Parcours program at Art 41 Basel, the show positions contemporary art within the city of Basel in an unprecedented way, temporarily occupying iconic venues throughout the city's historic center.

For three successive nights, site-specific artworks and performances by 10 artists - John Bock, Angela Bulloch, Daniel Buren, Nathalie Djurberg and Hans Berg, Aurélien Froment, Ryan Gander, Damián Ortega, Martha Rosler and Cerith Wyn Evans - will transform a variety of unique locations in Basel. This array of high-caliber pieces, selected by Jens Hoffmann, Director of the CCA Wattis Institute, San Francisco, will engage both with today's Basel and with its long history, weaving artistic interventions into the fabric of the city. The venues are located in the historic center of Basel and include the Münster cathedral, the City Hall, the Natural History Museum, the old University, and a ferry boat traversing the Rhine, as well as various public spaces throughout the area.

The Art Parcours opening, held on Thursday June 17, will be by invitation only. The two other Art Parcours evenings Friday, June 18 and Saturday, June 19, 2010 will be open to the public for an entrance fee that allows access to all the venues.

Advance booking at www.artbasel.com/parcours. Starting Wednesday, June 16 tickets can be purchased at Box offices at Messeplatz, Halls 1 and 2; on Friday and Saturday, June 18 and 19 at Art Parcours Center at Pfalz on Münsterplatz.

Please find below a short description of each project:

John Bock "Der Seewolf," 2010, Münster Ferry Boat
John Bock will stage a new performance on the historic boats that have been ferrying passengers across the Rhine River since 1854. For his performance, which is based on the 1904 novel "The Sea-Wolf" by Jack London, Bock will adopt the persona of a ferryman. Bock's performance weaves together social, political and artistic commentaries that navigate into the unexpected.

Angela Bulloch "Night Sky: Mercury & Venus," 2010, Münster Cathedral
A specially commissioned version of Angela Bulloch's mesmerizing LED-powered lightbox mimicking a night sky will shine above the altar at Basel's Münster cathedral. Bulloch's piece reveals a wide "view" into the universe to the upward-gazing spectator.

Daniel Buren '"Colors on the Rhine" work in situ 2010. Basel CH', Old University
Daniel Buren's installation is sited at the Alte Universität of Basel, the oldest university in Switzerland, located in the historic heart of Basel. Buren's installation will transform the windows of the university's facade with a checkered grid of colored transparencies, which after dark will be lit from within, projecting light rays into the night.

Nathalie Djurberg and Hans Berg "Of Course I'm Working with Magic," 2010, Natural History Museum, Storage Cellar
Nathalie Djurberg will present a claymation video in the storage cellars of the Natural History Museum of Basel, accompanied by a live soundtrack created by Hans Berg. Amidst the stuffed animals, protruding horns and natural oddities stored in this basement, Djurberg will also screen a selection of her hand-modeled animations featuring animal characters.

Aurélien Froment "The Fourdrinier Machine Interlude," 2010, Mentelin Hof, E. E. Zunft zu Weinleuten
Aurélien Froment will premiere a new documentary film, specially commissioned on occasion of Art Parcours. The film revolves around the invention and production of paper in Basel, and will be narrated in German, English and French dubbed over each other, creating an unintelligible cacophony of words.

Ryan Gander "Loose Associations 1.1," 2002, "Loose Associations 2.1," 2003, Natural History Museum, Auditorium
Ryan Gander will perform a series of "Loose Association Lectures" in the lecture hall of the Natural History Museum of Basel, which is decorated from floor to ceiling with portraits of famous Swiss scientists and academics. Unlike these scientists, who are celebrated for their use of logic, Gander seemingly defies reason in his ongoing series of public speeches.

Damián Ortega "New Balance," 2010, City Hall, Court Yard
Damián Ortega will create an installation in the interior courtyard of the Town Hall, the seat of the city government, dating back to the 14th century. Within this political and judicial nexus, Ortega will install a monumental sculpture of the Goddess of Justice flanked by a three-armed scale, upon which the public can step in an attempt to reach equilibrium.

Martha Rosler "Fair Trade Garage Sale," 2010, Museum of Cultural History
Martha Rosler recreates her seminal performance and installation work "Garage Sale," adapted specifically for Art Parcours and presented at the Museum der Kulturen. "Fair Trade Garage Sale" takes its inspiration from the American "garage sale," where one person's junk is another person's treasure. Everything is for sale, and prices can be negotiated with the artist, who will be present. All proceeds of the sale will be donated to a local charity.

Cerith Wyn Evans "Paysage fautif (Wayward Landscape)," 2010, On the Rhine at the Mittlere Rheinbrücke
Cerith Wyn Evans will create a firework display on a floating platform in the Rhine, adjacent to the oldest bridge in Basel, the Mittlere Rheinbrücke. Wyn Evans' firework pieces are wooden structures that spell out enflamed quotes burning over a specified period of time. The piece presented in Basel will be new and site-specific.

Fonte: e-flux newsletter

Basquiat @ Foundation Beyeler

2010-6-17T12:19:40Z

The art of Jean-Michel Basquiat (1960-1988) possesses the same intensity and energy that marked his brief life. The artist star died on August 12, 1988, at age 27, of a drug overdose. In the space of only eight years he had succeeded in creating an extensive oeuvre and introducing new figurative and expressive elements into contemporary art.

On the occasion of his fiftieth birthday, the Fondation Beyeler is devoting the first large exhibition ever held in Europe to this outstanding American draftsman and painter. Comprising over 100 works, it traces Basquiats unique artistic development and reflects his place in art history. Conceived as a retrospective, the exhibition also enables a rediscovery and re-evaluation of one of the most fascinating personalities in the history of recent art.

EARLY WORKS

In the late 1970s, at age 16, Basquiat began to spray aphoristic graffiti on Manhattan walls under the pseudonym of SAMO©. The sale of homemade postcards and painted T-shirts provided a source of income. Basquiats breakthrough as an artist came with his prominent participation in New York/New Wave, a show at the already legendary P.S. 1, which opened in February 1981 and included prestigious artists like Keith Haring and Robert Mapplethorpe.

WARHOL / BASQUIAT

In 1983, Basquiat became a close friend of Andy Warhol, whom he greatly admired, and the following year brought a fruitful collaboration between the two. While Warhol, inspired by the younger artist, returned to his beginnings in painting around 1960, Basquiat began to immerse himself in the silkscreen technique introduced by Warhol. Basquiat abruptly ended the cooperation with Warhol in 1985, after a show of joint works was negatively received by the critics. Their friendship suffered from this fiasco as well. Still, Basquiat was deeply affected by Warhols death, on February 22, 1987.

LATE WORKS

The years 1986-88 marked the final phase of Basquiats career, in which he developed an innovative form of figuration and considerably expanded his repertoire of sources, symbols and content. The works of this period are characterized by an alternation of sheer emptiness with an abundance seemingly dictated by a horror vacui. In his final works, Basquiat increasingly concerned himself with the subject of death.

Anna Mariani @ Instituto Moreira Salles

2010-6-17T11:15:13Z

De 17/6 a 1/8/2010, o IMS-SP apresenta a exposição Anna Mariani: pinturas e platibandas, com 24 imagens de fachadas feitas pela fotógrafa em sete estados do Nordeste do Brasil: Ceará, Rio Grande do Norte, Paraíba, Pernambuco, Alagoas, Sergipe e Bahia. Com curadoria do crítico de arte Rodrigo Naves, trata-se da seleção das mais de 2 mil fotos de platibandas que a fotógrafa fez na região entre os anos de 1976 e 1987.

As imagens foram mostradas pela primeira vez em 1987, na XIX Bienal Internacional de São Paulo. Depois disso correram o mundo passaram pela França, Alemanha, Finlândia, entre outros países e praticamente não foram mais vistas no Brasil. As fachadas são sempre mostradas em um ângulo frontal, sem a presença de pessoas e interferência da paisagem. Para Rodrigo Naves, a inexpressividade voluntária das imagens se refere a uma existência de pouca complexidade e de relações diretas entre os homens e deles com a natureza, com tudo que essa vida tem de harmonioso e, por outro lado, de limitador.

As pinturas à base de cal dessas casas, elaboradas sobre fachadas e platibandas, é resultado da transparência e da luminosidade que só é possível graças às práticas tradicionais de caiação, técnica que aos poucos tem sido substituída por novos materiais e processos sem as mesmas características.

Palelamente à exposição, o IMS lança uma nova edição revista e ampliada pela própria autora do livro Pinturas e platibandas, publicado originalmente em 1987, com textos de Ariano Suassuna, Caetano Veloso e Jean Baudrillard.

Sobre Anna Mariani

Nascida no Rio de Janeiro, em 1935, estudou fotografia com Claude Kubrusly, Cristiano Mascaro e Maureen Bisilliat. A partir da década de 1970, viajou ao Recôncavo Baiano para documentar a paisagem, as manifestações culturais e o trabalho feminino em atividades tradicionais. Em 1987 publicou a primeira edição do livro Pinturas e platibandas. Em 1992, publicou Paisagens, impressões O semi-árido brasileiro, no qual reúne fotografias de paisagens nordestinas realizadas ao longo de três décadas, que registram a escassez de recursos e também a diversidade de formas da vegetação e das paisagens desses lugares.

Fonte: http://ims.uol.com.br/Cinema/D17/P=328

Maureen Bisilliat Fotografias

2010-6-17T11:14:08Z

De 2/3 a 4/7/2010, o IMS e o Sesi-SP promovem a exposição Maureen Bisilliat: fotografias, na Galeria de Arte do Sesi-SP. Nela foram reunidas cerca de 200 imagens editadas e selecionadas, com a colaboração dos curadores do Instituto, pela fotógrafa inglesa radicada no Brasil. Entre seus ensaios mais conhecidos estão os que retratam o universo de Guimarães Rosa, os índios do Xingu e os sertões de Euclides. A mostra também abrange os ensaios Pele Preta, Romeiros e as viagens ao altiplano boliviano, à China e ao Japão.

O visitante poderá também confrontar a produção fotográfica que pertence ao Instituto desde 2003 e pode ser em parte acessada em site especial e editorial de Maureen Bisilliat. A curadoria apresenta tanto a fotógrafa como a editora de imagens e textos reunidos nas diversas publicações que produziu ao longo da carreira.

Esta mostra, que ficou em cartaz no IMS-RJ até janeiro, chega a São Paulo mais extensa. Alguns ensaios ganharam novas imagens, como Pele preta, composto por fotografias feitas quando Maureen, ainda estudante, frequentava ateliês de modelo vivo. Também ganhou volume a série dedicada aos romeiros. Há também ensaios inéditos: Chorinho doce, por exemplo, tem fotografias feitas em grande parte no Vale do Jequitinhonha e inspiradas nos poemas de Adélia Prado.

Fonte: http://ims.uol.com.br/Cinema/D17/P=275

As it may be Maura Sullivan

2010-6-17T11:04:29Z

MAURA SULLIVAN
As it may be

A little girl stands in the forest, listening to the sound of the wind in the trees. Why? Is she waiting for her father to come home? Did her sister call her there?

This is; As it May be.

A solo-exhibition with photographs from the New York- based artist, Maura Sullivan (1971). Sullivan makes short movies in a single photograph. You can search for the meaning, the words, the tension, to try to explain the story. But not searching for a deeper meaning will still leave you with beautiful, well styled, photography. The beauty is in the restraint: the images reveal enough to draw you in and withhold enough to make you curious. Sullivan is intrigued with dreams, a longing for the past and the tension of the moment in between, when something is just about to happen or right after.

Sullivan started her artistic career exploring writing and drawing and furthered her studies in photography at the International School of Photography in New York City.

Sullivan is also a freelance art director for film and print. All of these elements combined create exciting unexpected compositions and result in wonderful pieces of art.

Sullivan prefers the hands-on approach of working in the darkroom, were she can draw with light. The silver gelatin prints are printed on fiber matte paper. Each print has a painterly quality revealing subtle details of film grain as well as great depth and contrast.

Sullivans work is part of the permanent collection of the Museum of Fine Arts, Houston and is widely exhibited in both solo and group exhibitions in New York, Connecticut, Oregon, Washington, Texas, Poland and Turkey. Her Photographs have been published in Shots Magazine, Private- International Review of Photographs, Antiques weekly, Fotoritim, Artist Actual, RH + Sanart, The Sun and New York Magazine.

Kahmann Gallery welcomes you to view a selection of 30 silver and digital archive prints made between 2000 2010.

Fonte: photography-now.com

Have you ever really looked at the sun?

2010-6-17T10:51:42Z

Haunch of Venison Berlin is delighted to announce 'Have You Ever Really Looked at the Sun?' a two person exhibition by American artist Michael Joo (b.1966) and British artist Damien Hirst (b.1965). The exhibition opens on 1 May and continues through 14 August 2010.

'Have You Ever Really Looked at the Sun?' is a unique collaboration between the two artists, who met in Cologne in 1991 and have remained close friends since that time. Engaged in a continuous, twenty-year discourse about their individual artistic practices, this marks the first time Joo and Hirst have worked together to realise a full-scale joint exhibition. 'Have You Ever Really Looked at the Sun? 'will feature new, especially conceived sculptures and installations, as well as seminal paintings and sculptures from Joo and Hirst.

Since gaining international attention after showing in the exhibition 'Some Went Mad, Some Ran Away' at the Serpentine Gallery in London in 1995, Joo has employed a highly personal language in the creation of his art to express ideas about identity, nature and the body. In key works like 'Improved Rack (Elk #18) (2010), a wall-mounted sculpture of elk antlers Joo plays on the traditional presentation of the hunter's trophy by cutting the antlers into segments and extending them with metal rods. Other major works are a painted pink, bronze life-size sculpture of a zebra, Doppelganger (Pink Rocinante) (2009) and a new group of colorful paintings of quartz crystals on shaped aluminum panels. Joo will also premier a sculptural homage to Martin Kippenberger involving a framework of ice and prehistoric Irish Elk antlers.

In dialogue with Joo's works, Hirst brings together signature sculptures and paintings for which he has become known. Included in the exhibition are 'The Incredible Journey' (2008), a zebra suspended in formaldehyde in a white painted steel tank and 'The Black Sheep With The Golden Horns' (divided) (2009), another major formaldehyde work shown here for the first time. Also on view are Har Megiddo (2008), a monumental circular fly painting as well as The Dark Continent (2010), a stainless steel medicine cabinet stacked with black pills, behind glass.

Fonte: www.haunchofvenision.com

Anselm Kiefer @ Yvon Lambert Paris

2010-6-17T10:51:10Z

ANSELM KIEFER
Unfruchtbare Landschaften

Yvon Lambert, Paris 19 May 26 June 2010
Among the works to be exhibited at Galerie Yvon Lambert are a number that were conceived in around 1969, when the artist was 24 years old, including For Genet, The Flooding of Heidelberg and Heroic Symbols. These pieces take the form of strange books on cardboard in which he stuck photographs, watercolours and dried flowers. Even in these early years Kiefer had begun to write down names from his strange, obsessive pantheon. Here, for example, Genets name appears with those of Wagner, Beuys and Joan of Arc. These enigmatic clues seem to have been scattered among clichés that are both provocative and disturbing. It is well worth deciphering them and placing them in the context of Kiefers art generally, with all its extremes and gigantic scale.
Today, it is indeed important to return to these books which recall some of Kiefers very daring interventions. They constitute views or visions, images heavily freighted with memories and symbols, but submerged in blackness, and also self-portraits of the young artist incongruously dressed in a nightshirt or woollen robe, or making the Nazi salute in grandiose or ridiculous settings. At the time, he had taken on the solitary task of what he called the occupation of significant spaces a dark, gratingly ironic gesture that, like the clichés themselves, provoked a scandal. The works were misunderstood, or met with shocked
incomprehension, even in the most radical artistic milieus: critics at the time simply could not accept Kiefers pathetic and provocative questioning.
Seeing these strange books made some forty years ago now, all those who thought they knew Anselm Kiefer from those huge canvases loaded with paint or lead forming images of a chaos or unnamed disaster over which pass rusting fighter planes or warships on the verge of sinking, all those who, when they think of Kiefer, picture that sooty or chalky handwriting on canvas, amidst straw, hair and stars, those words plucked from the poems of Paul Celan, from Ingeborg Bachman, the Song of Songs, the Jewish Kabbala or the Bible, all those who picture imperial buildings self-destructing and collapsing into a pile of bricks, shards of glass and rubble that spread to meet the viewer, all those who see the fires on the snow, all those who are still haunted by the dream or the nightmare of plaster queens or brides with barbed-wire faces, and all those who remember the landscapes covered with books, whether those books are painted, sculpted or made of folded lead, raised in Babel-like libraries or burned, charred as if by the breath of a dragon from the Song of the Nibelungen all those who know Kiefers art will have to admit that, from the very start, the unnameable and subtle substance that, like grey blood, irrigates all his works, from his earliest interventions or installations to the most recent, internationally acclaimed works, that this blood is called, not History, nor even the past that will not pass, nor even the destiny of Germany; that it is called Tragedy. A tragedy which goes beyond any words that may be found to articulate, explain or transcend it, or even to allow the belief in a fresh start afterwards.
For after the tragedy is another myth. The human tragedy continues and will continue to haunt Europe and therefore the world, and therefore Art, when in its disquiet, it attempts, by twisting and braiding them together, to mobilise the deepest poetic and mythological culture and the boldest plastic and pictorial work, in rusty reds and yellow-browns, blacks, greys, dashes of white and blue, dust and ashes. The persistence of disaster. With Kiefer we learn that the extent of the disaster cannot be measured, only exposed and exhibited.
Pierre Péju

On the occasion of this exhibition Yvon Lambert is publishing a catalogue with an essay by Pierre Péju.

Fonte: www.yvon-lambert.com/main.php?EXPO=now

Fotojornalismo, que futuro?

2010-6-17T09:48:08Z

No âmbito de "O Chiado vai ter a maior exposição do Mundo", a 4SEE e a Kameraphoto vão estar presentes no colóquio "Fotojornalismo, que futuro?" a realizar dia 17 de Junho na FNAC Chiado, pelas 19h.

Pela 4SEE estarão presentes Luís Filipe Catarino, um dos fotógrafos fundadores da agência e, Peter Pereira, fotojornalista luso-americano com uma vasta experiência e trabalhos publicados internacionalmente.

Representando o colectivo Kameraphoto estarão presentes Céu Guarda, fotógrafa e editora, bem como João Pina, repórter fotográfico vencedor de vários prémios, e com reportagens publicadas em inúmeros meios de destaque.
Os quatro discutirão as novas realidades da profissão e os desafios que o fotojornalismo tem pela frente.

Photography Auction - VAN HAM

2010-6-16T13:19:26Z

A Deeper Look into Décolleté

On June 16, 2010, VAN HAM is pleased to again be offering nearly 300 historical, classical and contemporary photographic works at auction. With Albert Renger-Patzschs iconic Das Bäumchen, VAN HAM once again defends its position as the leading auction house for this artist on art markets worldwide (lot 101, estimate: 12,000-14,000). A further highlight is a portfolio of ten dye transfers by Erwin Blumenfeld (lot 17, estimate: 18,000-20,000). His well-known print Décolleté from the 1950s presents particular insight. Among the notable contemporary works are two gelatin silver prints by the Japanese artist Hiroshi Sugimoto (lot 149/150), estimates: 9,000-10,000.

Classical modern photographers have traditionally constituted the finest offerings in VAN HAMs photography auctions. August Sanders great oeuvre is richly represented by original prints ranging from the 1910s to the 1950s (lots 125-132). Several vintage prints from his great work of portraits Menschen des 20. Jahrhunderts are particularly stunning. These include the architect Prof. F.A. Breuhaus from 1929 (lot 128, estimate: 6,000-8,000) and Der Hausarzt from 1906 (lot 125, estimate: 3,000), as well as three works from 1928: Sänger und Schauspieler (Leonardo Aramesco) (lot 126, estimate: 3,500), and Junglehrer (lot 127, estimate: 3,500). The large-format and impressive Winkeladvokat from 1952 was printed by Sander himself (lot 152, estimate: 5,000).

Works by Albert Renger-Patzsch have achieved top, attention-grabbing prices at VAN HAM in recent years. This spring seasons photography sale is no exception: several impressive works by the Master are being offered (lots 98-110, 264). The print Das Bäumchen from 1929 unquestionably the most sought-after icon of early artistic photography is a particularly beautiful work printed the same year the negative was made, or shortly thereafter (lot 101, estimate: 12,000-14,000). Alongside several natural and landscape motifs from the 1920s to the 1950s (lots 98, 101-105, estimates: 1,200-3,000), several standout original prints of industrial scenes of the 1920s should also be emphasized (lots 99, 100, 102-104, estimates: 1,800-3,500).

One of the most breathtaking exposures undoubtedly reaches back to Man Ray. In 1929, the artist captured a striking image of a bullfight. The atmospheric vintage print recalls certain works by Picasso, and is being offered for 3,500 Euros (lot 91).

An entire section of the auction has been dedicated to a notable show of architectural images by famous Cologne photographers (lots 160-198). Original prints by Werner Mantz (estimates up to 2,000) and Karl and Hugo Schmölz (estimates up to 2,200) recall multiple, long-forgotten buildings in prewar-Cologne.

Amongst photographic works of the 1920s-1950s, a large-format portrait of Marlene Dietrich, taken by Erich Salomon in 1930, stands out (lot 124, estimate: 2,000). A large-format still life by Emmanuel Sougez from the 1930s is estimated at 2,500 Euros (lot 140). In 1955, Jacques-Henri Lartigue created an expressive portrait of Pablo Picasso (lot 87, estimate: 3,000). The work of French photographer Henri Cartier-Bresson is also well-represented by several original prints from the 1950s and 1960s (lots 24, 25, estimate: 2,000-3,000).

American photographers are represented with many impressive examples in the medium. Above all, one must mention Harold Edgertons works, which exemplify how he studied and captured movement with special photographic techniques (lots 35-39, estimates: 1,800-11,000). Two vintages by Bruce Davidson show Marilyn Monroe with Yves Montand in Paris, 1960 (lots 31, 32, estimates: 2,500-3,000).

The large-format prints by Andreas Feininger lead us back to the pulsating New York of the late 1940s. Amongst several prints, his image of the overfilled beach scene Coney Island is most captivating (lot 44, estimate: 2,000-4,000). Arno Fischer, to whom a notable exhibition in the Bundeskunsthalle Bonn was dedicated, saw New York and its Statue of Liberty in 1984 (lot 49, estimate: 1,400).

An outstanding portfolio with ten beautiful dye transfers by Erwin Blumenfeld is estimated at 20,000 Euros (lot 17).

Contemporary photographers are largely represented by works from Düsseldorfs Becher School. Features in this section include works by Andreas Gursky (Ratingen, 1984, lot 54, estimate: 9,000), Candida Höfer (lots 67, 68, estimates up to 3,200), as well as Thomas Ruff (lot 123, estimate: 2,200). Two gelatin silver prints by Japanese artist Hiroshi Sugimoto are estimated from 9,000 to 10,000 Euros (lots 149,150).

With this years Spring Photography Auction, VAN HAM Kunstauktionen underlines its exceptional position in the German auction market.

List of the artists:

Andriesse, Emmy | Arndt, Gertrud | Auerbach, Ellen | Balzer, Gerd | Batz, Eugen | Bauhaus, | Baur, Max | Bayer, Herbert | Bayer, Irene | Beard, Peter | Becher, Bernhard und Hilla | Bergemann, Sibylle | Bernhard, Ruth | Berssenbrugge, Henri | Besnyö, Eva | Blakemore, John | Blum, Günter | Blumenfeld, Erwin | Borodulin, Lev | Bot, Katt | Bothner, Robert | Brouws, Jeff | Buchwald, Kurt | Callahan, Harry | Capa, Robert | Cartier-Bresson, Henri | Clausen, Rosemarie | Clergue, Lucien | Coburn, Alvin Langdon | Collein, Edmund | Coppola, Horacio | Davidson, Bruce | Demand, Thomas | Doisneau, Robert | Edgerton, Harold E. | Ehrhardt, Alfred | Ehrlich, Franz | Erfurth, Hugo | Erwitt, Elliott | Evans, Walker | Feininger, Andreas | Feininger, T. Lux | Feist, W. David | Fischer, Arno | Fitz, W. Grancel | Flach, Hannes Maria | Förg, Günther | Frith, Francis | Funkat, Walter | Gelpke, André | Giacomelli, Mario | Gidal, Tim | Gloeden, Wilhelm von | Gundlach, F.C. | Gursky, Andreas | Gütschow, Beate | Hajek-Halke, Heinz | Hallensleben, Ruth | Hamilton, David | Harvey, Harold L. | Häusser, Robert | Henri, Florence | Herzog, Klaus | Hill, Paul | Höfer, Candida | Holtappel, Rudolf | Höpker, Thomas | Jaeggi, Hugo | Jeiter, Joseph | Jones-Griffiths, Philip | Kanner, Chaim | Karsh, Yousuf | Keetman, Peter | Kertész, André | Kilian, Hannes | Kisselbach, Theodor | Klemm, Barbara | Körner, Gisbert | Köster, Arthur | Kreyenkamp, August | Kühn, Heinrich | Kukies, Erich | Lartigue, Jacques Henri | Lauterwasser, Siegfried | Lazi, Adolf | Lempert, Jochen | Leuzinger, Georges | Lieck, Franz | List, Herbert | Loew, Heinz | Mahler, Ute | Man Ray , | Mantz, Werner | Mau, Leonore | Meier, Günter | Mender, Mark | Moholy, Lucia | Morath, Adolf | Muche, Georg | Mylius, Carl Friedrich | Newton, Helmut | Pabel, Hilmar | Pap, Gyula | Pavlovskij, Innokentij Ignatjevic | Peter sen., Richard | Peters, Karl | Powolny, Frank | Rankin Wadell, John | Renger, Sabine | Renger-Patzsch, Albert | Riboud, Marc | Riebicke, Gerhard | Riefenstahl, Leni | Rodtschenko, Alexander | Rohde, Werner | Ronis, Willy | Ronkholz, Tata | Rössler, Jaroslav | Rose, Hajo | Ruff, Thomas | Saab, Karim | Saebens, Hans | Salomon, Erich | Sander, August | Scheler, Max | Scherer, Kees | Schmieding, Friedrich | Schmitz, Anselm | Schmölz, Hugo | Schmölz, Karl Hugo | Schneiders, Toni | Schulze, Hans J. | Seymour, David | Siskind, Aaron | Socias, Antoni | Sougez, Emmanuel | Springfield, Cooley of | Stam-Beese, Lotte | Stern, Bert | Stern, Grete | Stone, Cami oder Sasha | Straub, Karl | Strömholm, Christer | Struss, Karl | Strüwe, Carl | Sugimoto, Hiroshi | Sutkus, Antanas | Tillmans, Wolfgang | Tobias, Herbert | Vogel, Walter | Windstosser, Ludwig | Wolff, Paul & Tritschler | WOLS

Fonte: photography-now.com

your life is global. sothebys.com is mobile

2010-6-16T12:05:24Z

Sothebys understands that your life, like our business, is global. We understand your passion for collecting is not confined to a time zone or a desk. Now you are able to access sothebys.com on your mobile device, no matter what device you use or where you are in the world. We invite you to experience the superior functionality of sothebys.com.

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Young collector plans social space in Paris

2010-6-16T12:03:51Z

French collector Steve Rosenblum has come to Art Basel to meet dealers and spread the word about his newest venture. Following five years of contemporary art acquisition, the collector, and his wife Chiara, are opening a 15,000 sq. ft public exhibition space in Paris this autumn designed to be the anti-white cube, he says. Rosenblum Collection and Friends takes inspiration from existing private collection spacesincluding Miamis Rubell Family Collection and Berlins Hoffmann Sammlung. The collection includes 120 pieces by 35 artists including Matthias Bitzer, Kelley Walker, Barbara Kruger and Matthew Day Jackson. The space will resemble a home with living and dining rooms, library, kitchen and playroom for children. They will host dinners and educational events and encourage visitors to bring their children.

We want people to spend the day there, said Rosenblum. The goal is to allow a more intimate connection with the artists. Artists have been invited to share their own books, CDs and movies which will be displayed in a library. Artists will also display their childhood possessions in the playroom. These cultural hints help you to make new bridges between you and the artists, said Rosenblum.
Rosenblum, 36, the founder of the e-commerce website Pixmania, is developing a website for visitors to connect as friends, taking a cue from Facebook and other online social networks. We will try to achieve connections between people on the website and in the physical space, says Rosenblum.
The Rosenblums previously collected African masks, textiles and musical instruments but began focusing on contemporary art in 2005. The couple have been acquiring work across media, especially painting and installation.
The venue, a former photographic lab in the 13th arrondissement, will open on 20 October during Fiac. The space will be open during the run of the fair and then by appointment. The first show, Born in Dystopia, will focus on politically themed works and include Swiss artist Christoph Büchels 2006 container piece AKE 0489 PE.
...while Hirst bids to open a London gallery
Damien Hirst is one of three contenders shortlisted to open a gallery in Londons Kensington Gardens. The artist submitted a proposal to the Royal Parks with architect Mike Rundell to transform an old munitions store into a space for art from Hirsts collection, which includes work by Bacon, Warhol and Jeff Koons. The gallery would also display Hirsts diamond skull, For the Love of God, 2007, which visitors would have to pay to see. A Royal Parks spokesperson told The Art Newspaper the winning bid will be announced shortly. However, Rundell told the London Evening Standard that they may have been outbid: Our proposal is still under discussion, but there seems to have been a considerably higher financial bid. C.R.

Fonte: www.theartnewspaper.com/articles//21069

MoMA's Annual Premiere Brazil! Film Festival Returns this July

2010-6-16T11:41:05Z

NEW YORK, NY.- The eighth annual Premiere Brazil! film festival, a collaboration between The Museum of Modern Art and the Rio de Janeiro International Film Festival, introduces New York audiences to original and accomplished recent work by both new and established Brazilian filmmakers. All of the new films being presented this year11 features and four shortsare New York premieres, and first screenings will be introduced by the filmmakers. Also featured are two classic films from the 1970s by Carlos Diegues. Screening at MoMA from July 15 through 29, Premiere Brazil! is organized by Jytte Jensen, Curator, Department of Film, The Museum of Modern Art; and Ilda Santiago, Director, the Rio de Janeiro International Film Festival.

This years festival opens on Thursday, July 15, at 8:00 p.m., with the New York premiere of Lixo extraordinário (Waste Land) (2010), directed by Lucy Walker and co-directed by João Jardim and Karen Harley. This documentary follows contemporary artist Vik Muniz as he creates a recent series of portraits of people who subsist on the recyclables they scavenge from the worlds largest landfill, Jardim Gramacho, outside Rio de Janeiro. The film explores the emotional journey of his three-year collaboration with the catadores, the inhabitants of this trash city, who pick through the refuse, saving books for a local library, salvaging edible meat, and gathering the objects that Muniz then uses to create their likeness.

A number of evocative new works deal with the collision of modern lifestyles, urban expansion, and the force of nature in the vast Brazilian landscape. For example, Maya Da-Rins beautifully photographed Terras (Lands) (2009) takes place on the shared border of Brazil, Colombia, and Peru, where an island surrounded by the immense Amazon rainforest is populated by both indigenous people and urbanites. Ana Maria Magalhães's documentary Reidy, a construção da utopia (Reidy, Building Utopia) (2009) focuses on architect and urbanist Affonso Eduardo Reidy, who turned Rio de Janeiro into a modern city with such projects as the Museum of Modern Art and the Flamengo Embankment. In Marcelo Gomes's ingenious and original blend of fiction and documentary, I Travel because I Have To, I Come Back because I Love You (2009), a geologist travels into the scrublands of northeastern Brazils Sertão region to ascertain possible routes for a new canal, and ends up discovering his own limits.

This years classics selection, dedicated to the continued preservation and celebration of the legacy of the influential Cinema Novo movement, features new prints of two of Carlos Dieguess seminal films from the 1970s. A restored print of Xica da Silva (1976), courtesy of Cinemateca Brasileira, São Paulo, offers a romanticized retelling of the true story of an African slave who became the lover of a Portuguese royal agent in the diamond-mining state of Minas Gerais. Also screening is Dieguess Bye Bye Brasil (1979), in which a traveling sideshow made up of a magician, a strongman, and an exotic dancer stops in rural villages hoping to mesmerize the townspeople out of their money.

Other highlights of the festival include a film by first-time director Esmir Filho, Os famosos e os duendes da morte (The Famous and the Dead) (2009), which is set in rural Brazil, and follows a teenage Bob Dylan fan who reaches out to the world through the Internet while coping with traumatic memories of loss and death. Comic relief comes in the form of Anna Muylaerts É Proibido Fumar (Smoke Gets in Your Eyes) (2009), a wacky and charming film about a chain-smoking woman who finds loveand other excitementwhen a bachelor moves into the empty apartment next to her. The inspired Dzi Croquettes (2009), directed by Raphael Alvarez and Tatiana Issa, follows the infamous titular Brazilian dance-theater group at the heart of the 1960s Tropicália cultural movement. The group used imagination, irony, and humor to confront Brazils violent dictatorship, and in the process revolutionized the nations gay rights movement and changed the language of theater and dance for a generation.

Fonte: www.artdaily.org

Bob Wolfenson - Apreensões @ Centro Universitário Maria Antonia da USP

2010-6-15T13:22:39Z

Bob Wolfenson - Apreensões

Para elaborar esta série de fotografias, Bob percorreu diversos lugares do País. A opção de realizar a empreitada através de um sistema digital de alta definição, conhecido como varredura, visa sobretudo dar alcance ao observador de detalhes não revelados nos registros que normalmente o assunto suscita nas publicações em geral. Segundo o artista, ao reparar no que a imprensa divulga a respeito de flagrantes de materiais apreendidos, resolvi desenvolver um trabalho que valorizasse o que essas ocorrências têm de mais simbólico e de mais profundo naquilo que dizem sobre uma época e um lugar.
Fonte: canalcontemporâneo.art.br

Apreensões por Carlos Nader:

Ao fotografar objetos e animais apreendidos pela polícia, Bob Wolfenson escancara um fundamento central da arte de capturar imagens. Ele nos lembra que a própria fotografia é em sua essência também uma apreensão, uma captura. E quando nos coloca como espectadores diante de uma dessas apreensões duplicadas, o fotógrafo abre um estimulante jogo metalingüístico de reflexos. Apreendemos aquilo que ele apreendeu do que foi apreendido. Apreendemos exponencialmente.

Uma arte que reflete sobre a sua própria essência nos leva a refletir sobre a nossa. Ainda que diga algo de muito relevante sobre uma sociedade cingida pelo crime ou sobre uma época superlotada de mercadorias, o ato de retratar armas confiscadas, celulares contrabandeados e animais silvestres engaiolados vai além da idéia de denúncia social. Recapturada, cada uma dessas assemblagens provocadoras, tendo sida antes ready-made por um homem da lei e depois shot por um homem da luz, constitui uma obra autônoma que penetra individualidades. E como toda experiência artística transformadora, contém um grau benigno de ameaça à segurança privada.

Neste tiro essencialista, Wolfenson ainda expande o conceito de um gênero tradicional das artes visuais. A natureza morta. A alma dos still-lifes de alta definição e alta periculosidade está impregnada tanto de natureza (a humana) quanto de morte (idem). Esta polaridade alternada energiza não só os objetos inertes da imagem exposta mas também as imagens internas da nossa mitologia pessoal. Somos impelidos a imaginar as estórias que a muamba sonega. Quem a concebeu? De onde veio? Para onde ia? Estas questões sempre seminais colocam em movimento os textos que constituem nosso sistema operacional íntimo, os mitos que formam nossa visão de mundo. E o ciclo de capturas proposto por Bob Wolfenson se revela liberador.
Fonte: http://mariantonia.locaweb.com.br/prog/expo/2010/c2/expo_e5.html

Unseen Images of Marianne Faithfull by Dennis Morris at Snap Galleries

2010-6-15T12:54:40Z

LONDON.- Its always extremely exciting for a gallery to be involved in bringing work to the art market for the very first time, particularly when the images in question feature Marianne Faithfull, captured on camera by renowned photographer Dennis Morris. Dennis photograph of Marianne shading her eyes, with a cigarette in hand, appeared on the cover of one of her most important albums, 1979s Broken English. For 30 years, the bulk of the photographs from that session have never seen the light of day. The session is a complete revelation, with Morris capturing a series of portraits of the chanteuse that capture her at a vital time in her career, on the brink of major critical acclaim.

Dennis Morris started his photography career at an early age: he was just eleven when one of his photographs was printed on the front page of the British national newspaper The Daily Mirror. In 1976 he was a hungry young photographer with big ideas. Photography was his world. To say it saved his life would not be an exaggeration. It was while bunking off school to wait for Bob Marley to arrive for a soundcheck at the Speak Easy Club in London that Dennis career really began. The photographs he shot that day of Bob Marley and The Wailers became famous the world over. Sex Pistols frontman Johnny Rotten was a huge reggae fan, and personally requested Dennis to make the first official photographs of the Pistols.

By 1979, Morris was on the lookout for new opportunities. A major challenge came in the form of a job offer from Island Records. Dennis recalls: I had just accepted the post as art director with an A+R capacity, a first in the industry. Chris Blackwell, owner and founder of Island Records, offered me the job. My early signings included The Slits and Linton Kwesi Johnson, I also did all the photography and design for LKJs albums. I didnt really want the job, but Chris was very persuasive.

In 1979 Island had just signed Marianne Faithfull, Broken English was to be her label debut LP. When Morris heard the album, he was blown away by its lyrical rawness and Mariannes sultry, seductive voice. Island were searching for an image for the album cover that would be as arresting as the album. They brought in the big guns of the time: David Bailey, Barry Lategan and Clive Arrowsmith, but no-one produced the shot. Dennis recalls: I kept asking to do a shoot but the answer was always no. Its too big, you havent settled in came the reply. Eventually Tim Clark, the Managing Director of Island at the time said: Give the boy a shot.

It felt right to book the studio for a late session with Marianne; I had the shot in my head, it was simple, the set was just one armchair and two lights; it was just about her: the voice, the seductiveness and I wanted to capture this on film.

Marianne arrived at 8.30pm. Her first words were Do you know who I am? Of course I replied. This will make you she said, then I must have a drink, lets go to a pub. We left the studio and headed to a nearby pub. I asked her what shed like to drink. Making sure everyone in the bar could hear her, she said I am not some cheap hooker you know. It is going to cost you at least £200 (the barman looked at me and winked). No problem came my answer. After several drinks she declared Im hungry, lets eat. We headed for an Italian restaurant, sat down and she proceeded to order everything on the menu. She only had a few nibbles. I asked for the bill. It seemed Marianne hadnt been too keen on the food: she promptly overturned the table, stood up and shouted Dont pay, the food was terrible. The whole restaurant sat in stunned silence. I paid the bill and we left.

On the way back to the studio we bought a bag full of wine and plenty of cigarettes. When we arrived she headed straight for the changing room. I waited patiently for quite some time, then she appeared, glowing like a diamond that had just been unearthed. Lets do this, I said Do you want to f*** me? she asked. No I said. Youll be the first came her reply.

Now, for the first time, collectors have the chance to acquire exclusive limited editions of these amazing images, and view them in this exhibition at our beautiful new gallery space in central London. It is always a pleasure to work with Dennis - he is one of those guys who is just a complete inspiration. I hope you can make time to enjoy this wonderful exhibition in the flesh at the gallery.

Fonte: artdaily.org

Explosões de Roman Signer

2010-6-15T12:17:36Z

Poderia ser curioso que num festival dedicado à fotografia, o 13.º PhotoEspaña, um dos grandes destaques do evento seja uma filme-instalação com obras consideradas "action sculptures" ou, numa tradução livre, esculturas em ação. Trata-se da mostra do artista suíço Roman Signer, que criou uma instalação específica para o Matadero Madrid, com filmes curtos que realizou em 16 mm nas décadas de 1970 e 80 e nos quais registrou ações com fogo. Mas homenagear Signer é mais que natural dentro desse festival de fotografia espanhol, que tem como força justamente apresentar exposições em que a questão da imagem se desenvolve nas mais diversas concepções. São ligações diretas dos princípios fotográficos com as artes visuais.

Signer, nascido em 1938, é considerado um importante artista no cenário internacional. De poucas palavras, afirmou que quis retomar seus emblemáticos filmes de explosões, em sua participação no PhotoEspaña 2010, para poder fazer a relação direta com o local em que ocorre a exposição, o espaço Abierto X Obras, do Matadero Madrid, o antigo matadouro da capital espanhola transformado em centro cultural depois do incêndio. Sua mostra está abrigada no lugar onde funcionava a câmara frigorífica do matadouro, espaço sombrio e denso.

Opulência. No local todo escuro, 10 filmes de Roman Signer são projetados em duas sequências frontais de cinco telas, o que cria um percurso para o visitante e também uma certa opulência da imagem. Cada uma das obras se transforma em um quadro vivo repetitivo de atos de explosão - num deles, por exemplo, uma trilha ou pequena ponte é tomada passo a passo por fogo; em outro, a calma vista de uma floresta é transformada por um rápido estouro (e vemos a fumaça se esvair aos poucos em meio às árvores). Signer, que já fez trabalhos documentando performances de colisões e arremesso de objetos, lida com questões de "duração e imprevisibilidade", destaca o curador Sérgio Mah. "Tudo se faz com uma simplicidade desconcertante, com imaginário que oscila entre a sensação de absurdo, violência e melancolia, mas de onde também emana humor."

Outras videoinstalações. As mostras do colombiano Óscar Muñoz e do espanhol Fernando Sánchez Castillo, no Círculo de Belas Artes de Madri, como parte do PhotoEspaña 2010, também não são estritamente de fotografia. Na de Muñoz é a questão física do tempo interferindo diretamente e literalmente na composição da imagem o mote principal dos trabalhos.

Projeto para um Memorial (2005), já exibido em São Paulo, é formado por cinco grandes projeções em que estão o registro da ação do artista desenhando rostos com pincel de água sobre placas de cimento. Os retratos, assim, se tornam instáveis, efêmeros, pois se apagam naturalmente por causa do sol e do ar. Já na interessante obra política de Castillo, o vídeo Episódios Nacionais. Tática, o artista coloca cegos apalpando monumentos de homenagem ao general Francisco Franco, ditador espanhol, retirados da cidade depois do fim do regime, e até a imagem do militar abrigada no Museu de Cera de Madri.

Fonte: O Estado de São Paulo - 15/jun/2010 - Cederno 2 - D5

ProjecteSD presents Inaki Bonillas at Art Basel 41 - Art Statements

2010-6-15T11:06:13Z

Since his early works in 1999, Mexican artist Iñaki Bonillas has been establishing a relationship with photography in his oeuvre. With a regard for the aesthetics and the conceptual practices of the sixties and seventies, Iñaki Bonillas has been gradually isolating the constituent elements of photography and connecting them with other procedures. Since 2003, when Bonillas introduced into his work the vast photographic archive of his grandfather, J. R. Plaza, he has been working on different projects that link elements together that seem a priori incompatible: on the one hand a personal, biographical narrative that consists of private anecdotes and emotions, and on the other a quasi-scientific element of compilation, classifying, and archiving.

For Art Basel 41, Bonillas presents a new project, Double Chiaroscuro. The project is composed of 4 different pieces in different media, each of them developed from one single image taken from J. R. Plaza's Archive. In Double Chiaroscuro, Bonillas plays with the idea of exploring the possibility, not only of creating a new set of images, through juxtaposition, recontextualization or any other way of reinterpretation of the original source, but of arriving to a whole new archive. More than the mere flexibility and reactivation of appropriated images, the purpose then is to show how images are capable of giving birth to distinct visual realms.

The image at issue is a portrait photograph of the great-grandfather of the artist that happens to show the remains of an old grid, once traced with the aid of a pencil all over the picture (with the idea, it seems, of helping someone to copy the portrait by following the squares, also numbered with a pencil). This given quality, of the picture as grid, allows the artist to work with 104 images (the ones produced by the pencil partition) instead of one. From now on, those 104 elements are not just fragments of a bigger image, but images in its own right, susceptible of being used to create, in turn, more images. By renouncing to the figurativeness of the photograph (i.e., to the possibility of subject recognition), Bonillas is able to search for different ways of displaying the new, and now abstract archive (deceived here and there by an eye or an ear). But the images at this point are no longer photographic either, they have become indiscernible. Bonillas works from this neu trality and essays with four different techniques and methods.

It is important to mention that the original photograph has another peculiarity: it was taken in such a way that a double chiaroscuro (double light-dark) was accidentally, and paradoxically, formed: one at the background of the image (from dark to light), and the other one on the face of the man portrayed (from light to dark). This luminous phenomenon of crossed axes, gives the artist the opportunity to work with a richness of grey tones: intense, dull, shaded, lustrous; almost all the tones of the Zone System1.

The first of the lines of approach, Double Chiaroscuro # 1, deals with with the original double chiaroscuro, reproducing it (or rather making a parody of it) using the images of the new archive as tiles. Two new composition are built by means of rearranging each of the tiles in order to reach, first, a degrade from luminosity to darkness, and then, by inverting the values, one from darkness to luminosity.

A second attempt, Double Chiaroscuro # 5, emphasizes the chiaroscuro by means of full contrast. In a set of 52 sequenced prints, the darkest of the tiled fragments is paired off with the lightest one (each one placed on its original position), and so on in 52 steps, until the light and shade interplay recedes, because the pairs that come last present no contrast at all. The resulting arrangement which may at first glance ressemble a mathematical-linguistic-musical coded construction, evokes minimalism in its repetition, serialism and reductionism, and creates a space in which form might be able to receive new readings. This piece also echoes earlier Bonillas' works such as Thought Figures, 2008, or the drawing series Naufragio en silencio, 2007.

The artist also explores the possibility of arriving at the original composition (i.e., the original picture) by using the tiles as stills of a film: Double Chiaroscuro # 6. In an animation frame by frame, each tile consecutively appears on the screen to occupy the place where it used to be in the original arrangement, in order to slowly give birth to the portrait, which is build in a succession that follows the logic of the chiaroscuro. By way of building an image that makes itself more discernible with each new tile that comes to the screen, the film shows how the double chiaroscuro acts. The work reminds of an old piece of experimental cinema by its abstract nature (even when the material is figurative: the treatment is clearly indifferent to subject matter), and the circularity of its narrative. At the end, the image begins to disappear gradually in a way that reverts the process of the previous chiaroscuro formation.

Double Chiaroscuro closes with Double Chiaroscuro # 7, a work that has the value of a re-enactment. Once the original image has been split in 104 parts, ordered, disordered and assembled in multiple fashions, it is reconstructed by a process of copy. By using the 104 parts in the grid, an anonymous draftsman will produce a drawing of that original portrait photograph.

In Double Chiaroscuro, one more time, Bonillas reclaims photography's most fleeting and marginal aspects and obsessively explores the elements that characterise it as a technique: the qualities of its light, the exposure, the possibility of reproduction. The work also points out and important aspect in Bonillas' practise: it shows that method comes to the surface as a meaningful element within the artist's discourse.

PROJECTESD
Ptge. Mercader, 8 baixos 1
08008 Barcelona
Spain
Director: Silvia Dauder
T: 0034 934881360
F: 0034 934881360
info@projectesd.com

Fonte: art-agenda
Find out more information about Art Basel on www.artbasel.com

Entrevista Luigi Stavale na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-6-15T11:02:41Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, clique nos links 771 e 787, no fim da página
http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario

Guggenheim and YouTube Launch Search for the World's Most Creative Video

2010-6-15T09:27:06Z

NEW YORK, NY.- The Solomon R. Guggenheim Foundation, together with YouTube, the worlds largest online video community, today announced the launch of YouTube Play. A Biennial of Creative Video. A collaboration with HP, YouTube Play was conceived to discover and showcase the most exceptional talent working in the ever-expanding realm of online video. Open to the global online community, YouTube Play is the most inclusive international search for new creative video. A jury of experts comprising celebrated figures from the worlds of art, design, film, and entertainment will select up to 20 videos submitted from around the world to be presented at the Solomon R. Guggenheim Museum on October 21, 2010, with simultaneous presentations at the Guggenheim museums in Berlin, Bilbao, and Venice. The works will also be available to a worldwide audience on the special YouTube Play channel at www.youtube.com/play .

The Guggenheim, YouTube, and HP share a view that creative online video is one of the most compelling and innovative opportunities for personal expression today, said Richard Armstrong, Director of the Solomon R. Guggenheim Foundation and Museum. The project team came together to inspire and encourage the creation and celebration of this art form. YouTube Play demonstrates this is within the reach of anyone who uses a computer and has access to the Internet.

With this online global initiative, were not looking for whats now, were looking for whats next, said Nancy Spector, Deputy Director and Chief Curator of the Guggenheim Foundation. In the last two decades, there has been a paradigm shift in visual culture. The moving image has been fully absorbed into critical contemporary art practices, and now we are witnessing the power of the Internet to catalyze and disseminate new forms of digital media, including online video. This collaborative project with YouTube and HP will highlight some of the most innovative work being produced today and will draw on the Guggenheims ongoing commitment to new media.

YouTube has redefined media culture by changing the way the world creates, distributes, and watches video, said Ed Sanders, Senior Marketing Manager at YouTube. By collaborating with the Guggenheim and HP, it is our desire to recognize and celebrate the originality and innovation of our vast community of creators in every corner of the globe and to elevate creative video to a new art form.

In 2009, the YouTube Symphony Orchestra gave everyone with access to the Internet a chance to play in Carnegie Hall, and in 2007, the CNN/YouTube debates gave everyone a chance to ask a question of U.S. presidential candidates. With YouTube Play, YouTube is now expanding upon the traditional curatorial process in a way that gives every video creator a shot at international artistic recognition.

The power of YouTube and the reputation of the Guggenheim form the perfect stage for the artistic expression possible on PCs, said Tracey Trachta, Director of Marketing Communications Initiatives, Personal Systems Group, HP. HP is moved by the imagination of digital artists, and we want to encourage the creation, sharing and appreciation of online video as an art form.

Upload Creative Video
The goal of this unprecedented project is to discover and celebrate work that expands the notion of what video can be. Submissions may include any form of creative video, including art, animation, motion graphics, narrative and non-narrative work, or entirely new art forms. YouTube Play hopes to attract innovative, original, and surprising videos from around the world, regardless of genre, technique, background, or budget. Participants can be art students or amateur video makers as well as creative professionals.

To help video creators generate the best possible submissions, the YouTube Play channel will post HP Make tutorials, featuring editing, sound, and other video-making techniques.

How to Participate
Participants are invited to submit new or existing videos created within the last two years to a YouTube Play channel at youtube.com/play. The maximum running time for a video is ten minutes. Each participant will be asked to provide a written statement regarding his or her work. Only one video per participant will be considered. The deadline for submission is July 31, 2010, 12:00 p.m., Pacific Time, 3:00 p.m., Eastern Standard Time.

Selection Process
The Guggenheim will identify up to 200 videos which will be viewable on the YouTube Play channel at youtube.com/play. From the 200, up to 20 videos will be selected by a jury of experts, comprised of distinguished artists, filmmakers, designers, and musicians, to be presented at the Guggenheim Museum in New York during a special event on October 21, 2010.

Public Presentation
The creators of the jury-selected videos will be invited to participate in the October 21 event in New York, and the videos will be on view to the public from October 22 through 24 in the Tower 2 Gallery of the museum. The video presentations will also be available to a worldwide audience on the YouTube Play channel at youtube.com/play. In addition, the selected videos will be on view at the Deutsche Guggenheim, Berlin; the Guggenheim Museum Bilbao; and the Peggy Guggenheim Collection, Venice.

Fonte: artdaily.org

World Record Price for a Modigliani Sculpture Sold at Auction at Christie's in Paris

2010-6-14T12:45:34Z

PARIS (AP).- A sculpted stone head by artist Amedeo Modigliani sold at Christie's in Paris on Monday for euro 43.18 million ($52.8 million), breaking the record for a work by the Italian artist, the auction house said.

It was also the highest-priced work sold at an auction in France, Christie's said. An anonymous buyer bid for the piece by telephone.

The piece, sculpted between 1910 and 1912, depicts an elongated head with almond-shaped eyes and flowing hair, and it is reminiscent of the artist's paintings. Modigliani, who lived from 1884 to 1920, originally focused on sculpture but switched to painting in part because of health problems.

The painting was part of a collection amassed by Gaston Levy, a French businessman who founded the country's Monoprix supermarket chain. Levy died in 1977.

Modigliani was one of just three artists in his generation to achieve distinction in three different media: painting, sculpture and drawing. The other two were Picasso and Matisse. Modigliani's sculptures are very rare. At present, there are only 27 confirmed Modigliani sculptures of which 17 are at prestigious museums, including: the Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; The Museum of Modern Art, New York; Philadelphia Museum of Art; Minneapolis Institute of Art; Fogg Art Museum, Harvard University; Tate Gallery, London; Kunsthalle, Karlsuhe, Germany; National Gallery of Australia, Canberra; Le Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; and the Musée d'Art Moderne Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq. Thus, only 10 of Modigliani's sculptures are still in private collections, including this one.

The present sculpture was sold at the Hotel Drouot in Paris in June 1927 where it was purchased by Gaston Levy, an artist and conservator who had known Modigliani since his Montmartre days. It has stayed in the Levy family for the past 83 years1.

The Levy sculpture has enormous presence. The head is very vertical but the hair extends back in a strongly horizontal manner. Despite the apparent frontality of the work, the sculpture is clearly meant to be seen all around and cannot be fully appreciated any other way. On one side, it looks like the hair is blowing in the wind. With its slender neck, fine features and bulb of hair in back, the sculpture recalls the famous bust of Queen Nefertiti in Berlin's Egyptian Museum. The Levy head also combines the raw, sensual power of a Michelangelo stone figure with the haunting, totemic mystery of an African mask, two other sources that inspired him in his sculpture.

Copyright 2010 The Associated Press.

Fonte: artdaily.org

THREE BOYS FROM PASADENA - A Tribute to Helmut Newton

2010-6-10T13:49:01Z

THREE BOYS FROM PASADENA

Mark Arbeit, George Holz and Just Loomis were students at the Art Center College of Design in Pasadena, California, when they met Newton in the late 1970s; later they would assist him regularly. ;;Now in their first group exhibition, the "three boys from Pasadena" have been invited by June Newton to present a selection of their own photographic work. This will be complemented with memorabilia from their decades-long and close friendship with Helmut and June Newton.

Some of Mark Arbeit's pictures are formally quite unusual. In his photo-technical experiments with deconstructed Polaroids enlarged onto photo paper, he reveals the other, flip side of the photographic image and its creation. Arbeit makes reference to experimental phases in the history of nude photography, for example in Surrealism. In another series, he portrays nudes in Parisian artist ateliers. The painters themselves are absent, represented only through their works on the easels and walls. The nudes in the studio medially paraphrase the paintings through their presence.

George Holz looks to the female form, naked and life-sized, in interiors or natural settings. Some of his more stylized images evoke stills from early Fritz Lang films, while others are strictly unaccessorized - such as his photograph of Rachele, reclining poolside in Hollywood. The reciprocal sexual attraction often evident in his images evokes a pastoral affinity reaching towards a mystical fusion of man and nature. What captures Holz's eye here is timeless, natural nudity, occasionally cast by refined shadows varying subtly across the body's surfaces.

Just Loomis opts for a direct and unadorned look at American everyday life. In black & white and color, we see the faces of young waitresses, skateboarders or passers-by looking back at us, uninvolved and unaffected. Independent projects that have emerged from his magazine work in fashion and beauty, or images from on the road. Hardly anything seems staged - these are intensely visual encounters with strangers. Timeless and yet contemporary, the portraits of Just Loomis play with the beauty of the moment.

Matthias Harder

Fonte: photography-now.com

e-flux journal - Issue 17 Summer 2010

2010-6-10T11:13:41Z

A number of alternate, informal approaches to art and economy that arose in the Berlin of the 90s created a great deal of space and potential for rethinking relations between people, as well as possible roles for art in society. Today, however, much of this hope has since been obscured by the commercial activity and dysfunctional official art institutions most visible in the city's art scene, and though many of the ways of living and working that were formulated in the 90s are still in practice today (not just in Berlin), many of their proponents acknowledge a feeling that the resistant, emancipatory capacities inherent to their project have since been foreclosed upon. Our interest in inviting Marion von Osten to guest-edit e-flux journal's issue 17 had to do precisely with this widespread, prevailing sense of rapidly diminishing possibilities in the face of capitalist economy, and her extensive issue offers a broad and ambitious reformulation of how we might still rethink resistance and emancipation both within, and without capitalismeven at a time when alternate economies move ever nearer to everyday capitalist production, and vice-versa.
Julieta Aranda, Brian Kuan Wood, Anton Vidokle

The idea for this issue came about around a coffee table with Anton Vidokle. We were at a café in Berlin Mitte, a spot I wouldn't usually choose for an appointmenta sign of unfriendly changes in the city. Upon entering I immediately became aloof, but after a minute felt ashamed for assuming such a snobbish and unfriendly Berlin attitude, and had to ask myself how I could seriously claim to be a real Berliner in the first placeafter all, for the last fourteen years, I've commuted almost every week to teaching jobs and projects. And most of my friends and colleagues have to organize their lives around similar routines (and there is less free will in it than the category of the "mobile class" might suggest). Anyhow, moving on from these ambiguous thoughts, our conversation gave rise to some interesting afternoon dérives: the recent histories of Berlin's leftist art collectives, and their interest in self-organization, self-publishing, electronic music, new forms of collective production, gender, postcolonial, and urban theory, as well as resistance and action against the monstrous reconstruction of Berlin in the 1990s, and the history of the Berlin Biennale as a marketing strategy for the city. We also reflected on the widespread university protests in Europe and the resistance to the implementation of the EU border regime, and the need for cultural institutions to find alternate means of establishing the grounds for more lasting forms of cultural production, education, and research beyond the "Become Bologna" and "Be Creative" imperatives. How can we find the finances and collective energy to begin this work immediately, while still placed at the center of so many contradictions? Finally, my own interest in contemporary feminist economists' engagement with new political imaginaries prompted the question of whether it would be possible to rethink contemporary and historical leftist cultural projects beyond the neoliberal horizon, and more specifically in relation to postcapitalist and postidentitarian politics.

This last shift in perspective gave rise to this guest-edited issue of e-flux journal, which can be understood as the beginning of a debate that asks whether the (cultural) Left is still capable of thinking and acting beyond the analysis of overwhelming power structures or working within the neoliberal consensus model. What would such thinking beyond the existing critical parameters disclose and demand? Wouldn't it call for spaces of negotiation and confrontation rather than of affirmation, cynicism, and flight? With the encouragement of the journal editors, I have invited artists, cultural producers, and theorists whom I know to be reflecting on these concerns, but who mostly have not articulated their thoughts publicly or alongside similar concerns; and yet, as readers will find, the authors provide few easy answers to the above questionsand conflicts resulting from alternate views and practices cannot be easily ignored. Rather than follow the exhausted master narratives of capitalism and crisis, this issue of e-flux journal investigates how cultural producers are already in the process of creating and reflecting new discourses and practices in the current climate of zombie neoliberalism. And what is disclosed and what changes if cultural production can be imagined precisely from the vantage point of postcapitalist politics?

For many, it might seem that cultural producers are not the most prepared to engage with these issues, that an activist approach would be more appropriate. But isn't the change in perspective, the intervention in common images and language, and the invention of a new ontological basis for decentering the common capitalocentric vision, already a possible ground? Wouldn't this call for other images and assumptions than that of a totalizing capitalism, victimhood, or the division of social groups into minorities? Wouldn't it call for forms of participation that do not remain symbolic, but would constitute new public spaces for political as well as cultural negotiation? Aren't artists' historical and current forms of self-organization, and interventions into the art system's historical division of labor, signs of a détournement within the actual distribution of wealth and value, whether monetary, cultural, or symbolic? Couldn't the emancipatory potential of aesthetic and cultural practices be enacted here?

It is no coincidence that the contributions to this issue focus not only on the constant privatization and capitalization of urban space, but also on ideas and concrete proposals of (urban) design as an aesthetic and spatial practice integrating manual and cognitive abilities, and in such a way that merits consideration through a postcapitalist lens. Taking this issue of e-flux journal as a platform for these concerns connects these debates with an international discussion, but to the extent that the issue is composed primarily of Berlin-based theorists, artists, and activists, it also asks whether the local is still relevant to these concerns. And it is likewise no coincidence that many of the contributions take the theses and proposals in Gibson-Graham's latest book as a leitmotif for a critical reading and revaluation of existing postcapitalist projects and cultural practices.

It is customary to note that postcapitalist practices act in the shadow of mainstream discourses and events, and this collection of essays intends to contradict that point on many levels, serving rather as an attempt to initiate a similar discussion, but with a sense of immanence: although the present is constituted by postcapitalist practices (and politics as well), we still have to engage in the discourse and establish a new language, whether textual or visual, in order to make these practices apparent, articulated, and applicable. Therefore, this issue of e-flux journal will endeavor to reflect upon the presence of the political against the backdrop of contingent aesthetic, social, and economic factors. It is not a call for a telos or a proclamation of the need for a new, completely different political design that asks, "What has to be done?" Rather, the contributions to this issue seek to promote a more empirical relationship to the presence of the politicalone embedded in the genealogies of ongoing social struggles and postidentitarian subjectivityand ask instead, "What has been done already? And how do we go on?"
Marion von Osten

Fonte: e-flux newsletter

6th Berlin Biennale for Contemporary Art Brings Together Numerous Artistic Positions

2010-6-10T10:48:29Z

BERLIN.- The Berlin Biennale is the forum for contemporary art in one of the most attractive cities for art. Taking place every other year at changing locations throughout Berlin it is shaped by the different concepts of well-known curators appointed to enter into a dialogue with the city, its general public, the people interested in art as well as the artists of this world.

The German capital is continuously under change thus remaining fragmented, diverse and contradictory. It is this particular mixture of high contrasts and a relaxed manner defining Berlin side by side that does not only attract international artists, many of whom choose Berlin as their base and place for production. Every two years the Berlin Biennale explores artistic developments to present the unseen and the unfamiliar before the background of this inspiring atmosphere.

In 1998 the 1st Berlin Biennale took place founded on the initiative of Eberhard Mayntz and Klaus Biesenbachfounding director of the Kunst-Werke Berlin, in order to promote a representative and international forum for contemporary art in Berlin. Since the year 2004 the KW Institute for Contemporary Art has been the supporting organization of the Berlin Biennale. Its significance for the cultural landscape is reflected in the patronage granted by the German Federal Cultural Foundation.

Klaus Biesenbach took the artistic helm of the 1st Berlin Biennale in cooperation with Nancy Spector and Hans Ulrich Obrist. For the 2nd Berlin Biennale in 2001, the baton was passed to Saskia Bos, who was in turn followed by Ute Meta Bauer for the 2004 exhibition. The 4th Berlin Biennale in 2006 was curated by Maurizio Cattelan, Massimiliano Gioni and Ali Subotnick. Adam Szymczyk was chosen for the 5th Berlin Biennale in 2008 who then appointed Elena Filipovic as co-curator. This years 6th Berlin Biennale is curated by Kathrin Rhomberg.

The Living Currency (La monnaie vivante)
The evolving and itinerant exhibition project La monnaie vivante, characterized by an unstable format and an open content, strives to establish a dialogue between the manifold current and historic examinations of the body in the fine arts as well as with notions of the body within the domains of dance, music, and theater. Conceived in 2006 in a Paris dance studio, the exhibition was presented in 2007 on the stage of STUK kunstencentrum in Leuven/Belgium as well as in 2008 in London, at the Tate Moderns Turbine Hall. In early 2010, a new version was created in cooperation with the Museum of Modern Art in Warsaw for the local Teatr Dramatyczny, a classic proscenium stage. For the 6th Berlin Biennale, a further variation of La monnaie vivante will be performed at Hebbel am Ufer (HAU), a theater that offers a comparable stage setup.

La monnaie vivante is based on a practice of exhibition making that postulates that memory is not an archive. The projects goal is to demonstrate this through performance as well as through both older and more recent works by visual artists that explore the relationship between the body and a reality shaped by economic systems. These are works that cannot be reduced to material objects or to the documentation of an action. Instead, they are brought into the present through their bodily presence in time and space. The artists, who refuse a linear view of history, react to the impure and unfinished character of the present by exploring objects, protocols, sceneries, scores, or regulations that recur in our daily routine. Thus the artists bring the viewers into the paradoxical situation of a social inter-passivity, which influences our present. The exhibitions concept investigates the works active dimensionan approach that results in overcoming museum constraints that neutralize access to the artworks in order to guarantee their historical record. In addition, this is also a way to circumvent market criteria. The latter attempts to prevent such artistic strategies in favor of products that do conform to the market. The situation that the exhibition project creates is opposed to a normative reality that claims to be the only valid model. By multiplying the reservoir of parametersconveyed through the objects, protocols, sceneries, and scoresthe project points beyond the deconstruction of reality and instead pleads for a construction of reality.

La monnaie vivante unsettles the division between audience and stage in the theater. The mode of appearance of the works dissolves the codes of theater through a live experience. The staging becomes a collaborative work in real time between the curator, the artists, and the participants, one that is determined by the rhythm with which the audience moves through the space. The exhibition takes place in the here and now, divorced from the chronological relationship with the works and in distinguishing the successive stages of production, from the rehearsal to the live performance. The events either follow one another or take place simultaneously; their visibility and their reading depend on the intensity of the relations between the participants. The visitors become actors in a process, and they decide its durationan hour, an entire day, or perhaps returning the next day.

Fonte: artdaily.org

Featuring performances and other works by Marie Cool Fabio Balducci, George Brecht, Robert Breer, Pier Paolo Calzolari, André du Colombier, Ceal Floyer, Simone Forti, Prinz Gholam, Jens Haaning, Sanja Ivekovi!, Tadeusz Kantor, Ji"í Kovanda, Teresa Margolles, Roman Ondák, Christodoulos Panayiotou, Gianni Pettena, Pratchaya Phinthong, Santiago Sierra, Annie Vigier & Franck Apertet (les gens dUterpan), Franz Erhard Walther, Franz West, Artur #mijewski et al.; as well as scores by Cornelius Cardew and Christian Wolff, performed by Jean-Jacques Palix.

Alex Prager @ London Michael Hoppen Gallery

2010-6-10T10:14:23Z

Michael Hoppen Contemporary will present the most recent work by rising American photographer Alex Prager. Following the success of her 2008 critically acclaimed exhibit, The Big Valley, the exhibition will stage the continuation of Pragers Los Angeles narrative, as she contrives the next generation of retro-modern damsels.

Women adorned with wigs and staged in neon Californian landscapes result in timeless, eerie and compelling images. Her large-format Technicolor photographs draw from the cinematic conventions of the likes of Alfred Hitchcock and David Lynch. These visually engaging portraits go deeper than what meets the eye, creating an intriguing and surreal narrative for the women they feature, which hints at a sense of allure and uncertainty.

Initially inspired by the work of William Eggleston, Prager has consistently created successfully enticing images since her first Los Angeles show in 2007. This latest exhibition in London will feature a selection of never-before-seen photographs and the premiere of Pragers first foray into film.

Born in 1979, Prager is based in Los Angeles and has no formal training as a photographer. Through talent and tenacity she has been exhibited and published internationally in cities such as Los Angeles, New York and London. Recently Prager has been selected by New York Citys MOMA for their forthcoming autumn exhibition, New Photography 2010. Original, thought-provoking and charged, Pragers work continues to challenge the preconceived ideas of what makes photography art in a world where so many artists vie for this sought-after label.

Bassenge Photography Auction

2010-6-09T11:55:49Z

ICO Collections Museum Opens First Helen Levitt Anthological Exhibition in Spain

2010-6-09T11:10:01Z

MADRID.- First anthological exhibition in Spain of this photographer, who marked street photography aesthetics with her ability to halt time and movement.

A full review of her work since her death last year, through 120 images and the documentary film In the Street Helen Levitt is one of the great North American photographers of the second half of the 20th century. Her work is notable for her unique outlook and her documentary style, focusing on urban life, mainly in the street of New York. Her images capture tiny moments of daily life, apparently banal instants yet which have great metaphoric meaning for the social conditions of our time.

This exhibition, produced by the ICO Foundation, is the first anthology organised since her death in 2009 aged 96. It presents close to 120 images taken between 1936 and the 1990s, and the documentary In the Street, a precursor to independent American film which she made with the writer James Agee and the painter Janice Loeb in 1945. The exhibition underlines how Levitts work set out the aesthetics of instantaneity in street photography, with her ability to suspend movement, to capture tiny moments, to break the flow of reality with endless visual potential.

Helen Levitt (U.S.A. 19132009) was born in Brooklyn. She did not finish high school and from a young age she worked as a photographers apprentice in the Bronx, practicing her technique before embarking on her own shots. She was a friend of Cartier-Bresson and Walker Evens and also worked with Luis Buñuel, whom she helped with his pro-American propaganda shorts during the 2nd World War. From 1949 to 1959 she worked on film, and in the 1960s she experimented with colour. She abandoned this technique in the 1980s.

Summer programming at Castello di Rivoli

2010-6-08T12:46:02Z

everything is connected
research and investigations into art of the past decade through the collection
curated by Beatrice Merz
dates: 8 June 2010 9 January 2011
everything is connected, the exhibition on the first and second floors of the Castello, presents works from the collection, reinstalled with the collaboration of the artists themselves, and recent acquisitions, many of which are being shown for the first time. The works, by both established masters and artists from recent generations, generate a new exhibition path. The artists include Giovanni Anselmo, Tacita Dean, Hamish Fulton, Mona Hatoum, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto and Simon Starling. For the first time at the Museum, the public will be able to view ENTRY DENIED (A Concert in Jerusalem), 2003 by Emily Jacir, The Nature of The Beast, 2009 by Goshka Macuga and The Internationale, 1999 by Susan Philipsz, acquired with support from the CRT Foundation for Modern and Contemporary Art.

Involvements. Vito Acconci "Film=Landscape, Video=Close-Up"
curated by Marcella Beccaria
dates: 8 June 26 September 2010
In conjunction with everything is connected, the third floor of Castello di Rivoli will present an exhibition of more than thirty video and film works by Vito Acconci (New York, 1940), one of the most significant artists experimenting with expressive languages that range from poetry to video, body art and architecture.

The Irregulars. Days of celebration / days of analysis / days of festival
curated by Gianluigi Ricuperati
dates: 12 - 13 June 2010
The Irregulars presents important anomalous intellectual figures who have influenced developments in the arts. The first events take place on the 12th and 13th of June, from 11:30 a.m. to 7:30 p.m. and are dedicated to two of the most important poets of the 20th century, Emilio Villa and Amelia Rosselli. Participants include the literary figure Aldo Tagliaferri, the poets Antonella Anedda and Rosaria Lo Russo, the critic Andrea Cortellessa, the artist Gianfranco Baruchello, the composer Diego Minciacchi, the singer and writer Cristiano Godano of the band Marlene Kuntz, the performer Maurizio Barbetti and the actress Sonia Bergamasco, former star of La meglio gioventù.

OUTSIDE THE FRAME Other stages, other dances
curated by Francesco Bernardelli
dates: 25 June 25 July 2010
Castello di Rivoli is presenting a series of events dedicated to innovative artists who have still not received the recognition they deserve. Encounters, screenings, as well as live events and concerts will be occasions for becoming familiar with a number of important international personalities. The event opens on 25 June at 9 p.m. with an encounter with Charles Atlas, the United States director and video-maker, a historical figure in the audiovisual investigation of video-dance and performance, who has created an homage to the renowned performer Leigh Bowery.

Press Office Castello di Rivoli
tel. +39/011.9565209 - 211, fax +39/011.9565231, press@castellodirivoli.org, s.bertalot@castellodirivoli.org

Documentário "Carlos Motta nas Ondas da Vida" no lançamento de sua exposição no MCB

2010-6-08T12:02:43Z

O documentário Carlos Motta nas Ondas da Vida conta a vida e obra do designer, e foi dirigido por Paula Brandão, a partir de entrevistas concedidas por ele a jornalistas, além de depoimentos de parentes, clientes e amigos, como de Walter Salles e Gilberto Dimenstein.

Um DVD acompanha o livro Carlos Motta e a Vida, com concepção e projeto de Paulo Lima, publisher da Trip Editora, e Rafic Farah, arquiteto e designer, que será lançado na abertura da exposição.

The Pleasures of Good Photographs, Gerry Badger and John Gossage in Conversation

2010-6-08T10:25:35Z

The Pleasures of Good Photographs is an intellectual and aesthetic excursion led by Gerry Badger, one of photography's eminent critics and popular writers. Please join Aperture for a conversation with Badger and his contemporary, author and photographer John Gossage, celebrating this new volume of essays. Drawing upon nearly three decades of writing and thinking about photography, the event will offer insight into their favorite images, artists, and themes. The Pleasures of Good Photographs showcases primarily new essays, with a few classics thrown in for good measure, making it an important addition to the canon of photographic writing. A book signing will follow.

Gerry Badger, a photography critic for nearly thirty years, is himself a photographer, as well as an architect and curator. He has written for dozens of periodicals and his previous books include The Photobook: A History, Volumes I and II, coauthored with Martin Parr, and The Genius of Photography: How Photography Has Changed Our Lives, a companion volume to the esteemed BBC television series. Badger lives in London.

John Gossage is well known for his artist's books and photographic publications, and has produced seventeen books and boxes on specific bodies of work. He is the author of The Pond, to be reissued by Aperture in September 2010. In the 1960s, Gossage studied briefly with Lisette Model and Alexey Brodovitch. Since then, his work has been exhibited worldwide. His photographs are held in numerous private and public collections, including those of the Corcoran Gallery of Art, Washington D.C., and the Museum of Modern Art, New York. Gossage lives in Washington D.C.

Desvio para o vermelho @ Inhotim

2010-6-07T14:35:12Z

O Instituto Inhotim, idealizado pelo empresário Bernardo Paz e com projeto paisagístico com colaboração de Roberto Burle Marx, foi se transformando em um grande espaço cultural, com a construção das primeiras edificações destinadas a receber obras de arte contemporânea, além do rico acervo botânico.

Exemplo de colaboração cultural e artística em Minas, o Instituto agora recebe de volta obras de Cildo Meireles que passaram por diversas partes do mundo.

info:
Rio de Janeiro, 1948; vive no Rio de Janeiro

Bibliografia

BRITO, Ronaldo; Meireles, Cildo; SOUSA, Eudoro Augusto Macieira de. Cildo Meireles. Rio de Janeiro: FUNARTE, 1981

MEIRELES, Cildo. Cildo Meireles: ouro e paus. Tradução Jack Liebof; texto Paulo Venâncio Filho. Rio de Janeiro: Joel Edelstein Arte Contemporânea, 1995.

MEIRELES, Cildo. Desenhos: Cildo Meireles. Apresentação Aracy Amaral. São Paulo: Pinacoteca do Estado, 1978.

MEIRELES, Cildo. Desvio para o vermelho:Cildo Meireles. Apresentação Aracy Amaral; texto Sônia Salzstein, Ronaldo Brito. São Paulo: MAC/USP, 1986.

PAULO, Herkenhoff. GERALDO, Mosquera. DAN, Cameron. CILDO MEIRELES. Cosac & Naify, 2000.

Fonte: www.inhotim.org.br

Próxima Sexta-Livre no Ateliê da Imagem! - RJ

2010-6-07T14:17:20Z

Próxima Sexta-Livre no Ateliê da Imagem!

Quero ser artista - dificuldades, possibilidades, estratégias e alternativas de inserção de artistas visuais no sistema de arte contemporânea

Marco Antonio Portela é artista visual, curador independente, professor, fotógrafo e laboratorista. Juntamente com o também artista e professor Luiz Sérgio de Oliveira e a artista visual Clarisse Tarran irá debater questões levantadas em sua pesquisa de mestrado, defendida em 2009, que investigou as possibilidades e as estratégias de inserção no mundo da arte contemporânea. Como deve atuar o jovem artista para ter sua produção vista e debatida? Quais os meandros desse universo das artes? Os debatedores irão falar sobre a busca de espaços alternativos, a união em grupos de artistas comunemente chamados de coletivos e um novo comportamento do público, que deixa a posição passiva para uma mais participativa e complementar para as obras de arte.

PhotoEspaña 2010 @ O Estado de São Paulo

2010-6-07T12:14:09Z

""É fácil reconhecer que uma das qualidades mais indiscutíveis da fotografia é sua capacidade de induzir e conferir interesse aos assuntos mais inesperados", define o moçambicano Sérgio Mah, diretor artístico do PhotoEspaña, o festival internacional do gênero fotográfico que vem cada vez mais se tornando uma referência no cenário europeu, ao lado dos franceses de Arles e de Perpignan. Conhecido apenas pelas iniciais PHE, o evento, em sua 13.ª edição, dá o início oficial de suas atividades amanhã e se estende até 25 de julho, promovendo 69 mostras, debates, oficinas e leituras de portfólios nas cidades espanholas de Madri e Cuenca e, pelo terceiro ano, também incluindo Lisboa (Portugal), que abriga no Museu Coleção Berardo exposição da nova-iorquina Collier Schorr (...)"

Fonte: O Estado de São Paulo - 07/junho - pág D1

Seydou Keita @ Jack Bell Gallery

2010-6-05T11:03:35Z

'In Bamako we say I ka nyé tan which in English means you look well, but in fact it means you look beautiful like that. Art is beauty.

- Seydou Keïta, Seydou Keïta, 1997

The Jack Bell Gallery is pleased to announce an exhibition of photography by Seydou Keïta. Considered to be one of the important precursors of African photography, Keïta eloquently portrays Bamako society during its era of transition from a cosmopolitan French colony to an independent capital.

Initially trained by his father to be a carpenter, Keïtas career as a photographer was launched in 1935 by an uncle who gave him his first camera, a Kodak Brownie Flash, which he had purchased during a trip to Senegal. Having mastered the technical challenges of shooting and printing during adolescence, in 1948 he opened his own studio in Bamako and quickly built up a successful business. Opting for a larger format camera, Keïta not only captured an exceptional degree of resolution, he could also make high quality contact prints without the aid of an enlarger.

Whether photographing single individuals, families, or professional associations, Keïta balanced a strict sense of formality with a remarkable level of intimacy with his subjects. He furnished his studio with numerous props, from backdrops and costumes, to Vespas and luxury cars. Keïta would renew these props every few years, which later allowed him to establish a chronology for his work. His unique images reflect both his clients social identity within the community and their enthusiastic embrace of modernity. Keïta commented on his studio practice, Its easy to take a photo, but what really made a difference was that I always knew how to find the right position, and I was never wrong. Their head slightly turned, a serious face, the position of the hands . . . I was capable of making someone look really good.

The thousands of portraits that Keïta took form an outstanding record of Malian society between the end of the Forties and the early Sixties. For curator Andre Magnin, Keïta was inventive and highly modern. His emphasis on the essential components of portrait photographylight, subject, framingfirmly establishes Keïta among the twentieth-century masters of the genre. Through his quest for accuracy, says Magnin, Seydou Keita seems intuitively to have reinvented the art of the portrait.

His archive of over 10,000 negatives was gradually brought to light in the early 1990s; Keïta has since achieved international recognition and exhibited at Cartier Foundation for Contemporary Art, Paris, National Museum of African Art, Washington, D.C., Museum of Fine Art, Houston, Guggenheim Museum, NY, Museum of Modern Art, SF, UCLA Hammer Museum, LA, Fogg Art Museum, Cambridge, USA, Serpentine Gallery, London, National Portrait Gallery, London & TATE Modern, London among others. His photographs are included in important public and private collections worldwide.

Fonte: www.jackbellgallery.com

West and West: Joe Deal and Locating Landscape Open at CCP

2010-6-05T10:41:15Z

TUCZON, AZ.- The Center for Creative Photography presents an exhibition of new works by distinguished artist Joe Deal (United States, 1947), on view June 5 to August 1, 2010. Drawing on the remarkable history of 19th-century survey photography of the Great Plains, West and West was also inspired by the landscapes Joe Deal saw as a child while driving west from his home in Topeka, Kansas, to visit relatives in Great Bend. While West and West eschews the imagery of development for which Deal is best known, this project still connotes the impact of human-initiated processes by asking the viewer to think historically and consider what has and has not changed in the landscape.

The transformation of the Great Plains began with the passage of the Kansas-Nebraska Act of 1854, which opened the new territories to settlement and replaced vast, open spaces with an immense grid of squares. West & West looks back at what was once the largest uninterrupted ecosystem in North America as a result of this complicated history. Deal presents the anticipated sameness of the Western landscape in a consistent format dividing each scene with a horizon line. His use of the square-format negative allows for an image that can imply infinity, especially when seen exhibited in aggregate. On close examination, however, Deals depiction of the landscape presents an endlessly fascinating and changing expanse as grasslands and sky unfold in equal share. The 21 images on view capture the full drama of the Great Plains, spanning the area between the Mississippi River and the Rocky Mountains, and from the Canadian provinces to the Mexican border. Deal notes, "I wanted to try to look beneath the grid and to re-image something that now can exist only as an idea." He compares framing the landscape through the camera to a kind of reenactment, "a way of knowing what it must have been like to lay a straight line down over a vast plain."

Deal believes the mechanical act performed by land surveyors to be distinctly similar to the artistic act of making a photograph. Both are about establishing a frame around a vast scene that suggests no definite boundaries of its own. Thus, Deal's approach to his photographs of the Great Plains are a method of understanding how it felt to contain the Great Plains in smaller, more measurable units. West and West also offered the opportunity to reconnect with what he calls "the dreamed landscape" of his childhood, now framed by the complicating knowledge of the history that shaped the land.

The Center also presents a concurrent exhibition, Locating Landscape: New Strategies, New Technologies, highlighting some of the most interesting young artists at work in Los Angeles and the Southwest today. Guest-curated by University of Arizona photography historian Kate Palmer Albers, this exhibition includes work by Christiana Caro, Andrew Freeman, Frank Gohlke, Margot Anne Kelley, Mark Klett, Paho Mann, Adam Thorman, and Byron Wolfe.

Inspired by the recent revival of the influential and critically acclaimed New Topographics exhibition from 1975, shown at the Center and continuing its national and international tour, Locating Landscape links a new generation of photographers with the New Topographics movement that so greatly influenced them. Margot Anne Kelley and Christiana Caro studied with Frank Gohlke; Andrew Freeman studied with Lewis Baltz; and Paho Mann and Adam Thorman studied with Mark Klett as well as Bill Jenkins, the original curator of New Topographics at George Eastman House in Rochester, New York.

"New Topographics was a watershed moment in the history of landscape photography," says Albers, "Its been a major undercurrent in photographic practice for more than forty years, and nowespecially with the rapid growth and ready availability of networked mapping and locational technologieswere seeing an explosion of new work thats taking landscape in a new direction."

These new landscapes incorporate novel methods to connect with the world they represent while drawing on the visual vocabulary developed by earlier generations of landscape photographers. Where the New Topographics photographers worked in black and white and made relatively small prints, Locating Landscape reflects the contemporary engagement with large scale and lush color. Likewise, if both beauty and politics were slightly submerged in the landscapes of the 1970s, today, the lyric and poetic comfortably coexist with cultural and political concern.

Fontes: www.creativephotography.org;
www.artdaily.org

Madrid Opens László Moholy-Nagy Exhibition as Part of PHotoEspaña 2010 Festival

2010-6-02T14:18:30Z

MADRID.- A new production which takes a look at the multi-disciplinary work of Moholy-Nagy, focusing on his period of development of his fundamental aesthetic theory: the art of light.

Over 200 works, including paintings, black and white and colour photography, films and graphic designs which reflect the vital importance of the artist for 20th century art. László Moholy-Nagy is one of the great figures of modernity, a fundamental artist whose theoretical contribution developed in parallel to his artistic and teaching activity. One of the culminating points in his creation is the essay Painting, Photography, Film (1925), in which he draws up an aesthetic theory of light: light as the pattern for art, art as art of light. This concept was applied to painting, photography and film, but also to scenography and design, the basis for Moholy-Nagys work.

The art of light addresses Moholy-Nagys work as a whole, focusing on the period after which he began to develop his art of light theory. The exhibition includes over 200 works including paintings, black and white and colour photographs, films and graphic design elements. After its visit to the Círculo de Bellas Artes, the exhibition will travel to the Martine Gropius Bau in Berlin, and the GemeenteMuseum in The Hague.

László Moholy-Nagy (Hungary 1895U.S.A , 1946) approached creation from all different media painting, photography, advertising and industrial design, film, sculpture and scenography and carried out a radical experimental practice which does not establish any hierarchy between his works. Education was extremely important to home, and he devoted himself to teaching from 1923 onwards, when he started work at Bauhaus at the request of Walter Gropius. In 1937 he moved to Chicago, where he continued to teach, firstly at New Bauhaus and them at the Institute of Design.

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Celluloid. Cameraless Film at Schirn Kunsthalle Frankfurt

2010-6-02T10:57:04Z

THE SCHIRN DEDICATES A REPRESENTATIVE SURVEY TO A SPECIAL EXPERIMENTAL ART FILM GENRE

In its exhibition "Celluloid. Cameraless Film" the Schirn focuses on a particular art film genre in which footage is produced by creating images directly on film stock. As opposed to other forms of experimental film, the material is removed from its conventional context of use and, as it were, interpreted as a canvas by applying diverse artistic processes: painting, drawing, collage on celluloid, scrapes and scratches in the emulsion, defamiliarization through chemical manipulations, or the direct exposure of the photosensitive material. The exhibition presents outstanding examples of cameraless film and offers a panorama from the 1930s to the present day with works by 21 international artists and film makers such as Stan Brakhage, Tony Conrad, Cécile Fontaine, Hy Hirsch, Len Lye, Norman McLaren, Luis Recoder, Harry Smith, José Antonio Sistiaga, and Jennifer West.

Applying paint to celluloid for coloring black-and-white films had been a current arts-and-crafts technique since the first days of cinematography. Yet it was only with the emergence of the film avant-garde that experiments with color and blank film stock became relevant as a generative principle of film production. The earliest hand-colored films were created by the Italian Futurists Arnaldo and Bruno Ginanni-Corradini between 1910 and 1912. Unfortunately, only detailed descriptions have survived from their nine direct animations painted on transparent celluloid. In the early 1920s, the Surrealist photographer Man Ray was the first to use the rayogram technique in film for some sequences of his "Le Retour à la Raison" (1923).

Len Lye (19011980) and Norman McLaren (19141987), who, pursuing different approaches, began to explore the possibilities of producing films without a camera more systematically in the mid-1930s. Len Lye's film "A Colour Box" (1935), which the artist painted directly on the filmstrip, is considered to be the work which established the genre of cameraless film. Synchronized to a popular Latin American tune, the film with its bright powerful colors, unusual textures, and the characteristic vibrations and pulsations of its projected images stood out against all hitherto known results in the field of art film.

The tradition of direct animation was particularly taken up in the US postwar avant-garde film. Artist, film maker, folk music collector and occultist Harry Smith (19231991) discovered the hand-colored film as a possibility to combine his mystically inspired painting with his interest in music in the late 1940s. He produced a number of abstract films of impressive complexity by painting and using intricate stamping techniques films whose rhythmically pulsating forms and colors create multi-sensory, proto-psychedelic pictorial worlds.

Stan Brakhage (19332003) is to be considered as one of the key figures of experimental film in general. His film "Mothlight" of 1963, a radically personal meditation on life and death, already relied on the direct, cameraless approach for its powerful effect. The dancing flickering composition of moth wings, grasses, blossoms, and leaves ranks among the few classics of experimental film today and is to be regarded as a key work in the history of direct animation.

Since the 1960s, numerous artists and avant-garde film makers have devoted themselves to direct film experiments. The gamut of works ranges from the Basque painter José Antonio Sistiaga's (*1932) vibrating and permanently changing color worlds comprised of thousands of minutely executed individual drawings to Dieter Roth's (19301998) sequences of letters scratched into black film.

After a conspicuous boom of direct animation in the 1980s' experimental film production, the cameraless approach seems to see a revival on a new level within the context of contemporary art. Jennifer West (date of birth unknown), for example, has produced a body of 50 direct films since 2004. She subjects her material to complicated interventions and procedures in a performative mise-en-scène. She uses all everyday materials conceivable, from food and lipstick to motorcycle tires, to work on different formats of film, which are also bathed in more or less effective substances, the respective concept revealing itself only through the title, such as in the case of her work "Film Wearing Thick Heavy Black Liquid Eyeliner That Gets Smeary (70 MM film leader lined with liquid black eyeliner, doused with Jello Vodka shots and rubbed with body glitter)." West's immersive psychedelic filmic spaces powerfully recall the vision of film as synaesthetic art that pervades the history of direct film from Len Lye to Harry Smith and Stan Brakhage.

LIST OF ARTISTS: Stan Brakhage, Tony Conrad, Cécile Fontaine, Amy Granat, Ian Helliwell, Hy Hirsh, Takahiko Iimura, Emmanuel Lefrant, Len Lye, Norman McLaren, Bärbel Neubauer, Luis Recoder, Jennifer Reeves, Dieter Roth, Pierre Rovère, Schmelzdahin, José Antonio Sistiaga, Harry Smith, Aldo Tambellini, Marcelle Thirache, Jennifer West.

CATALOGUE: Zelluloid. Film ohne Kamera Cameraless Film. Edited by Esther Schlicht and Max Hollein. With a preface by Max Hollein and texts by Yann Beauvais, Marc Glöde, Heide Häusler, and Esther Schlicht. German/English edition, 192 pages, 300 illustrations, Kerber Verlag, Bielefeld 2010, ISBN 978-3-86678-395-9 (Schirn and bookshops).

DIRECTOR: Max Hollein

CURATOR: Esther Schlicht (Schirn)

OPENING HOURS: Tue, FriSun, 10 am7 pm; Wed and Thu, 10 am10 pm

Fonte: e-flux newsletter

Itaú Cultural promove Semana Cidade Catraca Livre: Cultura e Educação

2010-6-01T14:37:20Z

O Itaú Cultural, o Instituto Faça Parte e a Associação Cidade Escola Aprendiz apresentam a Semana Cidades Catraca Livre - Cultura e Educação.

De 1 a 6 de junho serão promovidas oficinas, exibição de filmes, música, teatro, debates e o lançamento do Guia Catraca Livre, publicação que reúne as atrações culturais gratuitas ou a preço popular da cidade de São Paulo. As atividades serão realizadas na sede do Itaú Cultural e na Casa das Rosas, ambos na Avenida Paulista.

A novidade fica por conta do Palco Digital, plataforma de educação que conecta escolas de todo país. Os alunos serão estimulados pelas instituições de ensino a desenvolver blogs pensando a cidade como uma experiência de aprendizagem.

Confira a programação completa da semana no site www.itaucultural.org.br/index.cfm?cd_pagina=2841&cd_materia=1332&mes=6&ano=2010

Julian Schnabel - Polaroid Collector's Edition

2010-6-01T14:03:01Z

JULIAN SCHNABEL POLAROIDS COLLECTORS EDITION

During the exhibition Bernheimer Fine Art Photography will offer a Collectors Edition of an exclusive series of unique Polaroids. The small format Polaroid is available mounted and will include a signed copy of the new publication JULIAN SCHNABEL POLAROIDS by Petra Giloy-Hirtz (Prestel Verlag). The Collectors' Edition can be purchased at the Gallery for 2.200 Euro.

Bernheimer Fine Art Photography is proud to announce an exhibition Julian Schnabel Polaroids: Beyond Infinity and Grandview (the show runs from: 01 June - 03 July 2010) of large-scale polaroids by the American artist and film director Julian Schnabel. The exhibition will present a selection of photographs, mostly unpublished, which offer an insight into the enigmatic character of the artist and a glimpse into his working environment. Works to be exhibited include images of Schnabels family and friends, such as Lou Reed, Placido Domingo and Mickey Rourke, alongside polaroids of the artist's private spaces within the Palazzo Chupi on New York's lower West side and the interiors and surroundings of his studios in Brooklyn, Montauk and Manhattan.
Schnabel took these extraordinary large-format polaroids, both in brilliant colour and black-and-white, using a dolly-mounted 20 x 24 in. 1970s camera, and in some cases the artist has painted on the surfaces of the photographs. There will also be an exhibition of Schnabels photographs in the NRW Forum, with a new publication to accompany both shows.

Fonte: photography-now.com

Julian Schnabel - Polaroid Collector's Edition

2010-6-01T14:02:59Z

PHotoEspaña 2010 Opens with an Exhibition by Collier Schorr

2010-6-01T13:02:29Z

LISBON.- New York artist Collier Schorr offers an autobiographical view of the German landscape from which her family originates. A photographic imagination combining her roles as photographer, anthropologist and researcher to create a project which mixes documentary with fiction

Collier Schorrs work is full of images of young and adolescent men. Her series portray wrestlers, men in the military uniform of Nazi Germany or the pre-Vietnam American Army. Her stance is always a classical composition where ambiguity, androgyny, identity and gender confusion are always present.

However, the almost 60 photographs and 3 video on display at the Berardo Museum are part of the work she has competed in a village in southern Germany over the past twenty years. Schorr has created a photographic imaginarium which mixes documentary with fiction, where the German landscape is a map of her own story, both imagined and inherited. Combining the roles of photographer, anthropologist and researcher, she narrates the tales of a place and time determined by memory, nationalism, war, emigration and family. The photographs of landscapes and objects, dead nature and portraits reflect on themes such as history, individualism, identity and gender.

Collier Schorr (New York, 1963) studied at the School of Visual Arts in New York. Her work was included in the Whitney Museum Biennial in 2002 and the first International Center for Photography Triennial. It can also be found in collections at MoMA, the Solomon Guggenheim Museum and the Whitney Museum in New York, the San Francisco Art Museum and the Sandretto Re Rebaudengo Foundation in Italy.

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Veja o que vem fazendo o coletivo francês TENDANCE FLOUE

2010-6-01T11:53:27Z

Mad in France
Collective

Exhibition from June, 4 to July, 11
Franco-Japanese Institute
15 Ichigaya-funagawara-cho Shinjuku-ku - Tokyo 162-8415 - Japan
Opening Thursday, June 3 in Tokyo

Invited by the Franco-Japanese Institute in Tokyo, Tendance Floue presents the exhibition "Mad in France" in Japan.
Mat Jacob and Bertrand Meunier are accommodated in residency at Tokyo Wonder Site in the context of the framework of a collective editorial project to appear in 2011.

Mad in France by Tendance Floue Éditions

Exposição Ricardo Becker - (des) fazer imagens

2010-6-01T11:03:57Z

Abertura 01 de junho, terça-feira às 19h

Exposição de 02 de junho a 31 de julho de 2010

Patricia Gouvêa seleciona fotógrafos para a revista eletrônica americana Bite!

2010-5-31T21:09:23Z

"Photographs feed me. Photographs transport me. Photographs leave a mark on me. Photographs open a gap in ordinary time or transform the ordinary in extraordinary.
This selection of photographic works does not have a master line: they constitute just one part of the images that in some moment aroused emotion in me and for that reason accompany me to these days. These are works from artists as different as their paths, reflections and challenges that each theme provoked, leading them to create methods, concepts and solutions to turn into matter what is born reverie (...)"

Veja todo o depoimento de Patricia Gouvêa, fotógrafa representada em São Paulo pelo ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS, e responsável pela seleção de artistas da revista Bite! esta semana no site www.bitemagazine.net

IV Encontro Cultural - MAM

2010-5-31T13:46:02Z

Segunda-feira, 31 de maio de 2010, às 16h

La Revanche de L'archive Photographique at Centre de la photographie Geneve

2010-5-31T12:25:19Z

With the participation of :
Claudia Andujar, Arab Image Foundation, Roy Arden, Ariella Azoulay, Bernd & Hilla Becher, Mabe Bethônico, Ursula Biemann, Christian Boltanski, Marcelo Brodsky, Banu Cennetoglu, Martin Dammann, Michele Dantini, Silvie & Chérif Defraoui, Jeremy Deller & Alan Kane, documentation céline duval, Dora Garcia, Jochen Gerz, Catherine Gfeller, Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Lois Hechenblaikner, Edward Hillel, Jacob Holdt, Jean-Jacques Lebel, Armin Linke, Susan Meiselas, Gustav Metzger, Gabriele & Helmut Nothhelfer, Uriel Orlow, Mathieu Pernot, Peter Piller, Walid Raad, Ricardo Rangel, Rosângela Rennó, Guadalupe Ruiz, Marie Sacconi, Joachim Schmid, Sean Snyder, Larry Sultan & Mike Mandel, UMAM Documentation & Research, Meir Wigoder and Akram Zaatari.

There are two main reasons linked to archives that have allowed photography to attain the noble level of the museum of fine art.

On the one hand, the artists of the historical avant-gardes used photography as a medium that could touch a wider public than that of art, via the mass media. A number of their protagonists, such as Hannah Höch, Laszlo Moholy-Nagy or Alexander Rodchenko, among others, secretly kept archives of photographs.

On the other hand, museums of fine art started to highlight works by photographers who were aspiring to constitute archives through their photographic documents. Eugène Atget is the first in this lineage. His work inventorying Old Paris served as a model for Walker Evans and Berenice Abbott. In the post-war era the "inventory" of the German population at the time of the Weimar Republic by August Sander was an example for Bernd & Hilla Becher in particular. All these photographers were involved in what Walker Evans calls the "documentary style", one of the characteristics of which is in fact the ambition to set up an archive. Today, the nature of the photographic archive interests a growing number of photographers and artists. Confronted with the avalanche of photographs produced daily, more and more producers of images are becoming archivists-iconographers.

LA REVANCHE DE L'ARCHIVE PHOTOGRAPHIQUE takes stock of this infinitely rich field that resonates closely with "Visual Culture". By considering the period from the 1970s to the present day, it reconnects with the spirit of the avant-gardes and also shows a range of works that are all closely or distantly related to political art or art policy.

This show goes beyond the framework of a conventional exhibition of photographs. It offers not only a broadening outside the field of contemporary art, by including stances reflecting political militancy, anthropology or photo-reportage, and also showing photographic productions from the most varied points of view.

LA REVANCHE DE L'ARCHIVE PHOTOGRAPHIQUE constitutes the central focus of the 50JPG festival (50 Jours pour la photographie à Genève), a triennial devoted to photography initiated by the Centre de la photographie Genève in 2003. Each triennial uses photography to question a contemporary set of problems. After REPRÉSENTATION DU TRAVAIL/TRAVAIL DE REPRÉSENTATION in 2003 and PHOTO-TRAFIC in 2006, the 3rd edition is focusing on the theme of the photographic archive.

Around its keynote exhibition LA REVANCHE DE L'ARCHIVE PHOTOGRAPHIQUE, the Centre de la photographie Genève brings together about thirty institutions, art galleries and alternative spaces in the region that are staging photographic exhibitions. These come within the thematic scope of photographic archives (IN section), or offer photographic exhibitions outside that theme (OFF section).

The festival 50JPG also includes :
a symposium "From one archive to another", organized with the Haute école d'art et de design Genève, on 4 5 June
a portfolioreview FOTOBILD set up for the first time in Geneva on 12 14 June (registrations on www.fotobild-berlin.de/registration)
screenings and lectures

More details on www.50jpg.ch
Dates and tours in English and German for groups (minimum 10 people) are possible on demand.
Bookings: +41 (0)22 329 28 35
Rates: 5. Frs / person (free for children under 16)

LA REVANCHE DE L'ACHIVE PHOTOGRAPHIQUE will be presented in a reduced form at the Museu da Imagem e do Som (MIS) in São Paulo in 2011/12

Novo livro conta a história da vida do comerciante de arte Leo Castelli

2010-5-31T11:33:04Z

NEW YORK, NY.- Leo Castelli reigned for decades as Americas most influential art dealer. Now Annie Cohen-Solal, author of the hugely acclaimed Sartre: A Life (an intimate portrait of the man that possesses all the detail and resonance of fictionMichiko Kakutani, The New York Times), recounts his incalculably influential and astonishing life in Leo and His Circle.

After emigrating to New York in 1941, Castelli would not open a gallery for sixteen years, when he had reached the age of fifty. But as the first to exhibit the then-unknown Jasper Johns, Castelli emerged as a tastemaker overnight and fast came to champion a virtual Whos Who of twentieth-century masters: Rauschenberg, Lichtenstein, Warhol, and Twombly, to name a few. The secret of Leos success? Personal devotion to the artists, his heroes: by putting young talents on stipend and seeking placement in the ideal collection rather than with the top bidder, he transformed the way business was done, multiplying the capital, both cultural and financial, of those he represented. His enterprise, which by 1980 had expanded to an impressive network of satellite galleries in Europe and three locations in New York, thus became the unrivaled commercial institution in American art, producing a generation of acolytes, among them Mary Boone, Jeffrey Deitch, Larry Gagosian, and Tony Shafrazi.

Leo and His Circle brilliantly narrates the course of one mans power and influence. But Castelli had another secret, too: his life as an Italian Jew. Annie Cohen-Solal traces a family whose fortunes rose and fell for centuries before the Castellis fled European fascism. Never hidden but also never discussed, this experience would form the core of a guarded but magnetic character possessed of unfailing old-world charm and a refusal to look backwardtraits that ensured Castellis visionary precedence in every major new movement from Pop to Conceptual and by which he fostered the worldwide enthusiasm for American contemporary art that is his greatest legacy.

Drawing on her friendship with the subject, as well as an uncanny knack for archival excavation, Annie Cohen-Solal gives us in full the elegant, shrewd, irresistible, and enigmatic figure at the very center of postwar American art, bringing an utterly new understanding of its evolution.

Fonte: artdaily.com newsletter
Para mais notícias, acesse www.artdaily.org

Jacob Kassay at Collezione Maramotti

2010-5-31T10:57:52Z

Jacob Kassay at Collezione Maramotti

The exhibition Untitled by Jacob Kassay continues at Collezione Maramotti. The show inaugurated on 22 May in the presence of the artist runs through 3 October 2010.

The project for Collezione Maramotti comprises ten new pieces, some of which are mounted on the wall, while others are lying on the floor.

The canvases have the look of reflecting panels which convey the ghost-like presence of the underlying paint while absorbing and rendering the external surrounding space of the piece. The canvases on the floor, as sculptural elements, are conceived as rejects, surging to the value of possibility/potential.

Kassay's work is based on a minimalist praxis where the industrial process for the production of the art-piece subtracts the quality value of the artefact to replace it with the value of objectuality, turning it into something of interchangeable quality.

The conceptual elements of monochrome, the objectification of paint pigments, the reflection of colour, movement and form, become central in the artist's research, and are codified and translated into a new metaphysics of the painted surface, in a new form of abstraction, strongly lyrical, where the reference to photography appears evident.

The pieces are conceived starting from the priming of the canvas with wide expanses of an acrylic base to make the surface water-proof, and the subsequent application of a silver finish coat which, through a chemical process similar to the industrial process of an electroplating bath, crystallises the accidental components of the painting on canvas, thus creating irregularities on the mirror-like surface. The electroplating process also produces singeing and burning on the uncoated elements along the edges of the canvas, and the appearance of unevenly burnished and oxidized areas on the metal-like surface which are out Kassay's control.

Kassay, who has a photographic background, has transposed many of these techniques in his painting practice. The chemical process of mirror plating on the canvases is comparable to the old photographic process using a suspension of silver salts in gelatin: both techniques produce a transmutation where the light becomes the central element for the sensitization of the base and for the perception of the work.

With this exhibition Collezione Maramotti continues its activity taking place in the space dedicated to specific projects, which houses art pieces made specifically by guest artists. The pieces become then part of the permanent Collection in order to merge together acquisition practices for the expansion of the collection with the practice of public viewing.

Pattern room, as this dedicated space is called, was at one time when the building was a manufacturing plant - the place where models and prototypes were designed. Therefore the dimension of project designing and experimentation merge together as the true vocation of this space, in a continuum between past and present.

The exhibition, with free admittance, may be visited up to 3 October 2010 in the opening hours of the permanent collection.
Thursday and Friday 2.30 6.30 pm
Saturday and Sunday 9.30 am-12.30 and 3.00-6.00 pm
Closed: from 1 to 25 August

Fonte: art-agenda newsletter

Manifesta 8

2010-5-28T10:59:14Z

The 8th edition of Manifesta, the European Biennial of Contemporary Art, will take place in the region of Murcia, Spain. It will explore the idea of a 21st-century Europe, its present-day boundaries with Northern Africa and its interrelations with the Maghreb region. The history of southern Spain has been shaped by a historical blend of Islamic, Judaic and Christian cultural influences coexisting together. This is the inspirational ground from which the next Manifesta 8 biennale will depart to explore new topologies and journeys.

Manifesta, the European Biennial of Contemporary Art, is an initiative of the Manifesta Foundation in Amsterdam. The international Board of the foundation chooses the location as well as the curators of each edition of the biennial. The curatorial team of Manifesta 8 is composed of Alexandria Contemporary Arts Forum (Egypt), Chamber of Public Secrets (Denmark and the Middle East) and tranzit.org (Central Europe). These three curatorial collectives are responsible for both the thematic approach of the exhibition and the selection of artists.

ALEXANDRIA CONTEMPORARY ARTS FORUM

For Manifesta 8 ACAF has developed Backbench, a process-based and quasi-dramatized project based on ACAF's Theory of Applied Enigmatics involving four artist collectives and two moderators. During their residency, the artists and moderators will focus on dealing with the many problems related to what is referred to as "the art system" and the tangled relational bonds between art and society. Discussing many pertinent issues relating to the Theory of Applied Enigmatics, solutions proposed by the artists and moderators will unfold throughout the sessions of Backbench, which will take place inside a set designed to give the impression of an office.

CHAMBER OF PUBLIC SECRETS

The project curated by CPS for Manifesta 8 highlights two of the most relevant aspects of this edition of Manifesta: its transnational focus, which seeks to overcome the limits of nations and borders through artistic experience, and its contribution to expanding the social scope of art practice, which is forced to exceed the formal limits of what has historically been its institutional nature. There are two components, which form the basis of the project. One is the Argentinean "countries", gated residential areas in which the ruling classes or the middle classes live in fear of being attacked by a vague "other", whose image is constructed either as a threatening figure matching the stereotypes imposed by the mass media or based on real experiences of violence. The other is the prison, an archetypal space in modern disciplinary politics, based on a historic figure that is the most extreme example of the model of institutional disciplinary spaces.

TRANZIT.ORG

The collective plans to create a "Constitution For Temporary Display" for Manifesta 8 in order to challenge all stereotypes applied to a biennial such as Manifesta.

Submitting the mechanisms of the biennial to a critical analysis by artists and advisors, tranzit.org aims at realizing such a constitutional proclamation and translating it into a concrete program of action.

VENUES IN MURCIA AND CARTAGENA

Manifesta 8 will take over a wide range of spaces in Murcia and Cartagena including museums and art centres, but also historical buildings, opened to the public for the first time, and other non conventional sites. The various venues will become part of a tour acquainting the visiting public with both cities, while introducing local residents to hitherto undiscovered aspects of their home towns.

Exposição Sheila Rock: Sera - The way of the Tibetan Monk. Berlim

2010-5-28T10:58:55Z

Sheila Rock
Sera - The Way of the Tibetan Monk

In 1970 exiled Tibetan Monks founded the Buddhist monastery, Sera, in the southern Indian state of Karnataka. This monastery furthers the Tibetan Buddhist tradition of one of the "Three Great Monasteries," Sera in Lhasa, the five-hundred-year monastery now under Chinese control. This exiled monastery is a place of shared learning and a place of philosophical and religious debate. It is a place where the highest academic graduates of the monastic university will grow. Monks will study the Buddhist teachings and texts here for nearly twenty years.

In stunning imagery the American photographer Sheila Rock captures the asceticism and the deep spiritual life within this world. She captures the sense of community, the precise routine of song and prayer as well as moments at play. Rock's austere photographs give us a most unique insight into the monastic daily life with monks at work on handcrafts or meditating in their sparsely furnished bedrooms. The deliberate absence of color photography lends additional intensity to these images. Rock uses light to frame intimate spaces, to model forms, and to accent looks and gestures. She photographs some monks before neutral backgrounds, as she has in her portraits of famous singers and musicians. The simplicity of these compositions reduces the image to the expressive languages of clothes and faces: faces that are not easily forgotten, the seriousness of children's faces deep in reflection, subdued and concentrating faces of young men, and the cheerful serenity of the old.

Sheila Rock's photographs reveal the great strength drawn from an experience of displacement and loss of homeland. She shows people who have traveled a long way in search of a higher wisdom. This photography's art is stirring. It moves us even into an encounter with ourselves, seeing a beauty within simplicity which we may no longer even recognize.
(Susanne Schmid, translation Sondra Kitchen)

photography-now.com
Torstr. 218 | 10115 Berlin | Editor: Claudia Stein
contact@photography-now.com | T +49.30.24 34 27 80

Inauguração Site

2010-5-28T10:29:03Z

É com imensa satisfação e alegria que o ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS anuncia o lançamento de seu site

Coletivo Kameraphoto

2010-5-26T11:15:04Z

Quarta 26 de Maio de 2010
22h Bartô
Outras Quartas

Exposição temporária acolhida no Bartô do Chapitô de terça a domingo, das 22H00 às 02H00, de 26 de Maio a 27 de Julho (visitas guiadas mediante agendamento).

Bar do Chapitô - Lisboa - Portugal

Reopening of the newly reconstructed Kaisersaal (Emperor's Hall) at the Museum of Photography

2010-5-26T11:02:13Z

New View
Architectural Photography from the National Museums in Berlin
An exhibition of the Art Library's Collection of Photography

Eugène Atget | Édouard Denis Baldus | Bisson Frères (Louis-Auguste & Auguste-Rosalie) | Samuel Bourne | Alvin Langdon Coburn | Otto Ehrhardt | John Beasley Greene | Wilhelm Hammerschmidt | Heinrich Heidersberger | Alexander Henderson | Candida Höfer | Stefan Koppelkamm | Hermann Krone | Bernard Larsson | Reiner Leist | Ute Mahler | Helmut Newton | Helga Paris | Albert Renger-Patzsch | Thomas Ruff | Heidi Specker | Hiroshi Sugimoto | ...

The Art Library is reopening its newly reconstructed Kaisersaal (Emperor's Hall) at the Museum of Photography with a show of hidden treasures of architectural photography from the collections of the National Museums. Nearly all of the individual museums have acquired since some 150 years photographs. The genre of architectural photography is especially prominent represented. It was collected for the purpose of documenting ethnological and archeological expeditions, to archive architectural monuments or as an art form in its own right. An impressive panorama of the most diverse architectural motifs unfolds, ranging from the beginnings of photography to today: to mention but a few, there are images of bamboo huts from the Ethnological Museum, of temples from the Egyptian Museum, of Indian mosques from the Museum of Asian Art and architectural photographs from classical modernism that come from the Art Library's Collection of Photography. Around 300 exhibition items present architectural photography as a central genre of the medium, and open up a new, uncommon view of their history.

Catalogue
edited by Ludger Derenthal and Christine Kühn
with essays by Ludger Derenthal, Janos Frecot, Simone Förster, Susanne Holschbach, Stefanie Klamm, Kathrin Kohle, Christine Kühn, Barbara Lauterbach, Andrea Lesjak, Kristina Lowis, An Paenhuysen, Miriam Paeslack, Annette Philp
Hardcover, 416 pages with 330 illustrations, ISBN 978 3 8030 0704 9
Ernst Wasmuth Verlag, Tübingen and Berlin
34,80 (museum), 49 (booktrade)

Exposição Angola Mood - Jordi Burch

2010-5-25T11:52:30Z

ANGOLA MOOD by JORDI BURCH

GALERIA BERNARDO MARQUES
R. D. Pedro V, 81
1250-093 Lisboa
Tel: +351210965897

UNTIL MAY 25th 2010

SCHEDULE:
Tuesday to Saturday - 11am to 7pm

Presença Brasileira Será Maior na 29a Bienal de São Paulo - 2010

2010-5-25T10:21:58Z

Presença brasileira expressiva na mostra se traduz em 34% do total de artistas, caso se confirmar a previsão de 51 brasileiros entre 148 já convidados.

fonte: Arte Folha de São Paulo

Exposição de Lançamento do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS - por Luigi Stavale

2010-5-24T13:47:47Z

veja as imagens da exposição de lançamento do ESCRITÓRIO pelo fotógrafo Luigi Stavale.

Lembramos que a mesmo fica em cartaz na Galeria Eduardo Fernandes até o dia 28 de maio. Venha nos visitar!

Convivência de Diferenças - crítica da Exposição do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS

2010-5-24T11:30:03Z

Convivência de Diferenças

A mostra que marca o lançamento do Escritório de Fotografias Luiz Porchat, na Galeria Eduardo Fernandes, em São Paulo, SP, em 2010, evidencia, nos 12 artistas que integram o conjunto, a diversidade que caracteriza a produção artística contemporânea. Ao contrário do que ocorria no século passado, onde grupos dominantes conseguiam fazer imperar certas tendências, atualmente, graças a fenômenos como a internet e as mídias sociais, as diferenças convivem nos mais variados ambientes.
Ana Lúcia Mariz trabalha a paisagem de modo que a sua imagem origina o diálogo entre a repetição de um assunto e a criatividade do olhar em termos de estabelecer novidades pelo gerar paradigmas que instauram visões progressivas de quebras e riscos naquilo que parece estável sob um contemplar apressado.
Christiana Carvalho concentra a sua vista numa pedra. A imagem estabelece um mundo em que o grande mérito está na configuração atingida para encantar o observador, num processo elaborado de composição em que o fotografo, pelo olhar que recebeu, alcança intenso grau de sedução.
Fausto Chermont lida com o universo de um barracão de escola de samba. O atingir uma personalidade própria se dá pela maneira como se apresenta uma harmonia entre as cores e pelo convívio entre a liberdade que salta ao olhar e o processo de raciocínio visual na composição da fotografia.
Um clima semelhante é encontrado em Ilana Bessler, que lida com a problemática do corpo. Surge ali uma atmosfera misteriosa que valoriza o resultado que homenageia, de certo modo, a capacidade das imagens de transmitir visões de mundo e do fotógrafo de dar a cada realização o poder de uma construção plástica.
Jacques Faing traz em suas paisagens, ondas do mar, retratos do espírito de percorrer as veredas da passagem terrena. Suas poderosas estruturas visuais e arquetípicas nos lembram que a arte é o campo de realizar perguntas com talento e de mostrar o poder da natureza de originar uma paixão e também de destruir ilusões.
Nessa direção do indagar, Jordi Burch, ao se debruçar sobre o universo feminino, vale-se dos cromatismos do vermelho e do verde para questionar como práticas humanas aparentemente banais, que podem passar despercebidas, alimentam a fotografia para criar visões peculiares da vida.
A existência emana como uma jornada em que a felicidade parece ser possível na imagem de Luciano Bonomo. Existe ali a discussão da paisagem noturna como um caminhar de estrelas, mas também de experiências humanas num horário em que o escuro remonta ao útero materno e ao começo de toda travessia.
Delicadeza semelhante, só que voltada para o domínio das manchas de propor imagens está em Luigi Stavale. As cores podem ser vistas como uma exaltação da fotografia como veículo de comunicação que valoriza a própria vida como âmbito de uma arte em que existir não é um fardo, mas uma conquista cotidiana.
Uma atmosfera mágica se faz presente em Patrícia Gouvêa. Suas dunas constituem um díptico que aponta para a importância de lidar com o imaginário como uma instância em que o prazer de criar se manifesta com intensidade e candura dentro da linguagem de cada artista.
Paula Brandão mergulha no universo da sexualidade que permeia hotéis de segunda categoria. Suas imagens fascinam pela compreensão do chamado real tão somente como a instância inicial de uma apreensão que pode ser transformada por uma óptica impressionista ou adquirir características bem livres.
Oriundo de uma leitura aberta do dia-a-dia, o trabalho de Penna Prearo mostra ambientes urbanos que parecem derreter. Há ali indagações sobre o duplo. A força motriz dessa imagem provém de um certo realismo, na figura representada, e de um conceito, pois a pesquisa visual tem como norte a busca de soluções plásticas.
A fotografia de Renan Cepeda encontra uma casa como ponto de partida para construir uma imagem em que, pelo uso da luz, reside a mensagem de como a arte pode, dentro da técnica de cada um, alertar para a imperiosa necessidade de dar a cada obra gestada e produzida um toque de originalidade.
Como um todo, a mostra ilustra a saudável competência da fotografia de estimular o diálogo entre universos estéticos muitas vezes distantes em aspectos como concepção, processo utilizado e realização. Mesmo assim, nessa multiplicidade de abordagens, é possível verificar denominadores comuns que estimulam nossas percepções.

Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp. Integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Entrevista Luiz Porchat na Radio UNESP - Perfil Literário

2010-5-21T11:03:03Z

Entrevista para a rádio Unesp, 105.7FM, por Oscar DAmbrosio, doutorando em Educação, Arte e História da Cultura na Universidade Mackenzie, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp. Integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

Para ouvir a entrevista diretamente dos arquivos da rádio, favor clicar no link de
21-May-2010 17:09, na página http://aci.reitoria.unesp.br/radio/perfil_literario/

Lançamento ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS por Sandra Rocha

2010-5-18T13:47:21Z

A fotografia, seja qual for a sua aura, é incontestavelmente um dos modelos de representação mais adaptáveis e esteticamente um dos mais vastos da História da Arte. Mas ela tem limites. Um deles é o fato de que desde a sua existência (em negativo, papel ou suporte digital) e desde que o seu autor deseje que a sua imagem chegue a um número relativamente importante de pessoas, ela necessita de um meio difusor, de um suporte que lhe transmita um estado (que nunca é o puro) em direção ao potencial observador.

Eu pouco ou nada sei sobre o contexto destas imagens aqui apresentadas, nem da forma como foram pensadas, em que condições foram captadas, que tipo de relação cada um dos artistas desenvolveu com os lugares e as pessoas que povoam esta ou aquela fotografia. Não saber nada destas imagens não é para mim particularmente constrangedor, porque cada uma delas cria uma trama de referências na qual os universos e a (não) identificação de lugares são fornecidos através de processos formais muito precisos. Quando olho para estas fotografias a única certeza que tenho é que cada uma delas não é capaz de denunciar mais do que a verdade da sua própria natureza, cada uma delas só é capaz de dizer com exatidão uma única coisa: eu sou uma fotografia, o que implicitamente significa que não é uma pintura, um desenho ou uma litografia.

É verdade que a fotografia deixa de ser ela mesma no momento em que utiliza o papel impresso para ser vista, mas essa é uma das suas características intrínsecas: ela vive indissociavelmente da e na sua reprodutibilidade própria e, inevitavelmente, esta característica torna-a dependente dos que a utilizam, contextualizam e materializam para o olhar do espectador. Luiz Porchat, amante incontestável da arte, em especial da fotografia, e colecionador, vai, a partir de agora, com o Escritório de Fotografias, contribuir para a divulgação da arte fotográfica. Uma missão apaixonante mas difícil e arriscada, porque ao contrário do que se possa acreditar, a teoria de que vivemos numa civilização da Imagem é falsa: vivemos apenas num período onde o homem se encontra sitiado de imagens de natureza diversas, nos modos de produção e na relação destas com o real. Há muito ainda para aprender a ver quando olhamos para imagens.

Nas fotografias aqui apresentadas resta-nos seguir com sentimento os indícios que elas oferecem, alguns discretos e breves, outros ousados e densos, e deixar-nos levar por Luiz Porchat neste processo complexo mas apaixonante de aprendizagem.

Sandra Rocha, fotógrafa e co-fundadora da KGaleria (Lisboa)
São Paulo, 18 de Maio de 2010

Mapa das Artes divulga exposição de lançamento do ESCRITÓRIO

2010-5-18T11:24:07Z

Mostra coletiva marca o lançamento do Escritório de Fotografias Luiz Porchat. São apresentados trabalhos de fotógrafos como Penna Prearo, Fausto Chermont e Renan Cepeda, entre outros

Fonte: www.mapadasartes.com.br/buscann.php

Mostra coletiva do Escritório de Fotografias Luiz Porchat @ Arte na Lente

2010-5-18T11:23:41Z

"São apresentados trabalhos de fotógrafos como Penna Prearo, Fausto Chermont e Renan Cepeda, entre outros"

Fonte: http://artenalente.com.br/blog/?p=52

Quem Eu? por Ilana Bessler

2010-5-18T11:01:56Z

O Projeto consiste em retratar pessoas comuns em lugares públicos em grandes centros urbanos.
Confira aqui uma pequena amostra!

Fotos Abertura - Exposição de Lançamento do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS

2010-5-18T10:25:15Z

Exposição fotográfica - ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS Luiz Porchat
Exposição de lançamento na GALERIA EDUARDO FERNANDES
De 18 a 29 maio de 2010.
Rua Harmonia, 145, Vila Madalena São Paulo SP
Visitação de terça a sábado, das 11 às 17 horas.

Veja mais fotos do evento no nosso facebook!

Exposição de Lançamento ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS

2010-5-18T10:06:45Z

Exposição fotográfica - ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS Luiz Porchat
Exposição de lançamento na GALERIA EDUARDO FERNANDES
De 18 a 28 maio de 2010.
Rua Harmonia, 145, Vila Madalena São Paulo SP
Visitação de terça a sábado, das 11 às 17 horas.

Escritório de Fotografias @ twitter

2010-5-16T11:25:58Z

"Dia 18 de maio abre em São Paulo uma nova galeria dedicada à fotografias: http://escritoriodefotografias.com/ "

Fonte: http://twitter.com/gil_sibin

Escritório de Fotografias @ DASartes

2010-5-16T10:34:00Z

agenda

Evento

Título: ESCRITORIO DE FOTOGRAFIAS Luiz Porchat
Quando: 18.05.2010 - 29.05.2010
Onde: GALERIA EDUARDO FERNANDES - São Paulo
Categoria: Exposições Nacionais

Descrição

Dia 18 de maio, às 19 horas, será apresentado o conceito de seu Escritório de Fotografias em exposição de seus artistas na Galeria Eduardo Fernandes, na Vila Madalena, em São Paulo.

A idéia é prática, objetiva e sofisticada: representar fotógrafos, sejam eles consagrados ou novos talentos, que atuam em várias frentes do mercado e promover a arte da fotografia, estimulando discussões e o colecionismo. O Escritório de Fotografias - Luiz Porchat é um business, que já conta com doze fotógrafos, mas, antes de tudo, é um ofício ligado à fotografia com o propósito de interagir com os artistas e selecionar oportunidades. Além de acompanhar tendências buscando apoiar e contribuir para a criação e formalização de novos caminhos, discursos e pesquisas, o escritório vai aliar as novas tecnologias às técnicas mais tradicionais na promoção, produção e divulgação da fotografia (...)

Veja aqui conteúdo divulgado na íntegra

Escritório de Fotografias @ fotocontemporanea.blogspot

2010-5-14T10:26:47Z

http://fotocontemporanea.blogspot.com/2010/05/escritorio-de-fotografias.html

Rudolf Steiner at Kunstmuseum Wolfsburg

2010-5-13T11:00:08Z

Never before has the "Steiner cosmos" been as comprehensively portrayed as in the two parallel exhibitions "Rudolf Steiner and Contemporary Art" and "Rudolf Steiner. The Alchemy of the Everyday." This large-scale, two part project takes up a phenomenon that has only attracted little attention in the past, but which is among the most exciting chapters in modern art and intellectual history. Major artists ranging from Wassily Kandinsky and Piet Mondrian to Joseph Beuys regularly occupied themselves with Rudolf Steiner's universal world of ideas and drew valuable impulses from them for their work. With the start of the twenty-first century, this link has a received new brisance resulting from the increasing interest contemporary artists have been showing in Steiner. Against the backdrop of the lively debates regarding ecological responsibility, the religious search for meaning, and an economic system that has spun out of control, the integral world view such as Steiner's is simultaneously experiencing growing attention.

The part of the exhibition entitled "The Alchemy of the Everyday" assembled by the Vitra Design Museum examines the impact of this central twentieth-century reformer in the fields of architecture, art, and society. It is the world's first comprehensive retrospective dealing with Steiner outside an anthroposophical context.

The exhibition "Rudolf Steiner and Contemporary Art" organized by the Kunstmuseum Wolfsburg in collaboration with the Kunstmuseum Stuttgart attempts to unlock Steiner's Universalist world of ideas based of the works of fifteen present-day artists.

The exhibitions are supported by Volkswagen Finacial Services AG and by the German Federal Cultural Foundation.

Biennale of Sydney

2010-5-12T11:27:06Z

Based on the curatorial theme THE BEAUTY OF DISTANCE: Songs of Survival in a Precarious Age, recent and new works by Australian artists will be showcased alongside international artists at Sydney's leading cultural institutions, contemporary art spaces and heritage sites.

Marah Braye, Chief Executive Officer, Biennale of Sydney, remarks: 'In 2010, the Biennale celebrates its 37th anniversary, making it the third longest running biennale in the world. We anticipate building on our record attendance from 2008 and expect to welcome more visitors than ever before to this spectacular free event.'

Audiences of all ages will be delighted, challenged and inspired by the artists and works in this Biennale. Visitors can walk from venue to venue along Sydney Harbour's edge and then take the free ferry to Cockatoo Island. Artist talks, performances, forums, film screenings, family events, guided tours and other special events will be featured throughout the 17th Biennale exhibition period.

David Elliott, international curator, writer, broadcaster and museum director, explores connections between the visual arts and other art forms in 'THE BEAUTY OF DISTANCE'. Artists' works will be presented alongside the work of contemporary writers, filmmakers, commentators and musicians. Some projects will be displayed at venues for the duration of the exhibition; others will be one-off events and performances.

Elliott says: 'I'm very excited to be presenting the 17th Biennale of Sydney. The aim of this Biennale is to bring together work from diverse cultures, at the same time, on the equal playing field of contemporary art, where no culture can assume superiority over any other.'

Elliott has constructed 'THE BEAUTY OF DISTANCE' with Sydney's position as an iconic modern world city in mind and believes biennales should enter into conversation with the places where they are shown. 'This exhibition has been designed specifically for Sydney and, equally, would stand up well in any international city,' he explains.

Cockatoo Island returns as a major exhibition venue in 2010, building on the success of its inaugural use for the 16th Biennale of Sydney (2008). The venue will feature works by approximately 50 artists spread throughout the island's cavernous structures and open spaces. The island will feature many new site-specific works, created directly in response to the location. Elliott says: 'Cockatoo Island is historically significant as both a prison and an industrial powerhouse; it offers a variety and vastness of space, which is a fantastic challenge and privilege for artists. It is one of the unique environments of Sydney and we will be filling it with art.'

ABOUT THE BIENNALE OF SYDNEY

As Australia's largest and most exciting contemporary visual arts event - with 436,150 visits in 2008 - the 17th Biennale of Sydney (2010) will celebrate the organisation's 37th anniversary.

Since its inception in 1973, the Biennale of Sydney has provided an international platform for innovative and challenging contemporary art from Australia and around the world. Every two years, the Biennale of Sydney is presented free of charge to the public over a twelve-week period. Over the past 37 years, the critically acclaimed and popular large-scale exhibitions have showcased more than 1355 artists from over 82 countries.

With a tradition of innovation, the Biennale of Sydney was among the first to celebrate Australia's cultural and ethnic diversity; the first to show indigenous art in an international contemporary art context; and the first to focus on Asia and the contemporary art of our region.

VENUES
The Biennale of Sydney venues combine established and high-profile museums, dedicated contemporary art spaces, heritage sites and buildings, as well as outdoor city areas. In 2010, the 17th Biennale of Sydney will be situated across the heart of the city in a series of venues: Cockatoo Island, Pier 2/3, the Museum of Contemporary Art, Sydney Opera House, Royal Botanic Gardens, Artspace and the Art Gallery of New South Wales (Grand Court).

Fonte: photography-now.com

Inauguração oficial do novo espaço do ESCRITÓRIO

2010-4-12T10:03:11Z

Novo espaço independente possibilita receber clientes mediante agendamento prévio, além de ser um espaço destinado também a reuniões com parceiros, fornecedores e artistas.

Luiz Porchat - Contribuições Anteriores

2010-4-02T10:19:44Z

Peter Granser Leica Award Coney Island
Leica GALLERY São Paulo 2007

Marcio Pilot Nude Works
Leica GALLERY São Paulo 2007

Luciano Huck Na Terra, No Céu, No Mar
Espaço Fashion Shopping Center Iguatemi - São Paulo SP
Rio Design Barra Rio de Janeiro RJ
2007

Guto Seixas Oeste
Leica GALLERY São Paulo - 2007

Veja também fotografias-destaque das exposições

Escritório de Fotografias @ Le Lis Blanc Deux

2010-3-25T11:23:32Z

Gente que vê e faz arte

Com doze artistas nacionais e internacionais, o escritório de Luiz Porchat é uma galeria virtual de fotografias. O pré-lançamento aconteceu durante o 5º Festival Internacional de Fotografias de Paraty em 2009 e o lançamento oficial está marcado para 19 de Maio, em São Paulo.

É um business, mas, antes de tudo, é um oficio ligado à fotografia com o propósito de interagir com artistas talentosos, sejam eles novos ou consagrados, diz Luiz, diretor do escritório que conta ainda com a participação da produtora cultural Isabela Galdino.

Selecionamos aqui imagens de dois artistas da casa, o carioca, Jaques Faing, que atua no campo da fotografia autoral, editorial e artes plásticas. Jaques colabora também em veículos editorias no Brasil, Paris e NY e conta com algumas obras em acervos de São Paulo e Rio de Janeiro.

A outra artista é a paulista Christiana de Carvalho, que iniciou sua carreira fotografando espetáculos de dança e teatro em São Paulo. Desde 2000 começou a desenvolver projetos de cunho pessoal que já resultaram em exposições.

Fonte: http://www.lelis.com.br/lelisblanc/blog-le-lis/indice-18.aspx

A State of Affairs - Jordi Burch

2009-12-31T16:46:36Z

Neste projeto, que resultou nesta mostra de 91 obras, 13 fotógrafos foram envolvidos, em 13 locais diferentes e durante uma semana (7 dias).
Entre os fotógrafos do coletivo Kameraphoto que é parceiro do ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS esta o nosso artista representado Jordi Burch.

Escritório de Fotografias @ Pictura Pixel

2009-12-30T11:01:45Z

Veja divulgação direto do site em www.picturapixel.com/?p=17282

Renan Cepeda Night Paintings

2009-12-09T16:08:59Z

Renan Cepeda utiliza a técnica light painting, pintura com a luz, na qual ele mantém a câmera durante cerca de 20 minutos com o diafragma aberto, usando negativo em formato grande, às vezes filtros coloridos e, inteiramente vestido de preto, desenha com uma lanterna a paisagem: a casa, a árvore, o cruzeiro da praça. Todos os efeitos na fotografia são realizados no ato fotográfico, sem manipulação posterior. Ele diz que trabalha o que o olho humano não vê. Ele utiliza a câmera Flexora Elmar 6×6, fabricada em 1952, que, de acordo com ele, é perfeita para fazer este trabalho. Com ela, Renan Cepeda registra conjuntos de casas abandonadas e, eventualmente, algum personagem desses lugares, que por algum motivo ainda permanece no local. O objetivo dele é revelar um Brasil mais profundo e investigar por que esses lugares foram abandonados.

Renan Cepeda Night Paintings

2009-12-09T16:02:37Z

Renan Cepeda Night Paintings

2009-12-09T16:01:28Z

Exposição 17 Augustas, fotografias de Paula Brandão

2009-11-27T13:09:00Z

As imagens abordam a vida na Augusta em momentos íntimos, em detalhes de sua arquitetura, na procura da sua memória , no anonimato e na pulsação da vida no dia a dia. São olhares poéticos, documentais, inquisidores que criam pequenas narrativas que trazem novas visões e perspectivas para o nosso olhar. O que todos tem em comum é um frescor na procura da melhor forma de ver e entender o sentido de uma Augusta que é ao mesmo tempo tão central e desapercebida em nosso cotidiano.

Exposição Polaroids, de Paula Brandão

2009-11-18T12:11:14Z

Paula trabalha desde 2000 com assistência de direção de filmes e é apaixonada por cinema, fotografia, artes plásticas e viagens. Já rodou o mundo captando as melhores imagens com a câmera Super-8 e com sua inseparável Polaroid.
Desde 2009 a artista faz parte do ECRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS, vejam suas suas fotos aqui no nosso site!

Livro Ateliê Fidalga - Fotografias de Ana Lucia Mariz

2009-11-15T17:13:25Z

Com textos dos curadores Paulo Reis e Kátia Canton e depoimentos dos artistas Roberto Fabra, Reginaldo Pereira, Fernando Velazquez e Daniel Caballero. O livro dedica duas páginas a cada artista, dando visibilidade aos trabalhos desenvolvidos nos últimos 10 anos.

450 anos da Universidade de Évora - Jordi Burch

2009-11-01T16:54:41Z

Ao longo de um ano, seguiram de perto as atividades da universidade no seu espaço próprio. Acompanharam docentes, funcionários e alunos no seu trabalho, nas suas rotinas diárias, no ambiente e na comunidade em que se integram. O resultado do projecto 450, a apresentar no próximo dia 1 de Novembro, terá várias vertentes, desde logo a inauguração de uma exposição, composta por 114 imagens, o lançamento do livro 450 e a projecção do filme A Rede, da autoria de Rui Xavier, membro do colectivo, com duração de 16 minutos.
Esta será a última exposição no Palácio da Inquisição, sala de exposição da Fundação Eugénio de Almeida, que dará lugar ao futuro Museu de Arte Contemporânea de Évora. O projecto 450 contará igualmente com uma página na internet, no qual se poderá visitar galerias com o trabalho realizado pelos fotógrafos da [Kameraphoto].
Entre eles esta nosso fotógrafo representado pelo ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS Jordi Burch.

Estamo Juntos! , fotografias de Jordi Burch

2009-9-10T18:13:12Z

Confiram em nosso site as fotografias da exposição: Estamos Juntos!

Lusofonia , fotografias de Jordi Burch

2009-9-10T18:03:46Z

Os fotógrafos da Kameraphoto reuniram os seus trabalhos sobre (ou realizados em) Angola, Brasil, Cabo Verde, Guiné Bissau, Moçambique, Portugal, São Tomé e Príncipe, Goa e Timor. Fizeram uma seleção que representa (bem) os vários autores da agência e os diferentes lugares, ou territórios, e neste caso nenhum politicamente correto meteu ao bolso a memória dos antigos trânsitos exploratórios, imperiais ou coloniais, e a actualidade dos vínculos e dos interesses comuns. Pelo contrário, levou-se ao centro do velho ex-império colonial belga (bem resistente à mudança) a atenção ao eixo lusófono, que não é só o uso da mesma língua. Não tem sido frequente esse desafio estratégico, com passado e certamente com futuro.

EGOISTA , fotografias de Jordi Burch

2009-9-10T10:52:34Z

Confiram aqui em nosso site as fotografias do artista do ESCRITÓRIO Jordi Burch publicadas na revista EGOISTA.

Eu que amo tanto , fotografias de Jordi Burch

2008-12-01T12:55:26Z

As imagens exibidas fazem parte do livro Eu que amo tanto e são acompanhadas de textos da jornalista Marília Gabriela.

6° Paraty em Foco - Festival Internacional de Fotografia

-0001-11-30T00:00:00Z

O 6° Paraty em Foco apesar do tempo nublado deste ano ,vem se firmado como um dos mais importantes do País e se aprofunda cada vez mais na reflexão do papel da fotografia na sociedade contemporânea.

A fotografia mineira foi a grande homenageada deste ano com uma projeção interessante e que vem crescendo com algumas revelações.

Algumas exposições estavam simplesmente imperdíveis, como Pele Preta da fotógrafa Maureen Bisilliat e a exposinstalação do francês Georges Rousse.

Participei do workshop do Kameraphoto que tinha como foco as narrativas visuais, o qual foi muito importante para a minha compreensão e análise de uma imagem como objeto em si mesma ou por seu meio interativo.

No Leilão, muita obra de qualidade sendo comercializada por valores abaixo do mercado, mas o objetivo deste é incentivar o colecionismo.

Das entrevistas, assistimos menos do que gostaríamos por conta de outras atividades, mesmo assim as que estávamos presentes foram excelentes.

Confiram as fotos do festival aqui no site.

6° Paraty em Foco - Festival Internacional de Fotografia

-0001-11-30T00:00:00Z

O 6° Paraty em Foco apesar do tempo nublado,não deixou nada a desejar, muita gente bacana, muita atividade interessante.

Algumas exposições estavam simplesmente imperdíveis, como Pele Preta da fotógrafa Maureen Bisilliat e da exposinstalação do francês Georges Rousse.

As entrevistas e Encontros foram todas excelentes, em especial a do Coletivo Holandês Noor com tradução simultânea engraçadíssima.

O leilão do PEF virou tradição e sua principal justificativa é o incentivo ao colecionismo fotográfico, e este ano não foi diferente.Muita obra de qualidade sendo comercializada por valores abaixo do mercado, o que é ótimo considerando o objetivo do leilão.

O festival vem se firmado como um dos mais importantes do País e a cada ano se aprofunda na reflexão do papel da fotografia na sociedade contemporânea.

Confiram aqui em nosso site as fotos do festival.

6° Paraty em Foco - Festival Internacional de Fotografia

-0001-11-30T00:00:00Z

.: Blog :.

Patricia Gouvêa no Exhibition Centre de Pequim

Pulitzer de fotografia 2012

Renan Cepeda é finalista em prêmio internacional de fotografia

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS no ESTADÃO!

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na primeira edição da feira P/ARTE!

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na feira PARTE!

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na Casa Vogue

OFF PEF 2011

Paraty em Foco 2011

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na SP-ARTE/FOTO 2011

Renan Cepeda - Knight Paintings

Renan Cepeda no jornal O Globo

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na Dasartes!

Inauguração de Palimpsestos, obras de Tom Lisboa no Ateliê da Imagem

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS na Casa Claudia!

Programa Colecionador Paraty em Foco

SEXTA LIVRE apresenta sete anos de ensaios

Chez Escritório de Fotografias no EYE4DESIGN

Renan Cepeda finalista do Hasselblad Masters

Novo polo para decoração - Renan Cepeda

Catálogo "São Paulo Sec.XXI" - Fausto Chermont

Exercícios de Arte Lúdica - Fotografias e vídeos de Patricia Gouvêa

SaLA de Fotografias no feriado!

ESCRITÓRIO DE FOTOGTRAFIAS na Casa Cor!

Registros da 1a.SaLA de Fotografias

1a. SaLA de fotografias

SAVE THE DATE

SaLA de fotografias no Estadão

Mostra fotográfica São Paulo Século XXI

Um Olhar Sobre a Fotografia Carioca - Patricia Gouvêa

NAFOTO 20 Anos

VÉUS , fotografias de WALTER FIRMO

Renan Cepeda na Revista Inteligência

Yann Arthus-Bertrand no MASP

Geração 00 - A nova fotografia brasileira

Livro destaca trajetória do artista Fernando Lemos

Thomaz Farkas (1924-2011)

Coleção Particular - Anos 80 RJ/SP

Ciclo de Palestras sobre Aleksandr Ródtchenko

Largo das Artes - Acervo

Daisy Xavier Expõe na Galeria Eduardo Fernandes

ESCRITÓRIO DE FOTOGRAFIAS @ Revista Kaza

The Armory Show

German Lorca: Olhar-Imaginário

Vik Muniz estreia exposição "Relicário"

Adriana Varejão bate recorde em leilão na Christie's

Olafur Eliasson no 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil

Foto em Pauta Tiradentes

Leica Oskar Barnack Award

LUGARES, ESTRANHOS E QUIETOS - Wim Wenders

Thomaz Farkas: uma antologia pessoal

Fotografia - Arte e Mercado

VIP ART FAIR - Primeira feira mundial online

O Mundo Mágico de Escher

HAPPY END - VALDIR CRUZ - Exposicão BONITO

Flórida inaugura novo museu dedicado a Salvador Dalí

Conheça um pouco mais sobre o nosso fotógrafo Penna Prearo

Painéis Guerra e Paz, de Portinari, serão expostos no Rio de Janeiro

Prêmio Governo do Estado de São Paulo - Fundação Dorina Nowill

Lançamento da revista de artes visuais Dasartes #13

Última Sexta-Livre de 2011 no Ateliê da Imagem

Photographer # 143 : Renan Cepeda

São Paulo, Pontes e Vistas Fotografias de Marcelo Lerner

Rubens Matuck e a Aquarela

Miami Art Basel 2010

Projeto Portfolio

Próxima Sexta-Livre no Ateliê da Imagem! - RJ

Ex-sócios do Pactual investem em arte

Valdir Cruz expõe Bonito

Teaser do fotógrafo Penna Prearo

Foto de Richard Avedon vendida por valor recorde de 841 mil euros

PARIS PHOTO 2010:Maior feira de fotografia do mundo expõe obras de latino-americanos

Alfio Tommasini abre Exposição na Kgaleria em Lisboa!

I Semana Potiguar de Fotografia

Entrevista Ilana Bessler na Radio UNESP - Perfil Literário

Artur Lescher abre sua primeira individual em Nova York.

Memory doesn't work por Jordi Burch

Termina hoje a 34ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

Exibição do curta-metragem Diários, de Patricia Gouvêa

Mostra fotográfica São Paulo Século XXI

Painéis Guerra e Paz, de Portinari, serão expostos no Rio de Janeiro

Exibição do curta-metragem Diários, de Patricia Gouvêa

Livro Cidade Cantada - Fotografias de Luigi Stavale